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Gestern habe ich mir Jonathan Glazers The Zone of Interest angesehen, laut Steven Spielberg der beste Holocaust Film seit Schindlers Liste. Spielberg ist offenbar von sich überzeugt. Harhar. Tatsächlich ist The Zone of Interest ein ganz anderer Film als es Schindlers Liste war, denn er porträtiert das Leben der Täter.

The Zone of Interest basiert lose auf dem Roman von Martin Amis und auf der tatsächlichen Lebensgeschichte von SS-Obersturmbandführer Rudolf Höss (Christian Friedel), der das Lager Ausschwitz aufbaute und mit seiner Frau Hedwig (Sandra Hüller) und den fünf Kinder auch direkt angrenzend an dieses Lager wohnt. Die Familie hat ein großes Haus und einen noch größeren Garten und wir sehen in diesem Film, wie diese Familie lebt. Viel mehr passiert nicht, es ist eher ein Konstrukt als eine Geschichte. Wir als Zuschauer sehen keinen einzigen KZ-Insassen, keine Gewalt, kein Verbrechen. Und doch ist der Film so arg-intensiv, weil wir die ganze Zeit, während wir dieser Familie bei ihrem Alltag zusehen, Ausschwitz hören. Tag und Nacht hören wir Schreie, Befehle, Klagen, hören wir Verzweiflung und Schüsse. Das ist die Soundkulisse, mit der Familie Höss lebt als wäre nichts.

Hedwig ist so stolz auf ihren Garten. Als ihre Mutter zu Besuch kommt, zeigt sie ihr das Glaushaus, die roten Rüben, den Fenchel, was sie alles anbaut und die Pergola – mit Blick auf das Lager; da bemerkt sie nur: “Wir lassen darüber noch Efeu wachsen”. Die Mutter ist eine wichtige Figur in diesem Film, weil sie “von außen” kommt. Der Film lebt von Szenen wie dieser, von ganz vielen, wie nebenbei eingestreuten Details. Wie der Hausdiener die Stiefel von Höss wäscht, und sich dabei das Wasser rot färbt. Wie Hedwig einen Nerzmantel anprobiert, den Höss einmal mitbringt (von wem dieser ist, kann man nur mutmaßen). Wie die Familie einmal im Fluss badet und dann ist ihre Haut voller Asche. Thematisiert wird das nicht. Auch laute Worte fallen in dieser Familie nie und Rudolf Höss ist ein eher sanfter Mann, der sich sehr um seine Kinder kümmert, sie ins Bett bringt, ihnen vorliest. Das macht alles noch skuriller, weil er dann gleichzeitig “dauernd arbeitet” – wie Hedwig sagt – was bedeutet, sich zu überlegen, wie er Ausschwitz noch “effizienter” machen kann.

Es sind distanzierte und gleichzeitig eindringliche Bilder, die wir von dieser Familie sehen. Das Zusammenspiel von Bild und Ton erinnert manches mal an Stanley Kubrik. Die meiste Zeit ist es einfach nur beklemmend, auch wenn wir nichts direkt beklemmendes sehen. Als Zuschauer fragt man sich, wie kann man diese Familienidylle glauben und leben, wenn man weiß, was nebenan passiert?Oder hat man eine Rechtfertigung dafür gefunden, dass es das Lager geben muss, dass es in Ordnung ist, Menschen so zu behandeln, so sehr zu quälen? Aber dafür gibt es keine Rechtfertigung. Gegen Ende bringt Glazer eine Menge an sehr subtiler, aber brillianter Symbolik in seinen Film; Höss arbeitet an der Endlösung mit und eine Operation wird nach ihm benannt. Heute weiß man, wenn eine Operation des Naziregimes mit dem eigenen Namen bezeichnet wird, wird das für denjeinigen wohl kein gutes Ende nehmen. Aber auch dazu erklärt der Film nichts weiter. Und das ist gut so. Gerade diese Leerstellen machen den Film aus, weil vieles auch einfach unsagbar ist.

The Zone of Interest ist für fünf Oscars nominiert, u.a. als bester Film und als bester fremdsprachiger Film, weil zwar ein Brite Regie führt, die Darsteller aber alle Deutsch sprechen. Hier würde mich interessieren, wie die Zusammenarbeit lief, da ich nicht sicher bin, ob Glazer Deutsch kann. Aber dazu habe ich noch keine Information gefunden.

