Category: kunstwerke

WEITERHIN SPOILER MÖGLICH!

Ich knüpfe gleich da an, wo ich gestern aufgehört habe.

Shelly bedauert also, keine größere Rolle im Leben ihrer Tochter zu spielen, aber es scheint klar, dass sie diese Entscheidung wieder genauso treffen würde, denn es ist auch ihr Leben und ihr Traum. Und das mag ich auch sehr gerne an diesem Film: Es wird nicht ge-“sugarcoated”, dass jederzeit alles möglich ist, und man sich einfach nur richtig anstrengen muss, nein: Manche Entscheidungen werden andere Optionen, die einem vielleicht ebenso wichtig sind, (nahezu) ausschließen, zumindest temporär. Und mit den Konsequenzen muss man dann leben (können). Und darüber gibts nicht zu verhandeln, so ist das nun mal. Diese realistische Abgeklärheit fand ich so wohltuend ehrlich.

Auch ansonsten funktioniert The Last Showgirl für mich hervorragend. Die Darsteller hier sind alle so passend besetzt. Anderson sowieso, auch mit ihrer ganzen Backstory, die man irgendwie mitdenkt. Aber auch Jamie Lee Curtis, die sehr uneitel die immer etwas vulgäre, immer etwas betrunkene Freundin von Shelly spielt, wäre eher in dieser Nebenrolle oscar-worthy gewesen als in Everything Everywhere all at Once. Wie sie eines Tages in dem Casino, in dem sie als Kellnerin arbeitet, einfach auf einen Roulettetisch steigt und selbstvergessen Scheiß-drauf zu Total Eclipse of the Heart von Bonnie Tyler tanzt, einem Song, der ohnehin so aufgeladen ist mit 1980er Pathos und aber auch diesen Working Class Charme hat, das ist ganz eindrucksvoll, weil es so viel zwischen den Zeilen transportiert.

Überhaupt mag ich die Bilder, die uns Gia Coppola von Vegas liefert, das wir hier erstaunlich oft bei Tageslicht sehen, wenn man so will ganz “ungeschminkt”. Sie lässt ihre Charaktere zwischen den ewigen Baustellen am Strip spazierengehen, sie zeigt uns das kleine etwas heruntergekommene Haus von Shelly samt verwildertem Garten, quasi im Schatten der riesigen Casinos, zum Beispiel The Stratosphere (da bin ich selbst mal abgestiegen. Das klingt so, als wäre ich dauernd dort, also das eine mal, wo ich in Vegas war, war ich im “Strat” harhar). Auch das alles ist Vegas. Hier ist halt gar nichts glamurös, hier ist nichts ästhetisch, aber dafür ist es echt in seiner ganzen Desolatheit. Andererseits vermittelt der Film in Momenten auch eine etwas “wildromantische” Sicht auf die Stadt, wenn Shelly in vollem Federboa-Strass Kostüm am Dach “ihres” Casinos steht und auf ihre künstliche Welt blickt, die sie in all ihrer Neon-Extravaganza aber auch so ehrlich und mit ganzem Herzen liebt.

Abgesehen davon, dass ich Jason Schwartzman (auch einer aus dem Coppola-Clan) den ich gern mag, hier, wie erst unlängst in Queer, schon wieder nicht erkannt habe harhar, möchte ich noch sagen, dass mich The Last Showgirl in seiner unsentimentalen Verletzlichkeit total abgeholt hat, mit der Botschaft: Finde etwas im Leben, dass dich wirklich begeistert und von dem du überzeugt bist, dann wirst du leichter mit allem fertig werden, auch, wenn dir dein Herz gebrochen wird oder du es dir selbst brichst. Und dieser Film braucht auch genau das verträumte-offene Ende, das er hat. Seufz.

Wie gesagt, The Last Showgirl habe ich im Votivkino gesehen, es ist Gia Coppolas vierter Spielfilm, ich kenne aber noch keinen ihrer Vorgängerfilme.

In diesem Film geht es um Shelly (Pamela Anderson), die seit über 30 Jahren in der Las Vegas Revue “Razzle Dazzle” tanzt. Für die jüngeren Tänzerinnen Mary Ann und Jodie ist sie ein Mutterersatz, gemeinsam mit der Kellnerin Annett (Jamie Lee Curtis) bilden sie eine Art Wahlfamilie. Da offenbart ihnen der Bühnenmanager Eddie (Dave Bautista), dass die Show in Kürze abgesetzt wird, was alle, besonders aber Shelly, in eine tiefe Lebenskrise stürzt…

ACHTUNG GROSSE SPOILER!!!

