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Train Dreams heißt der neue Film von Regisseur Clint Bentley, von dessen Häftlinge-spielen-Theater Film Sing Sing ich schon vor einigen Monaten ein bisschen unterwältigt war.

In Train Dreams geht es, nach einer wahren Begebenheit, um das Leben von Robert Grainier (Joel Edgerton) ab dem Jahr 1917. Grainier, der als Holzfäller beim Eisenbahnbau in den USA tätig ist und mit seiner Frau Gladys (Felicity Jones) und der Babytochter in einer bescheidenen Hütte lebt. Obwohl die Arbeit hart ist und die Zeiten schwierig, ist Robert glücklich mit seiner Familie, doch die Dinge verändern sich…

ACHTUNG GRÖBERE SPOILER

Als ich gelesen habe, dass es hier um einen Tagelöhner und sein Leben geht, dass sich durch weite Teile des 20. Jahrhunderts erstreckt dachte ich mir schon, dass das jetzt nicht unbedingt der Film sein wird, auf den ich sehnsüchtig gewartet habe. Ich las aber doch viel Positives darüber auf X und anderen Plattformen und da auch dieser Film Oscar-verdächtig ist, habe ich ihn mir also auf Netflix angesehen.

Ich habe das Wort “dröge” fast ausschließlich in meinem passiven Wortschatz, verwende es aber hin und wieder gerne in Bezug auf Filme. So auch hier, harhar. Es tut mir leid, aber was war das, außer ein ziemlich offensichtlicher “Oscar-Bait” Film von oben genanntem Regisseur. Ja, die Bäume sind hoch, der Himmel ist blau und die Eisenbahnschienen lang im Staat Idaho. Das Leben ist außerdem hart und die Menschen sind schlecht oder wahre Engel. Zwischentöne? Fehlanzeige. Das Schicksal, im übrigen, ist unerbittlich. Das Schicksal wird grausam zuschlagen und es werden Personen kommen, die dazu banale philosophische Sprüche parat haben, die keinen Millimeter tiefer gehen, als dass sie auch auf irgendwelchen Kalendern abgedruckt werden könnten.

Und damit das Schicksal besonders grausam erscheint, muss das Leben der Familie Grainer natürlich vorher extrem makellos, ja ich sag wie es ist, kitschig dargestellt werden. Diese einzigartige Liebe, dieses wunderbare Kind, inmitten reiner, wenn auch arachischer Natur. Der rechtschaffene Mann, die gütige Frau. Oida. Ich habe wirklich nichts gegen glückliche Paare und heile Familien, aber man kann es echt übertreiben. Hier fehlt eindeutig Jennifer Lawrence (aus Die my Love) die schreiend die Tapeten von den Wänden kratzt, harhar.

Das tatsächlich erstaunliche und auch irgendwie bedauerliche an dem Film ist aber, dass er sich so sehr darum bemüht, etwas im Zuschauer auszulösen, dass ihm genau das kaum gelingt. Zumindest hat es bei mir gar nicht funktioniert. Und er hat mir auch nicht, so wie unlängst History of Sound, ein Film, der ziemlich genau dieselbe Zeitspanne wie Train Dreams abdeckt, ebenfalls eine tragische Geschichte erzählt und auch recht altmodisch erzählt ist, irgendeine weitergehende Erkenntnis geliefert. Mehr kann ich dazu nicht sagen, sorry harhar.

Weiter geht es mit der Oscar-Vorbereitung, denn den folgenden Film habe ich in erster Linie wegen der zu erwartenden Nominierung von Jennifer Lawrence als “Beste Hauptdarstellerin” angeschaut. Die Inhaltsangabe, der Trailer, sowie auch der männliche Darsteller (harhar sorry) hätten mich sonst eher vom Anschauen abgehalten, harhar.