Hier der Trailer:

Als ich das erste mal von dem Film May December gehört habe, musste ich an die Gilmore Girls denken. Mai/Dezember ist ja ein Synonym für Menschen in Beziehungen mit einem großen Altersunterschied. In GG hat Rorys Freundin Paris den wesentlich älteren Uniprofessor Fleming gedatet, was Rory verständnislos zur Kenntnis nahm. Worauf Paris entgegnete, das sei halt eine May/December Liebe und Rory daraufhin: “This is not May-December, this is May-Ming Dynasty”. Ich finde das noch immer sehr lustig.

Damit hat er Film von Todd Haynes aber gar nichts zu tun. Es geht um die Beziehung Gracies (Julianne Moore in einer der typischen Juliane Moore Rolle) mit ihrem Mann Joe (Charles Melton). Gracie war 36 und verheiratet sowie bereits Mutter, als sie mit dem damals 13 (sic!) jährigen Joe eine Affäre begann und dafür ins Gefängnis ging. Dort bekam sie ihr ersten Kind, danach noch Zwillinge. Mittlerweile ist Joe 36 und die Kinder bereiten sich auf ihre Graduation vor. Genau zu diesem Zeitpunkt erscheint Elizabeth (Natalie Portman) auf der Bildfläche – eine Schauspielerin, die in der Verfilmung dieser Skandal-Geschichte Gracie spielen soll und nun quasi auf Recherche die Familie eine zeitlang begleiten wird.

Todd Haynes ist der Meister der unspektakulären Alltagstragödie, wenn man so will. Von der ersten Szene an kreiert er eine unbequeme, latent bedrohliche Atmosphäre. Wenn Gracie am Anfang sekundenlang regungslos in ihren Kühlschrank blickt, vermutet man schon einen Menschenschädel oder ähnliches drinnen, bis sie schlussendlich sagt: “Ich glaube, wir haben zu wenig Hot Dogs.” Das Gefühl, dass jeden Moment etwas Schlimmes passiert, verlässt einen dennoch nie wirklich. Ich habe hier und da gelesen, May December wäre eine Komödie, aber wie voriges Jahr bei The Banshees of Inisherin habe ich das Gefühl, dass man schon sehr kaputt sein muss, um an diesem Film etwas wirklich lustig zu finden.

Gracie ist ein Kontrollfreak und behandelt Joe wie eines ihrer Kinder, dem sie nichts zutraut. Sie gibt ihm laufend Anweisungen und überwacht ihn. Auch ihren eigenen Kindern gibt sie keine Luft zum Atmen, und garniert das Ganze noch mit einer Menge subtilem Shaming. Etwa, als ihre Tochter Mary ein ärmelloses Kleid für die Graduation aussucht und Gracie so etwas sagt wie, toll, dass man heutzutage zu seinen körperlichen Schwächen steht und nichts darauf gibt, was die Umwelt dazu sagt, wie man denn in so einem Aufzug aussieht. Ich mein, wie toxisch kann man sein? Natürlich nimmt Mary dieses Kleid dann nicht. Wenn Elizabeth Gracie imitiert und zu ihrem Leben befragt, dreht sich manchmal die Situation und plötzlich wird Elizabeth zu derjenigen, die interviewt wird und natürlich hat auch sie ihre Leichen im Keller. Mehr kann ich an dieser Stelle aber nicht sagen.

May December ist jedenfalls sehenswert, wenn auch (ganz bewusst) ziemlich unterkühlt. Derzeit aber nur auf Netflix zu sehen.

Zu Allerheiligen lief eine Doku mit Andre Heller und Dirk Stermann – Grabgeschichten. Und ich würde mal sagen, dass ist die beste Idee, die man als ORF haben kann, die kaum Budget braucht und trotzdem hochinteressant ist (und sogar sowas wie einen Bildungsauftrag erfüllt), einfach Heller und Stermann am Hietzinger Friedhof spazierengehen und miteinander reden zu lassen. Wobei die Redezeit von Heller natürlich deutlich überwiegt, Stermann ist mehr der Sidekick.

Heller erzählt von seiner Kindheit in einer großbügerlichen halbjüdischen Familie – sein Vater war Austrofaschist und Jude – und, wie er es ausdrückt, einer Familie, die nicht auf Liebe abonniert war. Seine jüdische Großmutter hat gesagt, dass auf den jüdischen Gräbern Steine liegen sei auch deswegen, weil die Steine den Frauen vom Herzen fallen, wenn die Männer endlich gestorben sind.

