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Es ist im Kino gerade ein bisschen Saure Gurken Zeit, wie immer nach den Oscars und bevor die Festivals beginnen, bei denen neue Filme vorgestellt werden. Aber ich habe mir zumindest kürzlich Michael angesehen, den Film über den manche sagen, Regie führten die Anwälte, aber formal war Antoine Fuqua der Regisseur.

Michael beleuchtet die Zeitspanne des Lebens von Jackson ab 1966, von seinen Anfängen bei den Jackson 5, bis hin zu seinen ersten Solokonzerten Ende der 1980er Jahre. Was auch den Vorteil hat, dass man sich zu späteren Kontroversen gar nicht erst nicht äußern muss….

SPOILER …NAJA, WENN MAN NICHTS ÜBER MICHAEL JACKSON WEISS

Das Genre Biopic ist eine Geschichte voller Missverständnisse harhar. Nein, ernsthaft, ich fände es toll, wenn jemand mal darüber eine Dissertation oder ähnliches schreiben würde. Muss der Anspruch an Wahrheit und Realitätsbezug erfüllt sein und geht das überhaupt? Sind Biopics entweder “Fanservice”, eine huldvolle Verbeugung oder eben umgekehrt knallharte Abrechnung und Abarbeitung an Menschen, die man verachtet? Meine diesbezüglichen Reflexionen über The Apprentice, das sich um Donald Trump und seinen Entdecker Roy Cohn dreht, wurden in den Wikipedia Artikel über diesen Film aufgenommen. Wahrscheinlich glaubt jetzt jeder, ich trage privat eine MAGA Kappe, harhar. Ich stehe dazu: Es ist genauso fad und uninteressant, einen Menschen eindimensional als eine Art Monster darzustellen wie umgekehrt eine unreflektierte Heldenverehrung. Worauf sich übrigens offenbar alle bei Michael einigen konnten – der Regisseur, der Jackson Clan, die Anwälte ist, dass Michaels Vater Joseph Jackson (dargestellt vom sonst sympathischen Coleman Domingo) ein ziemliches Arschloch war.

Man kann sich aber abseits aller Biopic Überlegungen fragen: Funktioniert der Film für mich, wenn ich diese Bezüge weglasse und so tue, als würde über eine fiktive Person berichtet werden? Und da muss ich sagen, schneidet Michael gar nicht schlecht ab. Audiovisuell ist er nämlich stellenweise beeindruckend und der Hauptdarsteller Jaafar Jackson, tatsächlich ein Neffe von Michael, ist überzeugend und vor allem tanzt er irrsinnig gut. Und ich habe ja schon eine kleine Schwäche für Tanzen im Film. Die Szene, in der das Making of Thriller geschildert wird, ist ein Highlight. Ich würde diese Choreografie auch sehr gerne mal gelernt bekommen.

Super ist auch die Szene, als Jackson mit dem CBS Records Chef (dargestellt von Mike Myers) darüber debattiert, warum MTV seine Videos nicht zeigt. Es ist nämlich wirklich wahr und tatsächlich erschreckend, dass noch in den 1980er Jahren keine Videos von schwarzen Musikern on air gingen. Erst als der CBS Boss ein Telefongespräch führt und MTV damit droht, alle seine anderen Stars wie Bruce Springsteen und Cyndi Lauper abzuziehen, lenkte man ein. Diesem Druckmittel verdankte Jackson (und alle schwarzen Künstler, die nach ihm kamen) seine MTV Präsenz. Dieser Moment ist auch ein schönes Beispiel dafür, wie manche Darsteller nur in einer einzigen Szene in Erscheinung treten, die aber so prägend für den Film ist, das genau diese im Gedächtnis bleibt. Und das sage ich mit der Bemerkung, dass ich Mike Myers während des Films tatsächlich überhaupt nicht erkannt habe.

Was ich an Michael nicht mochte ist der unnötige Einsatz von CGI. Bei den Konzertszenen ist es ja noch irgendwie halbwegs ok. Aber muss ich bitte einen CGI Affen generieren, wenn da draußen jede Menge echte Affen verfügbar sind? Gerade wenn Affen wirklich nicht die unkooperativsten Tiere sind, wenn es um die Interaktion mit Menschen geht. Und Bubbles hat ja in diesem Film nicht viel mehr zu tun, als von Jackson getragen zu werden und ein bisschen mit ihm zu spielen.

