almis personal blog

Wie erwähnt, habe ich am Wochenende den jüngsten Film von Jim Jarmusch namens Father Mother Sister Brother gesehen, für den er voriges Jahr mit dem goldenen Löwen in Venedig ausgezeichnet wurde. Übrigens ein Jahr nach Pedro Almodovar und das Witzige ist, ich habe beide Regisseure in den letzten 30 Jahren quasi begleitet, ich kenne fast alle Filme von beiden.

Father Mother Sister Brother ist ein Triptychon oder anders gesagt ein dreiteiliger Episodenfilm. Im ersten Teil wird ein Vater von seinem erwachsenen Sohn und seiner Tochter besucht, im zweiten Teil eine Mutter von den Töchtern. Der dritte Teil schließlich zeigt ein Zwillingspaar, das nach dem Unfalltod ihrer Eltern deren Wohnung räumen muss und über “Familienverhältnisse” nachdenkt…

Menschen, die Geschichten mit einem klaren Anfang und Ende, mit einer Aussage oder einer “Botschaft” mögen, waren mit Jim Jarmusch immer schon ziemlich schlecht bedient, obwohl er mit den Jahren schon zugänglicher und auch erheblich kommerzieller geworden ist. Seine ersten Filme sind ja weitgehend dialog- und handlungslos. Es geht aber nach wie vor sehr viel um Stimmungen, um Ungesagtes, um Dinge, die zwischen Menschen passieren, ohne, dass man diese so richtig fassen kann.

So ist die erste Episode, nämlich Father, zugleich voller leisem Witz, aber auch ziemlich unangenehm für den Zuseher. Weil dauernd nach einer Möglichkeit zur Kommunikation, zu Anknüpfung gesucht wird, dies aber schmerzhaft ins Leere läuft. Zu verschieden scheinen der akkurate Sohn Jeff (herrlich Adam Driver), die etwas verkniffene Tochter Emily (Mayim Bialik) und der “Hippie” Vater (Tom Waits) zu sein. Der Vater lebt irgendwo in der Pampa in einem heruntergekommenen Haus, scheint kaum Geld, dafür aber ein Alkohol/Medikamentenproblem zu haben. Alle Beteiligten haben irgendwie das Gefühl, sie müssten sich treffen und eine Art von Beziehung haben, tatsächlich sehen sie aber den Zeitpunkt herbei, in dem sie wieder ihr eigenes Leben führen können, in dem die “family relations”, auf die Tom Waits einmal anstoßen will – Driver daraufhin: “Can you toast with tea?” – keine Rolle mehr spielen müssen. Schön ist, dass diese Episode am Ende einen sehr unerwarteten Twist hat.

Auch die zweite Episode Mother erzählt von Entfremdung, wenn auch die Mutter (Charlotte Rampling) hier die Wohlhabende, nämlich eine Bestsellerautorin ist. Obwohl sie und ihre Töchter Lilith (Vicky Krieps, ich liebe ihre rosa Haare!) und Timothea (Cate Blanchett) alle in Dublin leben, sehen sie sich nur einmal im Jahr und wissen im Grunde nichts voneinander. Oder wie die Mutter am Anfang ihrer Therapeutin am Telefon sagt, sie freue sich zwar, die Töchter zu treffen, aber sie sollen “nichts aufwühlen”. Was sie damit meint, darüber kann man nur spekulieren. Jedenfalls ist es ein Irrglaube, dass man sich mehr zu erzählen hat, wenn man sich sehr lange nicht sieht. Im Grunde bleiben da nämlich nur die großen Meilensteine des Lebens über, wie hier “Ich wurde befördert” – “Ich habe tausend neue Follower”. Die vielen kleinen Details, die ein Leben ausmachen, die Kämpfe im Alltag bleiben außen vor, die Geheimnisse sowieso.