Heller erzählt, dass er bereits auf vielen Beerdigungen war, weil viele seiner Freunde deutlich älter waren und auch etliche der Jungen früh gestorben sind, an diversen Süchten. Stermann fragt ihn, ob er weint, wenn jemand ihm nahestehender stirbt oder ob er denke, das gehört dazu. Heller: “Ich denke, es gehört dazu und ich weine aber auch.” Er denke, er gastiere nur in seinem Körper, der mache ihn aber nicht aus, insofern betrachtet er den Tod auch nicht als bedrohlich.

Heller bringt ein Bonmont von Altenberg, der einmal im Cafe Zentral gesessen ist und der Kellner kommt ganz aufgeregt und fragt Altenberg, ob er schon gehört habe, wer gestorben sei. Daraufhin Altenberg: “Mir ist jeder recht.” Harhar. Stermann meint dann, sein Vater habe immer, wenn jemand gestorben sei, gesagt: Der hat es geschafft. Und mein Vater wiederum, hat immer gesagt, wenn jemand Suizid begangen hat: “Na wenn man sich’s verbessern kann.” (aber das nur am Rande)

Dann kommen sie bei einem Grab vorbei, das Heller gehört, in dem zwei für ihn sehr wichtige Menschen liegen, sein Freund Gerd Marquant, ein Bildhauer, und jemand, den Heller als “einen glücklichen Verlierer” beschreibt. Und Monika Krenner (1952-1977), damals die Geliebte Hellers. Sie haben sich aus dem letzten Stock des Hochhauses in der Herrengasse gestürzt. Unter anderem wegen Heller, der meinte, er sei damals ein Berserker gewesen, voller Drogen, Hybris und Unbarmherzigkeit und ihr Tod habe sich ihn neu erfinden lassen, mit anderen Gedanken und Handeln, er war so rasend in der Trauer, “Hätt ich ihr zehn Prozent der Liebe, die ich dan spürte gegeben, hätte sie sich nicht umbringen müssen.”

Dann kommen sie am Grab von Heinz Conrads vorbei und Heller singt ein Lied von ihm “War auch nicht alles klug, was ich gesagt, hab nicht gedacht, hab nur mein Herz gefragt”. Heller: Das wäre auch gut als österreichische Bundeshymne. Und dann zitiert er noch einen Text, den er auf einem Grab gelesen hatte, und den er sehr gelungen fand:

Hier ruht mein Weib, Gott sei es gedankt! 40 Jahre hat sie nur mit mir gezankt. Oh Wanderer, der du vorbeispazierst, eil fort von hier, sonst steht sie auf und zankt mit dir.

Tiroler Grabinschrift

Wunderbare Sendung.

Ich habe derzeit eine Muskel/Nervenentzündung im Bereich Hüfte/Oberschenkel und kann mich schwer bewegen. Ich kann nicht sitzen, schlecht gehen, es ist alles ziemlich mühsam. Diesen Text schreibe ich liegend am Handy.

Diese Gesundheitskrise ist vielleicht ein Produkt der letzten Monate. Ich hab für einen neuen Auftraggeber gearbeitet, der mir nicht gut getan hat und bei bei sich jetzt noch andere Abgründe auftun (tbc). Diesen Arbeitgeber hab ich auch ausgewählt, obwohl es von Anfang an ein Stress war, weil ich mich ein bisschen mit Arbeit betäuben wollte.

Jetzt lieg ich da und wäre einfach nur froh, wenn ich wieder einen normalen Alltag hätte, die Viennale besuchen könnte und die vielen tollen Oktober Filme anschauen, die anlaufen. Doch der Lehrmeister Leben meint wohl, ich muss zunächst noch andere Dinge lernen. Zum Beispiel (noch besser) loslassen, noch mehr bei mir sein und mich um mich kümmern.

Gestern habe ich fünf Stunden auf ORF 3 die Hörbiger Doku gesehen und es war so gut und interessant. Dazu wahrscheinlich noch mehr. Am Ende haben Andre Heller, der sehr gut mit Paula Wessely befreundet war, und eben Wessely das Lied “Wenn der Herrgott net will, nutzt das gar nichts” gesungen, ein nur vordergründig weinerliches Wienerlied. Da musste ich ein bisschen weinen. Einerseits wegen der derzeitigen Lage und auch, weil ich das Lied von meinem Opa kenne, der das auch manchmal gesungen hat, obwohl er nicht wirklich gläubig war (im Gegensatz zu meiner Oma). Es hat etwas enorm Tröstliches, weil es nicht von Resignation erzählt, sondern von Akzeptanz.