Die my Love ist ein Film der für Verstörungskino bekannten Regisseurin Lynne Ramsay und es geht dabei um Grace (Lawrence), die mit ihrem Freund Jackson (Robert Pattinson) in ein baufälliges Haus mitten im nirgendwo von Montana zieht. Sie ist eigentlich Schriftstellerin, wird aber schnell schwanger und ist nach der Geburt tagelang alleine mit ihrem kleinen Sohn, während ihr Mann im Außendienst arbeitet. Ihre psychische Labilität wird durch die äußeren Umstände noch verschärft, was folgt ist der Befund eines Niedergangs mit Ansage…

ACHTUNG SPOILER MÖGLICH

Zunächst: Es gibt ein paar Dinge, die mir an diesem Film gefallen haben. In erster Linie die Bilder, die die Kamera vom Himmel über Montana einfängt, vom Wald, der Natur. Stimmungen zu erzeugen, auch wenn diese Stimmungen beklemmend und angsteinflößend sind, das hat für mich gut funktioniert. In zweiter Linie funktioniert dieser Film wegen Lawrence, die Die my Love als Referenzwerk dafür verwenden könnte, dass sie den absoluten Wahnsinn sehr überzeugend verkörpern kann. In diesem Film schreit, kratzt und faucht sie, sie kämpft, lacht hysterisch, kriecht über den Boden, hantiert mit Messern und Gewehren, fällt durch eine Glastür, jammert, weint, ist ungeniert nackt, kratzt die Tapeten von den Wänden, streckt die Zunge heraus und macht auch sonst noch einige Dinge, die einen ziemlich befremdlichen Eindruck hinterlassen.

Es gelingt durch die Leistung von Lawrence eine Psychose in der Weise darzustellen, dass man sich fühlt wie nach einer durchzechten Nacht. Man hat als Zuseher das Gefühl, verkatert zu sein, starke Kopfschmerzen und gleichzeitig Sodbrennen zu haben, sich unerklärlich erschöpft und hoffnungslos, sowie generell vollkommen deprimiert zu fühlen. Ich erkenne an, dass dieser Film es geschafft hat, diese Symptome bei mir zu erzeugen, aber angenehm finde ich das jetzt nicht unbedingt.

Inhaltlich ist Die my Love ziemlich leer. Hier wird kaum gezeigt, wieso Grace an dem Punkt steht, an dem sie ist. Viele Dinge kann man sich nur zusammenreimen, etwa ihre Unfähigkeit weiter zu schreiben, sobald sie in das Haus gezogen ist. Es gibt ein paar Hinweise auf ihr Aufwachsen und ihre Kindheit. Aber generell sieht man über weite Strecken Lawrence einfach nur beim “Ausagieren” zu. Irgendeinen Grund zur Hoffnung oder ein “Silver Lining” (der Titel des Filmes für den Lawrence tatsächlich bereits einen Oscar erhalten hat, auch dort spielte sie eine psychisch kranke junge Frau) ist weit und breit nicht zu erkennen. Und wer hier schon länger liest weiß: das mag ich an Filmen gar nicht. Aber ich muss ja nicht mit allem einverstanden sein, harhar.

So, nach drei (!) Wochen habe ich es endlich wieder ins Kino geschafft. Und zwar habe ich mir den neuen Film des griechischen Regisseurs Yorgos Lanthimos, dem Meister des schrägen, durchaus auch unappetitlich-unbequemen Kinos, angesehen.

Bugonia ist eine Art Sci-Fi Satire und handelt von Teddy (Jesse Plemons), einem Paketpacker, der für den Pharmakonzern arbeitet, dem Michelle (Emma Stone) als CEO vorsteht. Teddy, der sich insgesamt vom Leben ungerecht behandelt fühlt, ist davon überzeugt, dass Michelle eine Außerirdische ist, die mit ihrer Spezies dafür verantwortlich ist, dass nichts so läuft wie es sollte. Er lebt mit seinem, sagen wir etwas unbedarften Cousin Don (Aidan Delbis) zusammen, den er dazu überreden will, sich “die Welt zurückzuholen”. Zu diesem Zwecke planen die beiden, Michelle zu entführen und sie dazu zu zwingen, ihren Imperator mitsamt seines Raumschiff bei der kommenden Mondfinsternis von der Erde “zurückzupfeifen”…

WEITGEHEND SPOILERFREI TATSÄCHLICH!