Die dritte Episode erzählt (endlich) von einer guten Beziehung, die der Zwillinge Billy (Luka Sabbat) und Skye (Indya Moore). Aber da sind die Eltern eben gerade gestorben. Zynisch könnte man bemerken, dass ihr Fehlen mehr Harmonie erzeugt, als die Präsenz der Eltern in den vorigen Episoden. Aber auch hier gibt es Brüche und Leerstellen. Es gibt außerdem wiederkehrende Motive in allen Episoden, beispielsweise die Farbe rot, eine Uhr, eine rätselhafte Redewendung, aber was man als Zuschauerin daraus macht oder nicht, ist Jarmusch, denke ich, komplett wurscht, harhar.

Wie gesagt, es gibt kein Fazit, es gibt nur dieses Gefühl, das nachschwingt, das irgendwie mit eigenen Erfahrungen und Beobachtungen resoniert. Die Figur von Adam Driver spricht einmal die recht platte Weisheit aus, dass man sich Familie nicht aussuchen kann, und so banal es ist, es hat wie alles Konsequenzen und macht uns (auch) zu der Person, die wir sind.

Marty Supreme heißt der erste Film von Josh Safdie, nach dem arbeitstechnischen Split von seinem Bruder Benny. Eine weitere Regiebrüder-Kollaboration, die zu Ende ging, nach den Zucker-Brüdern, den Coens (vorübergehend?), und den Wachowskis (sind jetzt Frauen!). Benny Safdie ist auch Schauspieler und war super in Oppenheimer. Sein Solo-Regiedebüt hatte er voriges Jahr mit The Smashing Machine, die Kritiken waren durchwachsen – ich habe ihn nicht gesehen. Marty Supreme dagegen hat neun Oscarnominierungen erhalten.

Der Film, in dem Timothée Chalamet in jeder Szene vorkommt, erzählt die halbfiktive Geschichte des aufstrebenden Tischtennisspielers Marty Mauser als eine Art Schelmenerzählung. Mit List, Frechheit und jeder Menge Selbstbewusstsein versucht er, sich aus prekären Verhältnissen in den 1950er Jahren zum Tischtennis-Weltmeister hinauf zu äh, schwindeln, nicht was seine Leistung betrifft, aber das Geld, um überhaupt bei Wettkämpfen antreten zu können, fehlt an allen Ecken und Enden…

SPOILER MÖGLICH

Das ist schon sehr inspriert, was Safdie uns hier präsentiert. Ich habe in manchen Reviews gelesen: Schon wieder ein toxischer Mann, der in den Mittelpunkt gestellt wird. Nun polemische Anmerkung: vielleicht ist es nicht so unheimlich interessant, gendernden Veganern in ihrem politisch korrekten Alltag zuzusehen. Ich würde Marty auch gar nicht ans toxisch bezeichnen. Ja, er hat ein enormes Selbstbewusstsein bis hin zur Selbstüberschätzung, sonst hätte er aber auch absolut keine Chance auf sozialen und sportlichen Aufstieg. Ja, er tut “unmoralische” Dinge, wie im übrigen jeder in diesem Film (auch die Frauen). Aber es gibt einige Szenen, die Marty so zeigen, wie er vielleicht immer wäre, hätte er andere Voraussetzungen und wäre in ein Umfeld geboren, das ihn unterstützt und es sei nur ideell.

Auch Timothée Chalamet selbst wird vorgeworfen, dass er zum Größenwahn neigt. Weil er halt gern einen Oscar will und nicht der beste “Verlierer” ist, sagen wir so. Er sei unbescheiden, aber sind wir uns ehrlich, wohin bringt dich Bescheidenheit – gerade in Hollywood. Und mir ist das wirklich bei weitem lieber als er würde uns als x-ter Darsteller seine Einschätzung zum Gaza Konflikt mitteilen, harhar. Ich mag ihn als Schauspieler tatsächlich sehr. Ich liebe ja Call me by your name und er hat als Haupdarsteller keinen geringen Anteil daran. Er macht auch Filme bunter, in denen er nur eine kleinere Rolle hat, wie in Little Women – irgendwer schrieb damals, niemand könne sich gekonnter lässig auf eine Chaiselongue werfen als Chalemet. Und erst voriges Jahr hat er eine super Performance als Bob Dylan in A Complete Unknown abgeliefert, also ich mach nicht mit im Chalamet-dissen.