Gestern spielte es im De France The Royal Tenenbaums und das durfte ich natürlich nicht verpassen. Zuerst gab es leichte Anlaufschwierigkeiten, weil wegen eines Unfalls keine Straßenbahn mehr fuhr und ich deswegen von der U6 Station Nussdorfer Straße bis zum Kino zu Fuß ging. Das ist an sich ein netter Spaziergang, nicht aber, wenn man es eilig hat und 29 Grad im Schatten herrschen. Nun gut, ich habe es aber geschafft und bestaunte dann das (vornehmlich) Hipster Publikum, viele junge Menschen, die den Film vermutlich noch nicht kennen. By the way: Ist es chic, keinen BH zu tragen bei den unter 25 jährigen? Ich habe irgendwie den Eindruck. Das Kino war nicht ganz voll wie bei The Grand Budapest Hotel, aber auch sehr gut besucht.

The Royal Tenenbaums ist mein absoluter Lieblingsfilm von Wes. Ich habe ihn vor 22 Jahren, eben als er herauskam, gesehen und ich kann mich noch sehr gut daran erinnern, wie fasziniert ich gleich vom Anfang war, den ersten sechs, sieben Minuten, als alle (im Original von Alec Baldwin) vorgestellt werden, also vor allem die Tenenbaum Kinder Chas (Ben Stiller), Richie (Luke Wilson) und Margot (Gwyneth Paltrow), die alle auf ihren Gebiet außerordentliches leisteten, eine Familie voller Genies genannt wurden, aber dann zog Vater Royal (Gene Hackman, soso gut in der Rolle) aus und das Leben meinte es nicht gut mit ihnen. Diese Einführung der Charaktere ist untermalt von Hey Jude von den Beatles und einfach so wunderbar gut gemacht, auch 22 Jahre später immer noch.

Im weiteren Verlauf des Filmes kann ich mich nicht erinnern, dass mir damals Tränen über die Wangen gelaufen sind, diesmal aber schon. Ich werde halt alt. Es ist eine schräge Familienzusammenführung, Royal kehrt zurück unter dem Vorwand, er wäre sterbenskrank, um wieder Zugang zu seiner Familie zu erhalten. Und alle drei Kinder sind auf ihre Weise verwundet vom Leben, auch depressiv. Chas hat seine Frau bei einem Flugzeugabsturz verloren und versucht nun krampfhaft seine beiden kleinen Söhne zu beschützen, macht Notfallübungen mitten in der Nacht, lässt sie nie unbeaufsichtigt. Royal findet das gar nicht gut, er sagt zu seiner Ex-Frau Mutter Etheline (Angelica Huston): “You can’t raise boys to be scared of life. You got to brew some recklessness into them.” Darauf Etheline: “I think that’s terrible advise.” Und Royal: “No, you don’t”. Und sie sieht tatsächlich aus, als würde sie nicht so denken. Royal übernimmt dann das mit der recklessness. Und es ist so witzig und oft eben auch total berührend und schön.

Royal ist eigentlich ein totales Schlitzohr, gleichzeitig aber auch sehr lebensklug und mitfühlend auf seine ganz eigene Weise. Zum neuen Mann seiner Ex-Frau sagt er, er wäre froh, wenn dieser ihn leiden könne, aber er wisse, dass er ihn für ein asshole halte. Darauf der: “I don’t think you’re an asshole, Royal.You’re just a kind of a son of a bitch.” Royal darüber sichtlich erfreut: “Well, I appreciate that” Und Gwyneth Paltrow, die ich sonst nicht so mag, ist hier so gegen ihren Typ besetzt und spielt so gut. Und Owen Wilson ist so sensibel. Und Bill Murray ist so Bill Murray….

Ach der Film ist so toll, ich bin wirklich froh, dass ich ihn nochmal im Kino sehen konnte. Hier der Trailer:

So, endlich ist er da, der Film für den ich (vergeblich) Daumen drücken kann, in der Oscarnacht – Tár von Todd Field, seiner ersten Regiearbeit seit mehr als 15 Jahren.