Wer sich denkt, Oida, das klingt ur krank, der kennt Yorgos Lanthimos wahrscheinlich noch nicht. Für ihn ist das ein ganz normaler Plot, harhar. Wobei ich zugeben muss: Sci-Fi und Satire, schon schwierig. Die letzten Satiren, die ich gesehen habe, waren “mildly amusing” und irgendwie so schal, dass ich mir schon gedacht hab, vielleicht bin ich einfach eine Person, die mit Satire generell nicht so viel anfangen kann, weil mich ja immer eher Figuren und ihre Charaktere interessieren. Aber wenn Satire so ist, wie hier bei Lanthimos, nämlich so komplett drüber, alle Grenzen ignorierend und wirklich gegen alle (ideologischen) Richtungen austeilend, dann mag ich es ur, harhar.

Man kann über den Film gar nicht so viel schreiben, ohne zu spoilern. Ich will bei Bugonia allerdings nicht zu viel verraten, weil die Twists so gut sind, dass man sie wirklich gesehen haben sollte. Im Prinzip könnte man sich am Ende gleich nochmal ins Kino setzen, und Bugonia erneut anschauen. Wahrscheinlich würde man dann einen völlig anderen Film sehen.

Was ich an Bugonia mochte: Der Film ist nicht per se witzig. Er ist stellenweise sogar ziemlich brutal und mit diversen “Gore”-Elementen versehen. Aber er hat so eine absurde Komik da und dort, dass man laut lachen muss oder umgekehrt, dass einem das Lachen im Hals steckenbleibt. Ich mag es, wie Lanthimos Musikstücke einsetzt. In seinem letzten Film Kinds of Kindness hat er mit Eurythmics gespielt, hier lässt er Emma Stone zum Roan Chappell Song Good luck, Babe Auto fahren. Das Thema des Songs hat mit dem Film nicht direkt zu tun, aber so circa fünf Schichten drunter findet man doch einen Bezug. Und selbst wenn man ihn nicht findet, ist es ein super Song, der die Stimmung des Filmes prägt.

Und letztendlich sind es die Schauspieler, von denen Bugonia auch lebt, die immer supere Emma Stone als Turbo-Kapitalistin, die sich im Film (und tatsächlich!) eine Glatze schneiden lässt und Jesse Plemons, der diesen irgendwie unangenehmen Typen spielt. Er ist auf eine gewisse Weise hochintelligent, alles hinterfragend, auf andere Weise vertritt er eine Weltsicht, die den meisten wohl völlig skurill erscheint und von der er so selbstgerecht überzeugt ist, dass er zum Außenseiter werden muss. Die Sympathie liegt tatsächlich bei der Figur, die als Einzige, wenn auch völlig naiv Menschlichkeit und Empathie zeigt und verkörpert, dargestellt von einem Laienschauspieler in seiner ersten (!) Rolle.

Wie man sieht, scheitere ich, wie übrigens auch fast alle anderen gerade dabei, Bugonia wirklich gut zu beschreiben, aber ich habs zumindest versucht, harhar.

Diese Woche gab es auch zwei nette soziale Events.

Zunächst das Uncut post-Viennale treffen, wo wir quasi die Viennale nachbesprochen haben. Wir haben uns zu sechst im Equilibrum auf der Gumpendorferstraße getroffen, ein sehr gemütliches Cafe, in dem es sogar eine Bücherecke gibt. Wir haben Tee und Kaffee getrunken und zwei Stunden nonstop über Filme gesprochen, ich mein, wie super ist das.

Es wurden diverse Sachverhalte erörtert wie: Was waren eure Lieblingsfilme auf der Viennale? Konsens: Sentimental Value. Jemand meinte: “Ich hab den falschen William Dafoe Film geschaut.” Der Richtige war anscheinend die (kind of) Schnitzler Adaption Late Fame. Die Frage war auch: Ist Eddington wirklich ein “Covid Western”? Anscheinend nein. Was bedeutet, dass ich ihn mir wohl doch anschauen werde harhar. Oder: Wird Jay Kelly in den Kinos anlaufen? Eher nur auf Netflix und so weiter. Ich habe es echt genossen und ich habe zwei Menschen aus dem Team überhaupt erstmals persönlich kennengelernt.