Nun dachte ich mir ok, der Film ist quasi die persönliche via dolorosa der 57-jährigen Shelly, die durch den Verlust ihrer Arbeitsstelle quasi neu beginnen muss. Aber auch wenn die Situation manchmal mit der Demi Moores in The Substance verglichen wird, so ist die Ausgangslage doch genauer betrachtet eine ganz andere. Die Figur der Demi Moore wurde tatsächlich aus Altersgründen und für eine jüngere Frau gekündigt, während es hier das ganzes Ensemble betrifft. Natürlich ist es für 20-jährige Tänzerinnen einfacher, etwas neues zu finden, aber hier ist das Thema “Alter” tatsächlich nur ein untergeordnetes. Und Shelly geht auch ganz anders, nämlich selbstbewusst und recht offensiv, mit ihrer Situation um.

Außerdem bekommt der Film sehr bald eine zusätzliche und, wie ich finde, entscheidende Facette. Wir erfahren nämlich, dass es da noch Hannah (Billie Lourd) gibt, über deren Beziehung zu Shelly wir als Zuseher zunächst im Unklaren gelassen werden. Logischerweise müsste Hannah ihre Tochter sein, doch Hannah nennt Shelly immer beim Vornamen und sie geht recht kühl mit ihr um. Im Laufe der Zeit wird klar, dass Shelly als alleinerziehende Mutter Hannah zu einer Pflegefamilie gegeben hat. Das hat mich persönlich total berührt hat und damit habe ich mich auch ein stückweit identifizieren können.

Hannah besucht dann eine Show ihrer Mutter, kommt anschließend in ihre Garderobe und sagt wirklich sehr verletzende Dinge zu ihr, nämlich sinngemäß: Für diesen Dreck hast du mich aufgegeben und warst als Mutter nicht für mich da? War es das wert? Ist das besser als ich? Etwas ähnliches sagt ihr auch Eddie, der sich als Hannahs Vater herausstellt. Er fragt Shelly nämlich, warum sie nicht einfach im Supermarkt gearbeitet hat, um Hannah bei sich behalten zu können. Eddie, der überhaupt kein unguter Typ ist, im Gegenteil (auch eine sehr gute Drehbuchentscheidung), sondern sehr feinfühlig und fürsorglich, konnte sein Leben weiterleben – wir erfahren nicht, ob er das Kind wollte oder nicht etcetera – und doch urteilt er über Shelly. Wobei das auch als Kompensation eigener Unzulänglichkeiten interpretierbar wäre.

Ein anderer (uninteressanterer) Film hätte nun Shelly voller Reue gezeigt, die ihr ganzes Leben in Frage stellt, und sich eingesteht, alles falsch gemacht zu haben. Doch hier ist alles viel, viel ambivalenter, viel differenzierter. Zum einen sagt Shelly sowohl Hannah als auch Eddie die Meinung, a la: “Es ist mein Leben, ich muss mich nicht rechtfertigen”. Und wir sehen das auch. Sie tanzt manchmal wie ein kleines Kind vor dem Fernseher, als sie sich Die roten Schuhe ansieht. Und wirkt dabei fragil, dass man sie fast beschützen will, so auf der Suche nach Bestätigung, die sie einmal auch bei Eddie einfordert, bei einem gemeinsamen fast-Date fragt sie ihn: “Sehe ich gut aus?”. Sie will und muss gesehen werden, um ein erfülltes Leben führen zu können. Sie kümmert sich aber selbst darum, diese Anerkennung auch zu bekommen.

Gleichzeitig erkennen wir aber auch, wie sehr sie natürlich damit hadert, dass sie eine Entscheidung gegen ihre Tochter getroffen hat, die nicht mehr reversibel ist. Wir sehen, wie verzweifelt sie auf unbeholfene Weise an ihr hängt, wie sie ihr aber auch ihre eigene Philosophie mitgibt und sie bestärkt, im Leben ihrem Herzen zu folgen. Denn Hannah will nach dem Studium ebenfalls einen künstlerischen Weg einschlagen, Fotografin werden, während ihre Pflegemutter ihr zu einem solideren Job rät. Diese Vielschichtigkeit macht aus Shelly, die Pamela Anderson wirklich extrem glaubwürdig verkörpert, einen total faszinierenden und zutiefst menschlichen Charakter. Letztendlich ist Shelly jemand, der nie mutlos ist, auch wenn ihr sehr viele traurige Dinge passieren.