Insgesamt wahrscheinlich in gewisser Weise ein Märchen, ist Michael doch unterhaltsam und die Songs sind halt einfach super.

Übrigens: So beantwortet man depperte Fragen bei einer Pressekonferenz:

Adam Driver is asked for a response to Lena Dunham’s representation of him in her memoir Famesick:

“I have no comment on that. I’m saving that all for my book” pic.twitter.com/sFCEaxbEd7

— Screen International (@Screendaily) May 17, 2026

Wenn das Bild von Adam Driver, das Lena Dunham von ihm, ihrer großen Liebe in ihrer Serie Girls gezeichnet hat – und es ist ja nur ein Bild von außen, das man sich über jemanden machen kann – auch nur zu einem geringen Prozentsatz akkurat ist, wird Driver ganz sicher niemals ein Buch über sich selbst schreiben, harhar.

Obwohl ich nicht die PR Beauftragte von Lena Dunham bin, finde ich es sagenhaft, was hier wieder für ein Pseudo-Skandal konstruiert wird. Ich empfinde das, was Dunham in Famesick über Driver schreibt, überhaupt nicht als Abrechnung. Vielmehr macht sie deutlich, wie sehr sie selbst daran gescheitert ist, ihn zu verstehen. Der Mensch Adam Driver nämlich, zu dem Dunham große Zuneigung verspürte und dessen schauspielerisches Talent sie immer wieder herausstreicht, ist ihr bis zuletzt trotzdem auch fremd geblieben.

In Famesick beschreibt sie sein Casting und seine Art zu arbeiten – durchaus rau, dominant, ein bisschen an der Grenze zur Aggression, einmal schreit er sie an, als sie ihren Text vergessen hat und wirft dabei einen Sessel gegen die Wand. Aber gleichzeitig betont sie immer, dass künstlerisches Arbeiten eben auch manchmal eine Grenzüberschreitung sein muss, sie hatte Driver quasi selbst die Erlaubnis dafür gegeben: “It was the rare situation where, in the lack of boundaries, there was a safety.”¹ Interessant ist, dass der Adam, den Driver spielt, so viel mit dem realen Adam gemein zu haben scheint.

Einmal gab es die Chance, dass Dunham und Driver ein Paar werden, doch sie hat die Notbremse gezogen, aus Gründen, die vor allem die Serie betreffen. Eine weitere Zusammenarbeit wäre ihr unmöglich erschienen. Als Girls schließlich nach sechs Staffeln, endete, beschreibt Dunham die letzte Begegnung mit ihm, wo sie ihm quasi ihre Selbstzweifel ihm gegenüber gesteht, dass sie nicht “gut genug” für ihn war. Und er dann: “It was just as it needed to be” – he said, sounding like a Jedi (maybe he picked up a few tricks.) I hope you know, I will always love you.”² Sie denkt darüber nach, wie sie sich weiterhin treffen werden, sie ihm vielleicht eine neue, andere Rolle schreiben wird: “But I never heard from him again.”

Und auch so ist das Leben. In diesem Moment hatten sie wahrscheinlich die besten Absichten und sie haben es so gemeint, aber wenn etwas endet, gelingt es manchmal nicht, etwas neues entstehen zu lassen. Und so hat sich nicht nur Driver jemals wieder gemeldet, auch sie hat es nicht getan. Für mich klingt eine gewisse Traurigkeit durch, wenn sie von ihm erzählt, auch immer eine Ratlosigkeit und manchmal sind es eben genau die Menschen, die man nie ganz versteht, die einen unendlich faszinieren und von denen man nicht los kommt.

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1. Lena Dunham: Famesick, S. 62 ↩︎
2. Lena Dunham: Famesick, S. 205 ↩︎

Apropos Horrorfilm, vorige Woche habe ich im Streaming Speak no Evil nachgeholt, das amerikanische Remake eines erst zwei Jahre zuvor erschienenen dänischen Films, der, so sagten mir einige, wirklich absolut grausam und verstörend sei. Und mir ist schon klar, dass solche US-Remakes meistens ein Abklatsch und ein bisschen auf Massentauglichkeit gedrimmt sind, aber ehrlich gesagt vertrage ich bei Horrorfilmen so wenig, dass mir das in dem Fall auch schon irgendwie reicht, harhar.

