almis personal blog

rushmore

rushmore ist aus mindestens zwei gründen filmgeschichtlich interessant: zum einen ist es der film, mit dem regisseur wes anderson seinen durchbruch schaffte, zum anderen markiert rushmore bill murrays wechsel vom klamaukkomiker ins independent fach, quasi seine zweite, sehr erfolgreichreiche karriere.

kurz zum plot: der 15 jährige max fischer (jason schwartzman), dem seine schule – das private rushmore college – alles bedeutet, wird vom direktor an die luft gesetzt. er ist zwar passionierter autor von theaterstücken und gründer zahlreicher vereine für schüler, doch im unterricht ist er schwach und leistet sich zuviel gegenüber den lehrern. nach dem rausschmiss hängt fischer in der luft – wird sein väterlicher freund hermann (murray) ihm helfen können, wieder zurückzulehren? wird er das herz seiner lehrerin (olivia wilde) erobern können?

zugegeben, wenn man das so liest, fragt man sich: was um himmels willen soll daraus werden? aber – wie rogert ebert es ausdrückt: “anderson and wilson (owen wilson, co-drehbuchautor anm. der red.) are good offbeat filmmakers. they fill the corners of their story with nice touches.” es ist keine große geschichte, die hier erzählt wird, aber eine, die tief geht. die figuren sind gebrochen, sie haben verluste erlitten, auch max hat viel mehr verloren als nur seine schule; aber diese verluste haben sie nicht zerstören können. die melancholie ihrer lebenswege schimmert in ihren augen, aber sie stehen auf und machen weiter, sie hören nicht auf zu träumen und zu hoffen.

wes andersons hat viel verständnis und ein großes herz für seine figuren. max ist wie ein etwas älterer bruder für einen igby (igby goes down), bill murray ist auf unheimlich tollpatschige art lebensklug und liebenswert, rosemary eine nachdenkliche poetin. anderson betrachtet sie und die vielen kleinen nebencharaktere wohlwollend, trotz all ihrer defizite, immer mit großer sympathie. dabei etabliert er gewisse trademarks, die auch in seinen weiteren filmen wie the royal tenenbaums (einer meiner lieblingsfilme) und the life aquatic auftauchen wie etwa die obsession für das meer und das tauchen, die erfindung obskurer vereine, der prägnante einsatz von musik, der gezielte einsatz von slow motion.

anderson schafft es, einen wirklich warmherzigen film zu schaffen, der zwar durchaus dunkle töne anschlägt, dabei aber immer positiv und lebensbejahend bleibt.

vertigo

vertigo – einer der hitchcocks klassiker, aus dem jahr 1958 – ist ein psychothriller mit sehr moderner optik, einem irritierenden plot-aufbau und einem ungleichen leinwandpaar, james stewart (damals 50) und kim novak (damals 25).

wenn man langsam den eindruck gewinnt, als wäre jimmi stewart für hitch sowas wie leonardo di caprio für scorsese heute, dann entspricht das durchaus den tatsachen. nur, dass nach vertigo damit schluss war, weil hitchcock stewarts alter die schuld daran gab, warum der film damals kein erfolg war. stewart sieht man sein alter überdeutlich an, man gibt ihm sogar noch einige jahre dazu. stewart ist da so alt wie george clonney jetzt, unfassbar. cary grant ist der clooney seiner zeit, der es sogar schafft, in north by northwest einen sohn zu spielen, der de facto nur sieben jahre jünger war als seine filmmutter. aber genug offtopic.

kim novak fand hitchcock übrigens ebenfalls fehlbesetzt. wen man langsam den eindruck gewinnt, als wäre alfred hitchcock nicht gerade der umgänglichste zeitgenosse gewesen, dann entspricht das durchaus den tatsachen.