Cate Blanchett spielt die (fiktive) Dirigentin Lydia Tár, die erste Chefdirigentin eines großen deutschen Orchesters in Berlin. Sie ist mit Sharon (Nina Hoss) verheiratet, welche Geigerin in diesem Orchester ist, die beiden haben die achtjährige Adoptivtochter Petra. Tár befindet sich am Höhepunkt ihrer Karriere, sie gehört zu den wenigen EGOTS – Personen die sowohl Emmy, Grammy, Oscar und Tony Award gewonnen haben – wird in Kürze Mahlers fünfte Sinfonie einspielen, hat gerade ihre Autobiografie veröffentlicht und wird aufgrund ihrer Eloquenz gern geladen, um vor großem Publikum ihre Ansichten zu vertreten. Tár kämpft aber, trotz ihres großen Erfolgs, auch mit enormen Selbstzweifeln und ist privat diversen Versuchungen in Form beispielsweise der neuen Cellistin Olga (Sophie Kauer) ausgesetzt….

Tár ist vor allem eines: Ein hervorragendes, detailverliebtes Psychogramm einer Frau, das sich jeglicher allgemeingültigen Deutung entzieht und das bewusst. Lydia Tár ist ganz klar keine Sympathieträgerin, sondern eine recht selbstzentrierte Persönlichkeit. Sie ist kühl, selbst den Menschen gegenüber, die ihr sehr nahe stehen. Manchmal wirkt Tár sogar richtig abstoßend, etwa in einer Schlüsselszene, die gar nichts mit ihrer musikalischen Identität zu tun hat. Als ihre kleine Tochter in der Schule von einer Schulkollegin drangsaliert wird, verhält sie sich so, wie man sich in dieser Situation m.E auf keinen Fall verhalten sollte: Sie schüchtert das betreffende Kind massiv ein, was auch seine Wirkung zeigt. Es lässt Petra fortan in Ruhe. Sie gibt Petra aber gleichzeitig überhaupt kein Handwerkszeug für das “Leben draußen” mit. Sie überlegt nicht mit ihr gemeinsam, wie man Konflikte mit Mitmenschen löst, wie man überhaupt mit anderen Kindern umgeht, sie löst das Problem mit Demonstration ihrer eigenen Machtposition – und tut dabei niemandem etwas Gutes.

Dennoch ist Lydia Tár auch faszinierend anzusehen, weil sie klug und differenziert ist – sie sieht die Welt nicht schwarz/weiß, sie sagt eine Menge sehr bemerkens- und nachdenkenswerter Dinge, regt ihre Studenten dazu an, sich nicht nach der gesellschaftlichen Mainstream oder Social Media Trends zu richten, sondern selbst zu denken und eigene Schlüsse zu ziehen. Társ Leidenschaft für Musik ist ansteckend, sie vermag es, das beste aus den ihr anvertrauten Musikern herauszuholen, sie ist eine engagierte Förderin, wenn sie das sein will, und sie ist stellenweise auch enorm selbstkritisch; ihre Versuche als Komponistin etwa beurteilt sie als weitgehend gescheitert, was ihr ziemlich zu schaffen macht. Die Leidenschaft für andere Frauen gefährdet ihre Position nicht nur in der Musikwelt, sondern auch in ihrem Privatleben. Kurzum: Sie ist ein Mensch und verhält sich auch so.

Der Film beschäftigt sich mit einer Vielzahlt von Themen wie Political Correctness und das Durchsetzen als Frau in einer männerdominierten Branche ebenso wie “Me Too” und Missbrauch von Machtpositionen – eröffnet aber auch eine Auseinandersetzung mit Kunst und Kultur, der Bedeutung und Schönheit von Musik, sowie dem tieferen Sinn des eigenen Lebens, des Strebens und Scheiterns. Teilweise wird das alles durchaus langsam erzählt, was mich nicht stört, im Gegenteil, mich fesselt es trotzdem oder sogar deswegen. Dass Cate Blanchett eine herausragende Schauspielerin ist, ist desweiteren kein großes Geheimnis, ich habe sie aber noch nie so überzeugend gesehen wie in dieser Rolle. Flankiert von einem großartigen Emsemble angefangen von ihrer devot-instabilen Assistentin Francesa (Noémie Merlant), über den aalglatten Financier Eliot Kaplan (Mark Strong), der auf Társ Erfolg neidisch ist, bis zu der kleinen Petra (Mila Bogojevic), als Kinderdarstellerin keine Verlegenheitslösung.

Anzumerken ist noch, dass die Österreicherin Monika Willi für den Oscar in der Kategorie Schnitt nominiert ist – neben den Nominierungen für Film, Hauptdarstellerin, Regie, Drehbuch und Kamera – und, dass der Trailer des Filmes relativ misslungen ist; er fängt den Geist des Filmes meiner Meinung nach gar nicht ein, sondern geht eher in die Mistery-Richtung. Also davon nicht irritieren lassen.