Worum geht es? Zwei englische Familien, mit je einem halbwüchsigen Kind mit “Handicap” lernen sich im Urlaub in der Toskana kennen. Louise und Ben, wohnhaft in London, gehen gerade durch eine veritable Krise, weshalb sie auf die joviale Art des anderen Vaters, Paddy (James McAvoy) anspringen, und mit dieser Familie Zeit verbringen, ehe Paddy sie am Ende des Urlaubs kurzerhand für ein paar Tage zu ihnen nach Südengland einlädt. Als sie zu dieser Reise aufbrechen, nimmt das Schicksal seinen Lauf….

ACHTUNG GRÖBERE INHALTSSPOILER FOLGEN

Also erstmal: Bei mir fängt der Horror hier nicht mit den naja, “Gewohnheiten” eines Serienmöders an, sondern schon viel, viel früher. Ich meine Paddy würde ich im echten Leben keine fünf Minuten aushalten. Er ist der Typ Mensch, der jedem Gegenüber permanent die Welt erklärt, das aber auf so eine pseudo-kameradschaftliche, gönnerhafte Art. Er ist unfassbar nervig und für mich absolut unausstehlich, und das hätte jetzt mich persönlich tatsächlich vor seinen weiteren Taten gerettet, weil mir wäre nicht im Traum eingefallen, zu diesem Trottel auf Besuch zu fahren, harhar.

Wobei man sagen muss, auch Louise ist Paddy nicht wirklich ganz koscher, aber sie merkt, dass ihr schwermütiger Mann immer aufblüht, wenn er mit Paddy zusammen ist. Und so reist die Familie eben hin und das Haus von Paddy und Co ist natürlich komplett entlegen und fernab von jeder Zivilisation, Handyempfang gibt es auch keinen, was nie ein gutes Zeichen ist, siehe Heretic, The Menue, Triangle of Sadness et al. Und dann bleibt Speak no Evil relativ lange ein Horrorfilm, wie ich ihn mag. Die bedrohlichen Elemente sind nämlich sehr subtil, aber genau deshalb so wirkungsvoll. Da ist zum Beispiel die Bettwäsche in den Gästezimmern dreckig. Da kommt spontan ein “Babysitter” für die Kinder, der nicht unbedingt vertrauenserweckend wirkt. Da lädt Paddy einmal zum Essen in ein Lokal ein und lässt dann frech Ben die Rechnung übernehmen. Da findet Louise ihre Tochter eines nachts im Bett der Gastgeber.

Am Schlimmsten aber ist, wie Paddy seinen eigenen Sohn behandelt. Grob, ohne jegliche Empathie, damit “einmal etwas aus ihm wird.” Die Aussage ist besonders lächerlich, da kurz zuvor klar wurde, dass Paddy nicht bei Ärzte ohne Grenzen ist, was der dem anderen Paar in Italien erzählt hat und was natürlich jemandem irgendwie einen Vertrauensvorschuss gibt, weil man denkt, das muss ja dann ein “guter” Mensch sein; nein, Paddy verdient Geld mit Verkauf von Gras und diversen Betrügereien. Und natürlich haben wir dann auch das Motiv der versuchten Flucht der Besuchsfamilie, was aber, klassisch, durch eine Kleinigkeit vereitelt wird, damit wir den entsprechenden Showdown erhalten. Auf den Showdown könnte ich ja immer irgendwie verzichten, aber davor macht der Film für mich schon einiges richtig.

Ich glaube, ich schaue mir jetzt doch noch das dänische Original an.

Bradley Cooper ist ein Phänomen. Zuerst wegen seines durchaus guten Aussehens eher als romantischer Protagonist gecastet, was ich persönlich ja immer ur fad finde, hat er selbst den Spieß umgedreht und uns in allen möglich recht schrägen, witzigen, herausfordernden Rollen überrascht, vom Scharfschützen zu einem psychisch Kranken bis hin zum Zirkusartisten. Nebenbei hat er begonnen, Regie zu führen. Seine beiden ersten Werke A Star is Born und Maestro waren “Larger than life”, so groß und wuchtig, inklusive ihm in einer der Hauptrollen. Insgesamt brachte ihm das schon zwölf Oscarnominierungen in den unterschiedlichsten Kategorien ein. Und dann kommt dieser kleine Film fast unter der Wahrnehmungsgrenze mit einem Fragezeichen im Titel, was ja nie ein gutes Zeichen ist harhar. Hier ist Cooper, “Balls”, ein Nebencharakter.