Gestern war dann Ganslessen in einem Lokal beim Garten. Weil die Oma auch Geburtstag hatte, kamen außer dem Kind und mir zwei Freundinnen von ihr mit. Es war soo gut und auch wirklich sehr lustig. Es wurde über den Literaturnobelpreis gesprochen und viel übers Autofahren, anwesend zwei wenig Autofahr-affine Menschen, wozu ich mich auch zähle und zwei, die das Autofahren lieben, unter anderem das Kind, der seine praktische Prüfung nur noch schwer erwarten kann, harhar. Werde ich dann permanent in Angst leben, vor dem wilden Straßenverkehr? Das lässt mein Kind eh nicht zu, mit seiner pragmatischen Weltsicht.

Nach der Gans gabs noch Kaffee und Jause im Gartenhaus und die Freundin von Oma: “Also im Herbst ist eine Kleingarten-Anlage schon etwas tristes” und das Kind: “Ich mag es voll.” Harhar.

Heute musste er lernen und ich habe den ganzen Tag gearbeitet, war ruhig und gemütlich, ganz ohne Sonntagsblues, dafür mit ganz vielen, immer wiederkehrenden Gedanken an jemand. Ich mag es, wenn ich mich so ruhig fühle, genießen wir es, so lange es hält harhar.

So, nun das was sich Regisseur Luca Guadagnino über Wokeness denkt – mein Review für Uncut habe ich übrigens “Versuchsanordnung mit Plädoyer gegen die Deutungshoheit” genannt. Hübsch, gell? harhar. Genauso verkopft ist der Film, mit dem Höhepunkt einer kleinen Philosophieeinheit in Yale, die sehr viel Konzentration erfordert.

Es geht um Alma (Julia Roberts) eine Philosophie Professorin in (eben) Yale, verheiratet mit Frederik (der immer wunderbare Michael Stuhlbarg). Eines Abends findet in deren Wohnung eine Art Institutsfeier statt. Anwesend sind die Adoranten von Alma, der junge Professor und ihr bester Freund Hank (Andrew Garfield) und ihre Lieblingsstudentin Maggie (Ayo Edebiri). Hank und Maggie verlassen die Feier gemeinsam, am nächsten Tag wendet sich Maggie verzweifelt an Alma: Hank habe sie am Vorabend vergewaltigt und sie, Alma, solle sie nun unterstützen und sich klar an ihre Seite stellen…

SPOILER MÖGLICH

Guadagnino ist sich sehr bewusst, was er hier macht. Er zeigt uns zwei Protagonisten mit allen erwartbaren Klischees: Maggie als schwarze Frau in einer Beziehung mit einer nonbinären Person. Sie ist aus reicher Familie und trägt ein Septum Piercing. Ihr gegenüber Hank, ein (noch nicht sehr alter) weißer Mann, von einer enervierenden Jovialität, immer etwas zu laut, immer etwas zu sehr von sich eingenommen, manchmal Grenzen überschreitend. Wir haben alle Vorurteile gegen beide sofort im Kopf. Wie beide auftreten, erzeugt eine gewisse Skepsis.. Und nun sagt Guadagnino quasi zu uns, und nun: Wem glaubst du? Und ich denke, er hat dabei sehr viel Spaß Harhar.

Prinzipiell geht es hier um den gesamtgesellschaften Zwang unserer Tage, sich jederzeit zu allem positionieren zu müssen, egal ob man dazu überhaupt in der Lage ist oder nicht. Ein Zwang, sich auf die “richtige” Seite zu stellen, so als wäre immer alles glasklar und die Welt schwarz und weiß. Dieser Film denkt die Diskurse und Gegendiskurse immer schon mit, er positioniert sich aber nicht. Wahrscheinlich ist er deshalb “umstritten”. Alma versucht sich abzugrenzen, denn sie weiß ja tatsächlich nicht, was wirklich vorgefallen ist. Aber ihre eigene Vergangenheit kommt dazwischen und auch Frederik, der sie süffisant darauf hinweist, dass sie sich immer nur mit Menschen umgibt, die sie verehren und deswegen einen neutralen Blick, wie er für eine Professorin ihres Ranges beruflich notwendig sein würde, schon lange verloren hat.

