Category: film

Vorige Woche habe ich I’m Still Here gesehen. Sehr viel Taschentuch Geraschel im vollbesetzten Votivkino.

Ich habe eh schon mal geschrieben, dass ich den Titel immer wieder vergesse und nachschauen muss, weil es relativ viele Filme gibt, die ähnlich heißen, die Mockumentary von Casey Affleck hat sogar exakt diesen Titel. Der deutsche ist allerdings auch nicht wirklich einprägsamer. Aber der Film ist ja nach einem autobiografischen Roman gleichen Namens gedreht worden, dieser Name hat auch einen tieferen Sinn und diese Geschichte hat sich tatsächlich ereignet.

Rubens Pavia (Selton Mello) ist ein erfolgreicher Ingenieur, der mit seiner Frau Eunice (Fernanda Torres) und seinen fünf Kindern Anfang der 1970er Jahren in einer hübschen Villa in Rio de Janeiro gleich neben dem Strand lebt. Früher war Rubens Politiker und nach dem Militärputsch lebte er eine zeitlang im Exil. Nun ist er zurück und unterstützt weiterhin heimlich Verfolgte des Regimes. Diese Aktivitäten hält er weitgehend von seiner Familie, auch von seiner Frau geheim. Bis eines Abends bewaffnete Beamte der Regierung vor der Tür stehen und Rubens abführen…

SPOILER MÖGLICH – DIE GESCHICHTE ERZÄHLT EINE REALE BEGEBENHEIT

Die Familie Pavia, wie sie hier geschildert wird, ist fast zu sympathisch und glücklich. Im ersten Teil des Filmes können wir ihr weitgehend idyllisches Leben mitverfolgen, das sich vor allem in der Unbeschwertheit zeigt, mit denen die Kinder, gemeinsam mit ihren Freunden dauernd, vom Meer tropfend, im Haus aus- und ein gehen. Es ist immer etwas chaotisch, immer aber auch fröhlich-lebendig. Das Schlimmste, was in dieser Zeit passiert, ist, dass der herrenlose Hund, den die Kinder vom Strand mitgebracht habe, Flöhe hat und sie ihn baden müssen. Aber wie sie ihn baden, ist auch schon wieder total niedlich.

Rubens hat ein sehr enges Verhältnis zu seinen Kindern, immer, wenn sie nach Hause kommen, fragen sie sofort nach ihm. Er wird auch sehr empathisch dargestellt, was sich in vielen kleinen Gesten und Szenen äußert. Einmal haben sie Besuch und der Sohn Marcelo erzählt etwas, worauf Rubens sagt: “Er erzählt immer sehr lange und verwirrende Geschichten.” Und als Zuseher erwartet man dann irgendwie, dass Rubens ihn gleich etwas genervt stoppen wird, aber er sagt, ganz im Gegenteil: “Komm, erzähl uns eine deiner langen und verwirrenden Geschichten!”

Alles ist also superfein, doch die Gefahr lauert im Außen. Es mehren sich mysteriöse Verhaftungen bzw. Entführungen von Regimegegnern. Auch Rubens und Eunice machen sich Sorgen, vornehmlich aber um die älteste Tochter Vera, die gerade in ihrer “rebellischen Phase” ist, wie sie es nennen, und gegen alles protestiert. Sie schicken sie zum Studieren nach London, um sie aus der “Schusslinie” zu nehmen, was sich als sehr weitsichtige Entscheidung herausstellt. Dass sie selbst – Rubens, Eunice und auch die zweitälteste Eliana – abgeholt und in Haft genommen werden, kann damit allerdings nicht verhindert werden. Eliana kommt am nächsten Tag wieder nachhause, Eunice nach einigen Wochen in einem furchtbaren Gefängnis. Rubens hingegen bleibt verschwunden. Und schlimmer noch: Von den Behörden wird abgestritten, dass er überhaupt jemals verhaftet worden ist. Staatlich gestütztes Gaslighting also.

Morgen erzähle ich dann weiter – und gehe auch auf das sehr wichtige Thema “Loslassen” ein.