Is This Thing On? erzählt die Geschichte von Alex (Will Arnett), der gerade an einem Wendepunkt seines Lebens steht. Seine Ehe mit Tess (Laura Dern) ist an einem toten Punkt angelangt, er zieht aus, weg auch von seinen beiden kleinen Söhnen. Er fühlt sich recht niedergeschlagen und orientierungslos, als er an einem Abend in New York eine Bar betritt, wo gerade Stand-Up Comedy stattfindet. Und weil er kein Bargeld für die Eintrittsgebühr dabei hat, lässt er sich kurzerhand selbst auf die Teilnehmerliste setzen…

Stand Up Comedy als Krisenbewältigung, das ist mal eine gute, erfrischende Idee. Dieser peinliche Moment, wenn man erstmals auf eine Bühne geht, etwas lustig sagen soll, gar nichts vorbereitet hat, und einfach zu reden beginnt, von seinem Leben erzählt. Und irgendwie funktioniert es und Alex hat Blut geleckt und plötzlich eine neue Leidenschaf in seinem Leben entdeckt. Die Dialoge dieses Filmes sind überhaupt hervorragend. Sie umschiffen gekonnt die Stereotypen, die gerne gebracht werden, wenn von Ehekrise, Beziehungsproblemen, Kommunikationsschwierigkeiten erzählt wird, und eröffnen oft ganz neue Blickwinkel.

“Leider” ist allerdings Bradley Cooper der eigentliche Star hier, der den besten Freund von Alex spielt, und den wir erst vor zwei Jahren als Leonhard Bernstein gesehen haben, wie er in der Sonne sitzt und uns mitteilt: “If summer does not sing in you, then nothing sings in you”. Hier ist es komplett crazy, er spielt einen richtigen Exzentriker, dabei aber warmherzig und erstaunlich ehrlich zu sich selbst. Wie er geht, wie er schaut, wie er seine Sätze spricht, es ist so amüsant, eine Freude, ihm zuzusehen. Oder wie jemand auf Letterboxd schreibt: “And if I said Bradley Cooper als Balls is one of the best supporting performances of the year? What then?” Es ist so.

Ich habe aber nicht alle Entscheidungen bei diesem Film verstanden. Irgendwie ist mir Will Arnett unsympathisch, gut das ist mein Problem, harhar. Ein größeres Ding ist, dass die Hauptdarsteller zu alt für ihre Rollen sind. Ja okay, Menschen bekommen heute später Kinder. Tess war noch dazu Spitzensportlerin gut und schön. Aber mit fast 60 Jahren Kinder im Volksschulalter zu haben, come on. Das führt zur skurillen Situation, dass die Großeltern dieser Kinder gefühlt auch nur einen Hauch älter als die Eltern sind. Und ich verstehe das nicht: Wieso muss dieses Paar so kleine Kinder haben? Wäre es nicht viel spannender, einmal ein Paar zu zeigen, dass sich im Zuge des Empty Nest Phänomens trennt, ein Feld, das noch nicht so sehr beackert ist?

Tatsache ist aber, ich will noch viel mehr Filme von Bradley Cooper sehen, in denen er Regie führt und mitspielt. Und ich habe keine Ahnung, welchem Stoff er sich als nächstes widmen wird. Da kann im Prinzip alles kommen und ich bin an Bord.

Endlich T-Shirt Wetter und nachdem ich am Wochenende arbeiten muss – zwar auch in der Sonne, aber trotzdem – war ich heute mit L. essen. Sollte langsam zur Vapiano Spokesperson werden, glaube ich. Aber wie üblich unbezahlte Werbung.

L. hat Spargelpasta probiert, und ich habe bei ihr gekostet, ich glaube, das traue ich mich auch nächstes Mal. Zum Tiramisu gabs heute eine Erdbeere dazu, sehr nett. Haben über die bevorstehende Matura unserer Kinder gesprochen, noch sind wir nicht nervös, harhar. Danke außerdem für den irre guten Tipp, was die Installation von der ID Austria auf meinem neuen Handy betrifft, den ich gern weitergebe, weil ich dran gescheitert bin. App einfach löschen und neu installieren, läuft.

Am Abend ging es ins gestern (!) neu eröffnete Bellaria Kino hinter dem Volkstheater, das jetzt seit 2019 wegen Renvierung geschlossen war. Sieht ja wunderschön aus, sowohl von außen als auch von innen, allerdings ist es drinnen ziemlich dunkel und man wird mit clubartiger Musik beschallt, das gefällt mir nicht so gut. Ich will nicht so gerne in ein Kino gehen, das cooler ist als ich, da kann ich gleich das Schikaneder besuchen, harhar.