Marty Supreme ist ein atemloser Film. Dauernd passiert irgendwas, in einer extrem gut gefilmten Szene läuft Marty vor der Polizei weg, echt großes Kino, auch wenn es einfach nur eine Verfolgungsjagd ist. Die Musik hat einen großen Anteil, sie ist partiell anachronistisch. Was meine ich damit? Wenn die Protagonisten Musik hören, dann ist es solche der 1950er Jahre, wenn aber wir als Zuschauer Musik hören, die quasi über der Handlung liegt, dann hat Josh Safdie die Schönheit und transformative Kraft vom 80iger Jahre Pop erkannt und serviert uns Forever Young und Spoiler ganz am Ende Everybody wants to rule the World, was einfach so sehr das Marty-Mindset verkörpert, dass es fast wehtut. Ich werde von nun an immer ans Chalamets Gesicht denken müssen, wenn ich diesen Song höre.

Marty Supreme ist ein Film nicht über sondern mit Tischtennis, würde ich sagen. Bei letterboxd schrieb jemand, Safdie täte für PingPong, was Guadagnino in Challengers für Tennis tut. Ich denke, er tut mehr, weil Tennis von hausaus eh viel “größer” ist als Tischtennis. Marty Supreme hat auch großartige Nebendarsteller (Gwyneth Paltrow, die immer super ist, wenn sie nicht lieblich sein muss). Der Film macht einfach Freude – und er macht mich nicht so nervös wie sonstige Filme, in denen sich die Hauptfigur mehr und mehr in die Scheiße reitet. Der cineastische Genuss überwiegt eindeutig. No further notes.

Wim Wenders hat bekanntlich versucht, die Berlinale zu “entpolitisieren”, was ich persönlich super fand.

Denn meines Erachtens geht es ja beim ESC kaum mehr um Musik, bei Olympia nicht um Sport und ja auch bei Filmfestivals nicht mehr um Filme, sondern vor allem um Empörung über was auch immer und darum, sich irgendwie positonieren zu müssen, natürlich exakt auf der “richtigen” Seite. Auch wenn man sich dazu außerstande fühlt, weil man die Materie zu wenig kennt, weil es zu komplex für eine Pressekonferenz wäre oder warum auch immer. Wenders ist sicher kein unpolitischer Mensch und es geht auch nicht darüber, politische Themen generell auszusparen, er wollte nur den “Bekenntniszwang” verhindern, denke ich, und wurde für die Aussage natürlich wiederum kritisiert ohne Ende.

Gestern ist ihm Nick Cave beigesprungen, der, finde ich, immer sehr kluge und reflektierte Worte zu solchen Dingen sagt und er sprach mir voll aus der Seele. Er erzählte vom Niedergang der Adelaide Writers Week und meinte, solche Festivals seine keine Orte des Diskurses mehr, sondern ” (…)”sucked down the sinkhole of a single monolithic ideology: one voice, one cause, one dissent.” Er meinte über Wenders: “Perhaps he also believes that art is more than the sum of its utility, it is more than a tool or a weapon. Maybe he believes, as I do, that at its core, great art exists purely for its own sake, and that at its most transformative it reveals itself subtly, ambiguously, and curiously”

Und, was ich am schönsten finde: “Perhaps his words will encourage artists to feel confident expressing how they truly see themselves, in all their radical complexity and diversity, to say: This is what I am. This is how I feel.”

Und wenn Nick Cave das hoffen kann, dann hoffe ich das auch. Die Welt mit Kunst größer machen, weiter und mutiger. Und das Publikum selbst denken lassen.