Bei Mickey 17, dem neuen Film von Bong Joon Ho, hatte ich von Anfang an ein recht ambivalentes Gefühl. Zwar fand ich den Vorgänger Parasite (wieder so schöne Erinnerungen), der auch als erster nicht-englischsprachiger Film den Oscar für den besten Film bekommen und damit Geschichte geschrieben hat, sehr gut. Aber das erste Filmplakat von Mickey 17 zeigte Robert Pattinson im Weltraum. Und ich bin weder ein großer Fan von Pattinson, noch mag ich den Handlungsort Weltraum, bad luck harhar. Dann verschob sich die Veröffentlichung auch noch endlos um Monate, fast Jahre. Naja, jetzt ist der Film da und es geht um folgendes:

Unter dem dikatorischen Führer Kenneth Marshall (Mark Ruffalo) soll ein neuer Planet namens Nifflheim besiedelt werden. Mickey Barnes (eben Pattinson), der vom Leben frustiert ist, meldet sich als “Expendable”, jemand, der für gefährliche Einsätze bei der Kolonisation verwendet wird. Wenn er stirbt, was ziemlich wahrscheinlich ist, wird ein Klon von ihm per 3D Drucker ausgespuckt und er beginnt ein neues Leben. Wie wir an der Zahl neben dem Namen sehen, gab es bisher schon etliche “Versionen”…

ACHTUNG SPOILER!! ACHTUNG SPOILER!!

Was für manche als wunderbare Sci Fi Prämisse erscheint (Sci Fi mag ich übrigens auch nicht besonders), führt bei mir eher zu Strinrunzeln, wobei ich zugeben muss, dass das Sterben und zu neuem Leben erwachen schon irgendwie interessant ist. Das Problem ist nur: Der Film erzählt uns nicht wirklich etwas darüber. Es ist wie bei diversen Filmen der letzten Zeit. Die Idee klingt gut – man denke zum Beispiel an Dream Scenario, da war die Grundidee, das Nicolas Cage in fremden Träumen auftaucht; oder bei Pfau, dass Albrecht Schuch durch Persönlichkeitsdienstleistungen seine eigene verliert. Wirkt superinteressant, ist aber nicht mehr als ein Köder, weil aus der Idee nichts gemacht ist – wobei Pfau zumindest recht witzig ist. Man verlässt dann aber mit eher schalem Gefühl das Kino. Eigentlich geht es bei Mickey 17 irgendwie auf recht patscherte Weise um (Anti)Rassismus und die Tücken der Kolonisation.

Es ist also so, dass nicht nur nichts aus der Idee der geklonen Wiedergeburt gemacht wird, die ganze Handlung ist gleichermaßen klamaukig wie auch langweilig und für mich auch extrem ärgerlich. Mark Ruffalo stellt nämlich den Diktator dar und natürlich legt er ihn als komplette Trump-Imitation an. Ich weiß nicht, ich finde es gibt im Jahr 2025 fast nichts faderes und auch fauleres als eine Persönlichkeit zu nehmen, die derart omnipräsent ist, dass man so übersättigt davon ist – egal ob man jetzt Trump schätzt oder verachtet – dass man einfach auch mal irgendetwas anderes sehen will. Aber klar, Ruffalo, den ich als Schauspieler an sich oft gern mochte, musste sich ja auch bei den Oscars immer irgendwelche “stand with” irgendwem Planketten aufs Revers heften. Wenn ich Bong Joon Ho wäre, hätte ich zu Ruffalo gesagt: “Bitte spielst jetzt einmal gscheit!” Harhar.

Jedenfalls war für mich das beste Element an Mickey 17 die irgendwie ekligen, aber auch süßen Aliens, “Creepers” genannt, vor allem der Baby Creeper. Nochmal: Das war das beste Element an diesem Film! Sage ich als Arthouse-affiner Mensch, wo Aliens ja eine eher untergeordnete Rolle spielen. Ja, auch Parasite war jetzt nicht unbedingt eine subtile und fein ziselierte Satire, aber der Film war bös-witzig, gespickt mit originellen Einfällen, mit interessanten Dialogen, starken Bildern. Mickey 17 ist plump, behäbig, dabei aber enorm selbstzufrieden und hat für mich leider auf gar keiner Ebene funktioniert.

Das Votivkino hat dankenswerter Weise am Oscar Wochenende noch schnell einmal Wicked gezeigt und es war somit sogar im Nonstop Abo enthalten. Das war meine Chance, die ich auch genutzt habe.