Ich bin ein Guadagnino Fan! Ich liebe Call me by Your Name, er ist soo poetisch und wunderschön. Ich liebe auch Challengers, obwohl ganz anders, höchst temporeich und unterhaltsam. Ich schätze seinen artsy Zugang bei I am Love und Queer. Und ich mag hier in diesem Film seine Renitenz, harhar und auch die Schauspieler.

Zum Beispiel Michael Stuhlbarg, der viel berühmter sein sollte als er ist, und hier zeigen kann, dass er nicht nur die warmherzige Vaterfigur sein kann – ich mein, wie sehr haben wir seinen einfühlsamen Monolog in Call me by Your Name gefeiert? – sondern auch jemand, der seinen scharfen Verstand auch mal für leicht sadistische Spielchen einsetzt. Stuhlbarg erinnert mich auch (sogar ein bisschen äußerlich) so sehr an jemanden, dessen Gesellschaft ich einige Jahre genießen konnte, er war genauso lustig und warmherzig. Und ja, auch deswegen freue ich mich immer, wenn er in einem Film auftaucht.

Eine neue Woche, ein neuer Josh O’Connor Film.

Wie ihn O’Connor selbst beschreibt: “I play J.B Mooney in The Mastermind. The Mastermind is an art heist film, about a man who thinks he has go a great idea, and gradually, as the film goes on, we discover – I don’t know if he knows – that it was not such a great idea.”

J.B. Mooney ist ein verhinderter Künstler, aktuell ein arbeitsloser Tischler, aber wohl eher aus Faulheit, Vater zweier halbwüchsiger Söhne, seine Frau Terri (Alana Haim) verdient das Geld für die Familie. Er entwickelt die Idee eines Kunstraubs im örtlichen (kleinen, süßen) Museum, mit zwei Komplizen, aber die Dinge laufen dann doch irgendwie anders, als Mooney das geplant hatte…

DIE ÜBLICHE SPOILERWARNUNG

Den Titel des Filmes kann man also getrost mit ironischem Unterton lesen, denn Mooney steckt zwar irrsinnig viel Zeit und Energie in den Versuch, nichts arbeiten zu müssen, sondern lieber etwas zu stehlen, obwohl seine Tischlereien sehr schön anzusehen sind. Ein Meisterdieb ist er trotzdem absolut nicht. Er hat keinen Plan B dafür, was er tun wird, wenn irgendwas im geplanten Ablauf nicht funktioniert, was, sind wir ehrlich, bei solchen Unternehmungen meistens der Fall ist. So selbstverständlich auch hier.

Dieser Film ist langsam und auch teilweise enervierend detailliert erzählt, was offenbar ein Trademark der Regisseurin Kelly Reichardt ist. Wir beobachten Mooney beispielsweise minutenlang, wie er Bilder auf einer Leiter auf und ab trägt. Wem jetzt diese Vorstellung schon Unbehagen bereitet, für den ist dieser Film sicher nicht geeignet. Er würde auch, wage ich zu behaupten, ohne Josh O’Connor, seiner Aura und Nuanciertheit nicht funktionieren. So hat er für mich aber dennoch seine Momente, die abgesehen vom Protagonisten vor allem in der vermittelten Stimmung der Zeit dieses Amerikas des Jahres 1970 liegen. Die grobkörnigen Bilder, die Farben, die Art, wie alle miteinander umgehen, das ist schon sehr schön beobachtet und eingefangen.

Es gibt etwa eine Szene, in der Mooney sich mit seiner Mutter trifft, um von ihr Geld naja, zu schnorren. Und wie Reichhardt das in Szene setzt, die dominate, aber auch besorgte Mutter, J.B. mit seinem – so sieht es aus – Kinderteller und dazu Cola trinkend, der ihr Geld für einen Blödsinn (denn das ist es) aus der Tasche ziehen will, das ist schon eine schöne “Parallelführung”. Oder als Mooney von seinen Auftraggebern verprügelt wird und sein eigener kleiner Sohn daneben im Auto sitzt und zwar “Dad” schreit, aber trotzdem weiter sein Mc Donalds Sackerl in der Hand hält und darauf wartet, weiteressen zu können, herrlich. Generell scheint den Fakt, dass Mooney, sollte er gefasst werden, eine hohe Haftstrafe zu befürchten hat, niemand sonderlich zu beunruhigen.