minmale spoiler möglich

die ausgangssituation: detektiv john ferguson (stewart) hat nach einem beinahe tödlichen unfall höhenangst (>vertigo) und quittiert seinen dienst. daraufhin wird er von einem ehemaligen schulkollegen dazu angeheuert, dessen frau (kim novak) zu beschatten, da der diese für geisteskrank hält und fürchtet, sie könnte den freitod wählen. was für ferguson zuerst einen eher lästiger freundschaftsdienst bedeutet, beginnt schnell, ihn ganz in den bann zu ziehen…

der charakter fergusons wird in der rezeption oft als alter ego hitchcocks gelesen; als figur, in der sich der regisseur offenbart, seine wahren schwächen zeigt, sein frauenbild kritisch hinterfrägt und sich seinen obsessionen stellt. wenn man hitchcocks bio kennt und sich mit seinem verhältnis zu frauen beschäftigt, ist das durchaus vorstellbar. auf der anderen seite fragt man sich in vertigo: was sind die motive der frau, so zu agieren, wie sie das tut? was hat sie dazu gebracht, die zu werden, die sie ist? oder zu sein scheint? diese fragen stehen im film mehr im vordergrund, als action oder suspense.

san francisco als schauplatz der handlung erscheint etwas anders als gewohnt; die stadt erinnert sich an seine wurzeln, schlüsselszenen spielen an orten mit spanischer tradition und der coit tower (been there, and it was’nt that bad) wird als hässlich bezeichnet.

insgesamt ein mysteriöser film, der konsequent gegen die sehererwartungen arbeitet.

the tree of life

am wochenende the tree of life gesehen und ziemlich ratlos zurückgeblieben. oder nein, ratlos ist eigentlich das falsche wort, eigentlich war ich verägert. denn the tree of life ist für mich leider nicht mehr als eine überlange universum-folge, angereichert mit bibelzitaten.

in foren wird heftig diskutiert, offenbar handelt es sich beim jüngsten malick-werk um einen film, den man entweder liebt oder hasst. und wenn man ihn hasst, wird man von den liebhabern als ignorant bezeichnet. man erwarte sich wohl mehr action und würde es nicht verkraften, dass die handlung sehr fragmentarisch und brüchig abläuft. davon kann ich mich freisprechen. ich habe alles von jim jarmusch gesehen (sogar permanent vacation!) und ich halte mich, was film betrifft, für sehr aufgeschlossen, neugierig und offen. aber der reiz von the tree of life erschließt sich mir einfach nicht. ich hatte beim sehen einfach nicht das gefühl, dass ich irgendwas für mein leben relevantes mitnehmen kann, die religösen choräle und die sinnsprüche, die auf einen einprasseln, machen es schwer, die geschichte überhaupt ernstzunehmen.

dabei beginnt der film durchaus vielversprechend, als darüber geredet wird, dass es einen weg der natur und einen weg der gnade im leben gibt. als zuseher will man wissen, was das bedeutet, was malick damit sagen will. und auch die familie und ihre drei söhne, die am anfang eingeführt werden (u.a. brad pitt, jessica chastain) erscheinen interessant, man will mehr erfahren. aber dann kommt erstmal das universum an die reihe. das ergibt fraglos ein paar wunderschöne bilder, aber nicht mehr. und obwohl a space odyssee sicherlich kein einfach zu konsumierender film ist und auf gewisse weise viel undurchsichtiger als the tree of life, erzeugt er beim betrachter etwas, was malicks werk in keiner minute gelingt, faszination. the tree of life wirkt beliebig und überfrachtet mit totschlag-symbolen und abgegriffenen sätzen.

wenn ich roger eberts begeistertes review lese, möchte ich diesen film sehen, den er charakterisiert. der muss aber erst gedreht werden. armin wolf twitterte übrigens, er hätte an diesem film lebenszeit vergeudet. und sean penn – einer der akteure – gab in einem interview an, nicht wirklich zu wissen, was der film bedeute: “i didn’t at all find on the screen the emotion of the script, which is the most magnificent one that I’ve ever read. a clearer and more conventional narrative would have helped the film without, in my opinion, lessening its beauty and its impact. frankly, i’m still trying to figure out what i’m doing there and what i was supposed to add in that context! what’s more, terry himself never managed to explain it to me clearly.”