Wicked – eigentlich ein Musical aus dem Jahr 2003 und enorm erfolgreich in den USA – ist die Geschichte VOR Der Zauberer von Oz, dem Film von 1939 mit Judy Garland usw. Einer der Lieblingsfilme meiner Mutter und von David Lynch. Ich kann mich an ihn leider kaum mehr erinnern und muss ihn jetzt nochmal sehen. Jedenfalls erzählt Wicked die Geschichte der beiden Hexen, von G(a)linda (Ariana Grande), der Good Witch und von Elphaba (Cynthia Erivo), der Wicked Witch of the West, die beide die Universität besuchen, sich dort kennenlernen und zu dem werden, was ich gerade beschrieben habe. Wobei Elphabas Bösartigkeit im Prinzip nur Propaganda der Gegenseite ist.

Obwohl dieser Film 160 Minuten dauert, ist es erst der erste Teil – Wicked: For Good kommt im November in die Kinos.

ACHTUNG SPOILER FOLGEN, ABER WENN MAN DAS MUSICAL KENNT, KENNT MAN DIE SCHON

Obwohl der Film also unfassbar lange dauert und sehr artifiziell, eben nach CGI aussieht, obwohl eine Hexe grün ist und es jede Menge sprechende Tiere gibt, also alles insgesamt ziemlich furchtbar klingt harhar, hat er mich erstaunlicherweise total gerührt. Ich weiß auch nicht wieso. Schon in der ersten Szene, die quasi das Ende des Wicked Plots markiert – “The Wicked Witch is dead” – es wird dann die Geschichte in der Rückblende aufgerollt, sieht man den Anfang von Der Zauberer von Oz, nämlich Dorothy und ihre Freunde von hinten, die die Yellow Brick Road entlanggehen und das fand ich schon so schön und traurig, ich weiß überhaupt nicht warum. Ein Film, der mich emotional macht, obwohl ich das gar nicht sein will.

Es wird natürlich viel gesungen, schließlich handelt es sich um ein Musical, und ich kannte außer den Song Popular überhaupt gar nichts, aber die Musik ist durchaus catchy und beide können halt auch wirklich singen (was man bei den Oscars auch live gehört hat). Der Song Defying Gravity, wo Elphaba fliegen lernt, ist anscheinend das Herzstück des Musicals, jedenfalls der dramatische Höhepunkt des Filmes und obwohl das einfach Hexen sind, ich mein come on, ist man total dabei. Außerdem ist die Handlung stellenweise wirklich sehr böse-witzig, das Produktionsdesign detailverliebt, die Schauspielerinnen gut drauf und der Zauberer von Oz ist… Jeff Goldblum. Wie immer als Jeff Goldblum, aber das gut.

Es geht ja unter anderem darum, dass die Tiere in Oz domestiziert werden sollen und eben zum Beispiel keine Universitätsprofessoren mehr sein können. Glinda geht das irgendwie sonstwo vorbei, aber Elphaba ist ehrlich aufgebracht und will diese Zustände nicht auf sich beruhen lassen. Glinda, die eigentlich Galinda heißt, vom Ziegen-Professor immer nur “Glinda” genannt wurde, gibt, weil sie gerne immer beliebt sein will, großartig allen bekannt, dass sie fortan eben Glinda heißt, als Zeichen des Protestes. Das fand ich so passend für das was ich unter Virtue Signalling verstehe. Irgendwas tun, was die eigene “Moral” demonstrieren soll, im Prinzip aber null bewirkt und einem auch nichts abverlangt. Jedenfalls ist das meine Interpretation dieser Szene. Harhar.

Fazit: Man kann sich diesen Film wirklich als gute Sonntagnachmittagsunterhaltung ansehen und hat mehr davon als wenn man Nickel Boys wählt, der mir leider wirklich überhaupt nicht gefallen hat. Aber davon ein andermal.

Es war wieder mal Zeit für Kino und diesmal war mir wirklich nach einem Film, der mir ganz viel “fuzzy feeling” mitgibt. Also habe ich mich für Un Mondo a Parte entschieden. Das heißt eigentlich übersetzt “Eine Welt für sich”, aber die Kommission, die die deutschen Verleihtitel festlegt, hat sich für das generische “Willkommen in den Bergen” entschieden. Na ja, von mir aus. Ich habe ihn trotzdem auf Italienisch (mit Untertiteln) gesehen und das ist auch wichtig fürs Lokalkolorit.