Ich kanns gar nicht glauben, dass ich schon soviel geschrieben habe und immer noch nicht fertig bin, harhar…

Gestern habe ich mir im Cine Center Das Licht von Tom Tykwer angesehen.

In diesem 160-minütigen Film geht es um die linkswoke (harhar) Bobofamilie Engels und ihre Dysfunktionalität Die Familie besteht aus Vater Tim (Lars Eidinger), Mutter Milena (Nicolette Krebitz), den Zwillingen Jon und Frida, sowie Dio, einem dunkelhäutigen Jungen, dessen Präsenz erst sehr spät im Film erklärt wird. Mit dem Engagement der neuen Haushaltshilfe Farah (Tala Al-Deen) beginnen sich die Dynamiken bei den Engels zu verändern…

WIE ÜBLICH KÖNNEN SPOILER FOLGEN

Ein überlanger deutscher Film, der sich um eine ziemlich kaputte Familie dreht und in dem Lars Eidinger nackt zu sehen ist – kennen wir das nicht schon? Richtig, voriges Jahr gab es auch so einen Film, der hieß Sterben, Regie führte Matthias Glasner und ich mochte ihn, entgegen meiner damaligen Erwartungen, sehr.

Ich werde gleich verraten, dass es mir mit Das Licht nicht ganz so ging und das liegt vermutlich auch daran, dass ich diese Familie immer eher via interessierter Außensicht betrachtet habe. Ich konnte mich mit niemand dieser Menschen wirklich identifizieren, auch nicht mit ihrer Art zu leben. Ich habe die Beziehung von Tim und Milena nicht “verstanden”, ich würde als Mutter nie so mit meinen Kinder umgehen, als Jugendliche war ich aber auch nicht so drauf wie Frida, eher im Gegenteil. Es heißt, Tom Tykwer hat hier sehr viel autobiografisches eingeflochten, aber ich hoffe, das ist nur ein bisschen kokrett dahingesagt, weil diese Sprachlosigkeit untereinander, gepaart mit aber doch enormer Hybris und teilweise großem Sendungsbewusstsein nach außen, das hat mich schon etwas verstört.

Dieser Film hat trotzdem viele gute Momente. Beispielsweise gleich zu Anfang, als Tim mit seinem Freund (Karl Markovic) spricht, der gerade in einer Trennung nach 30 Jahre Ehe steckt. Und Tim dann so: Aber ihr habt doch alles überstanden, Kinder, Betrug, Langeweile, Wechseljahre. Und der Markovic Monolog zum Thema: Wie begrüßt dich deine Frau, wenn du nachhause kommst? Wie küsst sie dich? Küsst sie dich überhaupt etcetera. Super. Sowas gefällt mir.

Gefallen hat mir an das Licht auch vor allem sehr viel audiovisuelles. Beispielsweise, dass es wirklich immer regnet – außer in den Tagtraumsequenzen, die alle Figuren haben – und Eidinger mit einem überlangem Regenmantel auf dem Rad fährt, und immer völlig durchnässt überall ankommt und sich aber dann klitschnass zum Beispiel auf das Sofa seiner Therapeutin setzt. Gefallen haben mir auch die musicalhaften Szenen, etwa die eine, als Krebitz ein Outfit von Madonna in den 1980er Jahren trägt, so ein weißes Tüllkleid, kombiniert mit Converse. Wer die 80ziger erlebt hat, weiß was ich meine. Warum sie es trägt, weiß ich zwar nicht (weil die 80er besser waren?) aber es sah gut aus. Viel Raum nimmt der Queen Song Bohemian Rhapsody ein, der immer wieder vom kleinen Dio gesungen wird: “Is this the real life, is it just fantasy…”

Tykwer packt in diesen Film so viele große Themen, wie sie durchaus auch in Sterben vorhanden waren, aber trotzdem ist Sterben für mich wie im Flug vergangen, hier zieht es sich manchmal schon ein bisschen. Ich glaube, ein etwas radikalerer Schnitt hätte dem Film gut getan, vor allem bei der sehr metaphysischen Endsequenz, die nicht gehalten hat, was ich mir von ihr versprochen habe.

Dennoch: Tykwer hat hier sehr viel gewagt, einiges davon ist auch aufgegangen, ein inspierierendes Erlebnis ist Das Licht allemal.

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P.S Noch eine Beobachtung: Das ist ein Film, den Menschen durchaus auch verlassen. Interessant fand ich, dass in meiner Vorstellung ein sehr junges Paar und ein älterer Mann gegangen sind, während wir “Mittelalten” gerade gelacht haben. Spannend.