doch immerhin haben wir es hier wieder mit einem phänomen zu tun, das in letzter zeit hier öfters besprochen wurde: das kunstwerk, das diskurs auslöst

jules and jim

kleinere spoiler möglich

jim sagt zu katherine:

du hast versucht, dir ein neues leben aufzubauen,
ohne verlogenheit und heuchelei,
du hast versucht, die liebe zu befreien,
aber wer soetwas wagt, muss selbst ohne egoismus sein

katherine (jeanne moreau) ist in jim (henri serre) verliebt. und auch in jules (oskar werner). jim und jules sind intellektuelle, schöngeister, literaten – und beste freunde. und jims bemerkung sagt eigentlich alles, was man über dreiecksbeziehung bzw. polyamory wissen muss. es ist möglich, aber nur unter bestimmten bedingungen und, wenn sich alle beteiligten zu dieser liebesform bekennen können. ironischerweise ist katherine – eigentlich die treibende kraft dahinter – diejenige, die damit am schlechtesten zurecht kommt.

wir schreiben 1912: katherine, jim und jules sind jung, gut situiert, haben keine zukunftssorgen. wenn es in paris regnet, dann fahren sie einfach ans meer und verbringen dort den sommer. das problem ist, dass sie am alltag scheitern und immer wieder, um jeden preis versuchen, die leichtigkeit der sommertage zurückzuholen.

das erinnert mich an scenes from an italian restaurant von billy joel bzw. an das, was joel über die menschen in dem song, brenda und eddy sagt: “they’re typically people who peak too early. if you’re too popular in high school you’re probably going to go downhill from there.” nun sind jules und co. keine amerikanischen jugendlichen, aber wie brenda und eddy entwickeln sie sich nicht weiter, stagnieren, klammern sich an ihre jugend und deren fantasien, die sich nicht in die realität umsetzen lassen.

jules und jim ist sehr frisch, sehr modern erzählt, in schnellen schnittfolgen, mit hilfe einer flotten erzählerstimme. truffaut benutzt in manchen szenen einen freeze frame, um eine stimmung festzuhalten und tatsächlich eignet sich praktisch jede einstellung dazu, sie in einem standbild einzufrieren, so ästhetisch sind die einzelnen augenblicke inszeniert. dabei spielt nicht nur liebe zu dritt eine rolle, sondern auch homoerotik und cross-dressing.

zu den schauspielern braucht man nicht viel zu sagen: oskar werner ist immer großartig und jeanne moreau gelingt es hier, den schwierigen charakter ihrer filmfigur sehr differenziert zu porträtieren. als zuseher schüttelt man vielleicht den kopf über sie, aber gleichzeitig zieht sie einen in ihren bann.

fazit: ich wollte diesen film seit gut 20 jahren sehen und trotz der aufgebauten hohen erwartungen hat er mich nicht enttäuscht. übrigens auch einer der great movies-filme von roger ebert.

rope

weiter gehts mit der hitchcock collection und da haben wir diese woche rope (cocktail für eine leiche) und vertigo gesehen.

hitchcock nannte rope: “an experiment that didn’t work out”. mit experiment war gemeint, ein theaterstück in filmsprache zu übersetzen, dh. so gut wie keine schnitte (außer beim wechsel der filmrollen, ca. alle 10 minuten damals), einheit von zeit und ort. eigentlich sehr untypisch für hitchcock, der die möglichkeiten des films sehr schätze und lieber mit bildern erzählte als mit worten.

zum plot: zwei studenten ermordnen einen kommilitionen – david – (das ist kein spoiler, der film eröffnet damit) verstecken ihn in einer truhe und geben anschließend eine party, zu der sie sowohl davids eltern wie auch dessen ex-freundin und deren ex-freund, sowie ihren früheren kollege professor cadell (james stewart) einladen, der immer behauptet hat, ein perfekter mord sei eine kunst. und es wäre erlaubt, minderwertiges leben zu beseitigen. natürlich eine gefährliche nazi-diktion (der film wurde 1948 gedreht!)

das experiment mag schief gegangen sein, dennoch ist der film nicht uninteressant, in vielen details. als ich 1994 pulp fiction um kino gesehen habe, dachte ich, wie innovativ tarantino nicht ist und seine protagonisten miteinander reden lässt, während die kamera etwas ganz anderes filmt; mir kam das damals extrem mutig und modern vor. nun ja, hitch macht das in rope auch schon. außerdem nett: zwei protagonisten unterhalten sich über den neuen film von cary grant und ingrid bergmann, in dem beide so beeindruckend sind; leider fällt ihnen der titel nicht ein – es handelt sich um den 1946 gedrehten hitchcock film notorious. und hitchcock wollte cary grant ursprünglich auch als professor cadell besetzen, was dieser allerdings abgelehnt¹ hatte.

davon abgesehen bezieht rope die spannung aus der frage, ob man den beiden täter auf die schliche kommen kann und durch die erzählweise entsteht der eindruck der “unentrinnbarkeit”. das ist straff und anregend erzählt, in knappen 80 minuten.