Der Film, bei dem Riccardo Milani Regie führte und der der erfolgsreichste in Italien 2024 war, handelt vom Lehrer Michele (Antonio Albanese), der seit 35 Jahren in Rom unterrichtet und die Nase voll von den Schnöseln dort hat. Er will ein einfaches Leben, er will in die Natur und endlich ist es soweit: Er wird in die Abbruzzen versetzt, in ein Volksschule am Ende der Welt, mit sieben Schülern, immer von der Schließung bedroht. Seine Kollegin und Vize-Direktorin Agnese (Virginia Raffaele) macht ihn mit den Gepflogen- und auch den Schwierigkeiten vertraut, die im Bergdorf Rupe auf ihn warten…

SPOILER MÖGLICH !!!

Das ist jetzt natürlich nichts, was man noch nie gesehen hat. Wir kennen sowohl Culture-Clash Plots zuhauf und auch Geschichten von ambitionierten Lehrern, die zu Helden werden. Wenn man sich die Handlung durchliest und das Plakat sieht, kann man sich schon ungefähr vorstellen, was alles passieren wird. Insofern war dieser Film auch ein Risiko, weil mit ein bisschen “Erkenntnisgewinn” will man ja dann doch nach Hause gehen. Und die erfreuliche Nachricht ist, den bietet der Film absolut, denn trotzdem er diese Momente hat, in denen er auf die Knöpfe drückt, die in dieser Konstellation eben gedrückt werden, ist er wirklich sehr witzig, ideologiefrei und erstaunlich differenziert erzählt.

Sehr schön ist beispielsweise mit welcher naiven Euphorie Michele sich auf den Weg macht – und wie sehr er in seinem Auto, im Schnee steckengeblieben, vor den umherstreifenden heulenden Wölfen zittert. Er kann weder einen Ofen anheizen noch hat er das entsprechende Schuhwerk für ein Leben in den Bergen. Nachdem er den Kindern erzählt, sie müssten schon vor dem Frühstück die Welt retten, bekommt er den entsprechenden Gegenwind der Eltern, Marke: “Ach ein Wissenschaftler!” In Rupe hat man nämlich ganz andere Sorgen, vor allem die Perspektivlosigkeit der Jugend und demzufolge Dorfflucht, was die Bevölkerung ständig schrumpfen lässt, ein ewiger Teufelskreis. Aber die Dichotomie wird ohne Gesinnungskampf aufgelöst und zwar so, dass tatsächlich beide Seiten einen Schritt aufeinanderzumachen.

Wenn sich Menschen in Rupe begegnen, stoßen sie einen undefinierbaren Laut aus. Michele fragt einmal, was das für ein Geräusch sei und ihm wird erklärt, das wäre ein Gruß. Bald darauf geht er auch so Dorf, ein “Bo” hier, ein “Bo” dort; er ist angekommen. Meine Lieblingsszene ist aber die, wo die Kinder Michele erklären, wie die “Cesidio” Schule zu ihrem Namen gekommen ist. Den trug nämlich ein (natürlich sonstwo komplett unbekannter) Hirtenpoet, aber die Kinder wissen alles von ihm und wechseln sich problemlos mit der Weitergabe von Informationen über ihn ab. Michele meint dann in der Pause zu Agnese: “In Rom war ich an der Alberto Moravio Schule und kein einziges Kind und niemand von den Eltern wusste wer Alberto Moravia war.” Harhar. Regisseur Milani ist selbst Römer.

Was ich nicht auf meiner Bingokarte hatte: Es kommt der ESC Song Not the same – der Beitrag aus Australien (!) 2022 in einer Coverversion vor. Warum gerade dieser, keine Ahnung. Vielleicht ist Milani ein Songcontest Fan? Jedenfalls ist Un Mondo a Parte ein sehr gut gespielter, amüsanter, feelgood Film, der einem das Gefühl gibt, dass die Welt trotz widriger Umstände, hin und wieder, da und dort, doch auch in Ordnung ist. Und das kommt einem manchmal gerade recht.