Ein Kunstfoto vom Foyer:

Aber der Saal selbst war nett und gemütlich. Der isländische Film The Love That Remains allerdings ein ziemlicher Metaphernfriedhof. Und dagegen habe ich per se jetzt nichts, aber es wäre schon schön, wenn man den Zuschauern auch die Möglichkeit gibt, diese irgendwie enträtseln zu können.

Dann in der lauen Abendluft heimgegangen. Schön.

Bei der letzten Viennale liefen gleich zwei Filme des Regisseurs Richard Linklater und aus Termingründen konnte ich nur einen besuchen. Ich habe mich damals für Nouvelle Vague entschieden, den wir zu viert von Uncut sahen und der uns sehr gut gelaunt aus dem Gartenbaukino gehen ließ, weil er das Kino gefeiert hat und einfach so ein Konsens-Film ist, der nicht aneckt. Ich habe aber zugegebenermaßen auch keinen weiteren Tag über Nouvelle Vague nachgedacht. Nun kam der zweite Linklater Film in die Kinos und zwar Blue Moon.

Wie es so schön im Trailer heißt: Der Beginn des legendären Komponisten/Texter Teams Rodgers and Hammerstein ist gleichzeitig das Ende von Rodgers und Hart. Und eben dieser Lorenz Hart (Ethan Hawke), der Texter von unter anderem Blue Moon (und My funny Valentine und The Lady is a Tramp…) ist die Hauptfigur dieses Films. Wir erleben ihn in der Bar des bekannten New Yorker Restaurant Sardi’s nach der Premiere des ersten Rodgers/Hammerstein Musicals Oklahoma!, wie er dem Bartender, dem Pianisten und praktisch jedem, der es hören will, von seinen Ansichen zu Kunst, Kultur, der Liebe und seinem patscheren Leben erzählt…

Das Kammerspiel – ja Blue Moon spielt fast ausschließlich an diesem Abend in einer Bar – startet fulminant. Lorenz Hart betritt das Etablissment und beginnt zu reden. Schnell wird klar, dass er die ungeteilte Aufmerksamkeit seines Umfelds wie die Luft zum Atmen braucht, doch dieser Abend ist nicht sein Abend. Es ist der Abend von Oklahoma! oder wie er pointiert-bissig formuliert: Ein Stück, dass ein Ausrufezeichen im Titel trägt ist unbedingt zu meiden. Und dann gleich der selbstironische Hinweis, ja, aus ihm spreche auch der Neid. Weiter geht es mit der klugen und witzigen Analyse der gegenwärtigen Kulturszene bis hin zu “Bester Satz in Casablanca“, “Schlechtester Satz in Casablanca” – ich persönlich liebe ja so etwas.

Aber Hart ist nicht nur witzig und klug, natürlich ist er auch eine gebrochene Persönlichkeit, alkoholabhängig, frustriert über seinen Körpergröße, sein schütteres Haar, sein Unglück in der Liebe – hier in Gestalt von Elisabeth (Margaret Qualley), sonst aber wohl auch seine eigentliche (?) Homosexualität betreffend, zu der er sich nicht bekennen mag/kann. Und wie dieser Film diese Balance zwischen Humor und tiefsten Schmerz schafft, das ist schon außergewöhnlich gut. Außergewöhnlich gut ist auch Ethan Hawke, der hier wenn schon nicht bis zur Unkenntlichkeit, dann doch bis zu einem Punkt gestylt wurde, an dem man als Zuseher vergisst, dass man hier Hawke zusieht, den man ja eher als flott-feschen Gen X’ler im Kopf hat und nicht als äußerlich unscheinbare Ikone der 1920, 1930-er Jahre.

Der Illusion, dass das doch noch ein gutes Ende nimmt mit Lorenz Hart, dass sein großes Talent über die Sucht und Selbstzweifel siegt und das auch er einen so großen Erfolg wie sein Partner Rodgers (ein freundlich-aalglatter Andrew Scott) erlebt, die nimmt uns Regisseur Linklater schon in der ersten Szene. Denn tatsächlich hat Hart diesen Abend nur noch um ein paar Monate überlebt und sein Ende mit nicht einmal 50 Jahren ist so verlaufen, wie es zu befürchten war. Linklater hat ihm mit diesem Film ein schönes, berührendes Denkmal gesetzt.