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¹ grant wollte die rolle aufgrund ihrer homosexuellen untertöne nicht annehmen, da es zu der zeit gerüchte gab, grant selbst wäre homosexuell.

the birds, zwei

bei den opening credits von the birds betont hitchock eine schauspielerin besonders: “introducing tippi hedren” – seine entdeckung. hedren war eigentlich modell und wirkte in einem werbespot mit, als hitchcock auf sie aufmerksam wurde. sie war gerade mit ihrer vierjährgen tochter (hierbei handelt es sich um melanie griffith) nach los angeles gezogen. und hitch hatte seine lieblingsblondine grace kelly an fürst rainier von monaco “verloren”.

hitchcock band hedren mittels eines sieben-jahres vertrags an sich. er wollte einen großen star aus ihr machen, sie nach seinen vorstellungen formen. das ging soweit, dass er sich von privatdetektiven beschatten ließ und ihr vorschreiben wollte, wen sie in ihrer freizeit treffen sollte und wen nicht. es wäre untertrieben, würde man sagen, der mehr als dreißig jahre ältere hitchcock war in sie verliebt – er verfolgte sie mit obsession und quälte sie gleichzeitig auf sadistische art und weise. die szene in the birds, in denen sie mit den vögeln kämpft, wurde eine woche lang aufgenommen und erst beendet, als sie auf dem set zusammenbrach. kollegin jessica tandy¹ sagte damals, keine etablierte schauspielerin hätte das mit sich machen lassen, was hitch seiner newcomerin zumutete.

im nachfolgefilm marnie ging er noch einen schritt weiter und machte ihr einen sexuellen antrag. sie wies ihn ab, worauf er androhte, ihre karriere zu zerstören; was ihm auch gelang. sie bekam von ihm keine rollen mehr, anfragen von anderen regisseuren (u.a. truffaut) lehnte er ab. nachdem der vertrag auslief, hatte das interesse an ihrer person nachgelassen. hedren engagierte sich danach sehr für den tierschutz und fand darin eine neue aufgabe.

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¹ auch jessica tandy machte eine eher untypische filmkarriere: sie war ein star am broadway und gewann auch emmy und tony; ihren durchbruch in hollywood schaffte sie erst als achtzigjährige mit driving miss daisy, für den sie einen oscar erhielt. sie war damit die älteste schauspielerin, die mit einem oscar ausgezeichnet wurde (und hatte den vorteil, dass ihr der oscar-fluch nicht mehr soviel anhaben konnte). zwei jahre später wurde sie als nebendarstellerin für green fried tomatoes nochmals nominiert.

 

the birds

achtung minimale spoiler

gestern ging es weiter mit hitchcock und zwar mit the birds. im gegensatz zu unserer kubrick-, jarmusch- und almodovar-box arbeiten wir uns hier nicht in chronologischer reihefolge durch.

the birds handelt von der jungen millionärstochter melanie (tippi hedren), heute würde man sie als it-girl bezeichnen und eine gewisse verwandtschaft zu paris hilton orten; melanie reist nach einem flirt in einer tierhandlung dem gutaussehenden anwalt mitch (rod taylor) in ein verschlafenes dorf an der kalifornischen westküste, bodega bay, nach. tja und in bodega bay tun sich merkwürdige dinge, die alle mit vögeln zu tun haben: vögel fressen nicht mehr, vögel rotten sich zusammen, vögel greifen menschen an. und das alles, seit melanie auf der bildfläche erschienen ist…

the birds ist ein wirklich beklemmender und angsteinflößender film. er balanciert geschickt zwischen charakterstudie und, so komisch das klingt, splattermovie; die protagonisten sind nicht ausschließlich dazu da, sich in einer ausnahmesituation zu beweisen, es bleibt auch zeit, ihren background zu beleuchten und das geschieht glaubwürdig. melanie ist nur auf den ersten blick eine chice societylady ohne tiefgang – mitch fragt sie einmal ganz erstaunt: “sie arbeiten irgendwo?”; mitch nicht nur der straighte jurist. das macht den film auch abseits seiner ausseinandersetzung mit der bedrohung spannend.