Auf letterboxd wieder beste Kommentare: “Man on the run? More like a man on a super slow leisurely walk” “Finally a heist movie, you can fall asleep to” Und am besten: “Josh O’Connor stealing art is my favourite movie genre.” Ja natürlich, er war ja auch ein Kunsträuber im tollen italienschen Indie Film La Chimera, aber halt ein ganz anderer, ein gebrochener, sensibler Intellektueller. Trotzdem fand ich The Mastermind schon auch sehenswert, wenn man sich auf die Langsamkeit einstellen kann.

Ich arbeite jetzt meine Viennale Filme ab, heute The History of Sound von Oliver Hermanus.

Es geht in diesem Film um Lionel (Paul Mescal) aus Kentucky, Lionel, der Musik sehen kann und später, wir schreiben ungefähr 1917, das Konservatorium in Boston besucht. Dort lernt er David (Josh O Connor) kennen, der an der Uni lehrt und ebenso gerne singt. Die beiden beginnen eine Beziehung, als David in den Krieg ziehen muss, was Lionel, der untauglich ist, folgendermaßen kommentiert: “Don’t die.”. Nach seiner Rückkehr fragt David Lionel, ob er mit ihm im Rahmen eines Forschungsprojektes durch Maine reisen und Songs sammeln will…

WIE IMMER SPOILER MÖGLICH

Zuerst mal ein paar Kommentare von Usern auf letterboxd, die waren diesmal sehr witzig, obwohl der Film alles andere als das ist:

Josh O’Connor in a sad gay movie is my religion.

As a gay person, who never gets over anything, I can relate to this 100000 %

For a movie about sound, the silence sure was loud

It’s always “wanna get drinks” and never “let’s traipse through the American northeast collecting folk songs and sleeping in a tent together”

Und mein Liebling: Not perfect, but just depressing enough to ruin my week. Harhahar

The History of Sound ist langsam und ruhig, dabei auch relativ konventionell erzählt, man hört sehr viele alte amerikanische Lieder, die alle schwerst melancholisch sind, aber David ist ein Pragmatiker. Er erzählt Lionel einmal von einem Song, in dem ein Witwer jeden Tag am Grab seiner Frau steht und jammert, dass sie gestorben ist, sie ist dann schon so genervt davon, dass sie ihm sagt, lass mich in Ruhe und leb dein Leben. David: “It’s a good lesson”. Außerdem findet David eine sehr gute Umschreibung dafür, dass er als Kind zum Waisen wurde, er sagt so auf die Art, ach Waise, das klingt so dramatisch, “I was temporary unparented”.

Der Film wirft auch die Frage auf, wieso man einen Iren und einen Briten engagiert, um US-Amerikaner aus dem Bible Belt zu spielen und wieso man Mescal ausgesucht hat, der deutlich zu alt für diese Rolle ist. Andererseits aber warum auf ihn verzichten, wenn man ihn besetzen kann? Die beiden sind ganz außergewöhnliche Schauspieler, Mescal habe ich in Aftersun geliebt, auch kein extrem fröhlicher Film und Josh O’Connor ist sowieso, sowohl aufgrund seines Könnens, als auch seiner Rollenwahl derzeit irgendwie unangefochten für mich.

Ist der Film tatsächlich so traurig? Ich habe ihn ja direkt nach Sentimental Value gesehen, der auch schwere Themen hat, aber dennoch auch sehr positive Vibes. The History of Sound ist schon deutlich dunkler, das stimmt, allerdings gibt auch dieser Film letztendlich eine Perspektive, wie man mit all dem Schmerz, den man – in diesem Fall Lionel – mit sich trägt, dennoch ein Leben führen kann, dass quasi um diesen Schmerz herum gebaut ist, und dass einen Sinn ergibt; dass Erinnerungen auch etwas neues schaffen können, was das eigene Sein erfüllt. Das war auch der Punkt, wo ich mich sehr abgeholt gefühlt habe, weil ich mir oft denke, wie ist das, wenn man stirbt und es nie mehr ein Wiedersehen oder eine “Auflösung” gegeben hat. Da tröstet die Botschaft von diesem Film sehr, dass der, den man liebt und der fort ist, dennoch immer da sein kann.