sehenswert ist auch, wie sich menschen, ein ganzer ort damit beschäftigt, einem naturphänomen ausgesetzt zu sein, dass sich nicht erklären und nicht planen lässt. es ist auch eine betrachtung zum thema gruppendynamik: skeptiker stehen neben hysterikern, pragmatiker neben optimisten. ein großes thema des films ist (vermeintliche) stärke und schwäche, geschlossene und gebrochene allianzen. man kann das unerklärliche verhalten der vögel und den umgang damit auch als parabel lesen.

ziemlich witzig finde ich – aus heutiger sicht – den umgang mit privatsphäre im film. alleine in den ersten fünfzehn filmminuten finden sich 5 oder 6 grobe verstöße gegen das, was wir heute datenschutzgesetz nennen, da werden personalien über die autonummerntafel herausgegeben, da werden fremden ohne rücksprache familienverhältnisse erklärt und wege beschrieben, sehr amüsant.

interessant ist bei the birds auch der hintergrund des filmes, das casting, die dreharbeiten. darüber morgen mehr.

blue valentine

achtung minimale spoiler

es gibt filme, die kriegen mich sofort mit filmtitel oder plakat. auf blue valentine trifft sogar beides zu. der titel stammt von einem tom waits album (und song), das poster sieht so aus:

blue valentine ist die geschichte einer scheiternden ehe. cindy (michelle williams) fragt sich – trotz aktivem sexuallebens – seit jugendtagen, was liebe bedeutet und woran man sie erkennt; dean (ryan gosling) dagegen hat eine sehr klare vorstellung von seiner traumfrau und einer beziehung, und als die beiden erstmals zusammentreffen, sieht es so aus, als entstünde genau die magie, die verliebte umgibt und die eine gemeinsame zukunft verspricht. sechs jahre später, verheiratet und als eltern einer kleinen tochter, hat sie der alltag voll erfasst und die karten werden neu gemischt…

die ästhetik von blue valentine steht im krassen gegensatz beispielsweise zum look von last night, wo die konflikte und versuchungen eines ehepaares in einer sehr cleanen, fast schon sterilen umgebung beleuchtet werden. in blue valentine dagegen sehen häuser von familien so aus wie häuser von familien häufig aussehen, wenn kein besuch erwartet wird, außerdem gibt es unordentliche haare und schweiß und augenringe und blaue flecken und rotz. dennoch gelingt es dem film auch, romantische momente in einer oft ausweglos und deprimierend erscheinenden gegenwart zu generieren.

als zuschauer wird man unweigerlich darüber diskutieren, warum diese ehe schlecht funktioniert und wer daran die schuld hat. und wenn auch die sympathien eher cindy oder eher dean gehören mögen – eine antwort zu finden ist schwierig. beide spielen die psychisch wie physisch extrem herausfordernden rollen großartig; besonders williams’ aufgabe ist eine gratwanderung, da ihre motive auf den ersten blick schwerer kommunizierbar sind als die von gosling.

michelle williams  – die talentierteste darstellerin aus dawson’s creek – ist drauf und dran eine wirkliche hollywood größe zu werden. ich bin schon sehr gespannt auf ihre nächste rolle im gelobten my week with marilyn.

 

filmtechnisches

auf uncut gibt es einen kleinen rückblick auf die viennale. sehr pointiert verfasst, am besten gefällt mir die beobachtung, dass man nach le havre wieder an das gute im menschen glaubt und dass margin call die hoffnungen sofort zunichte macht.

ach ja und einen neuen (alten) oscar host gibt es auch – nachdem eddie murphy seinem produzenten gefolgt ist, und sein engagement abgesagt hat: billy crystal.

das ist definitiv nicht der versuch, die oscarverleihung neu zu erfinden, aber wenn wir glück haben, beschert es uns einen kurzweiligen und witzigen abend.