Es handelt sich offenbar um ein weltweites Embargo harhar, Wahnsinn.
Ich sitze derweil hier und grüble, was ich darüber schreiben soll, mein Kopf ist so voll. Da lese ich ein Zitat von dem italienischen Avantdgarde Regisseur Michelangelo Antonino, der sagte: “Un film che si può raccontare a parole non è veramente un film”. Heißt: “Ein Film, den man mit Worten beschreiben kann, ist nicht wirklich ein Film.” Harhar, das macht uns halt alle arbeitslos, aber heute fühl ich das.
Und, was also Film Twitter so sagt (ich zitiere nur!):
Wuthering Heights first reactions are praising Margot Robbie and Jacob Elorid's chemistry as "a whole other level of hot" and calling the movie "a rip-roaring, bodice-ripping crowd-pleaser." pic.twitter.com/xnbG77SJsc
Heute echt schlecht geschlafen, trotzdem musste ich um halb sieben aufstehen, weil um 9 Uhr eine Pressevorstellung im Apollo angesagt war. Und zwar von Wuthering Heights, einen Film, auf den ich mich seit dem Tag freue, an dem ich von seiner Existenz erfahren habe, und das Buch, wie hier berichtet, habe ich auch vor drei Tagen fertig gelesen.
Das Apollokino, schon ganz im Zeichen von Wuthering Heights
Habe mich dann zur U6 geschleppt und dann vom Westbahnhof direkt zum Apollokino, das waren schon so um die 6.000 Schritte, nachher war ich halbwegs munter harhar. Dieses Mal hatte die Pressevorstellung wieder mal etwas von einer UN Sicherheitskonferenz. Das heißt: Unterschreiben, dass man bis Montag nichts über den Film sagt (also sorry gleichmal), keine Rezension veröffentlicht, und so weiter. Dann wurden die Taschen inspiziert, ich so: Ja Sie können gern reinschauen, aber da ist derart viel Klumpert drinnen, ich weiß nicht, ob sie da was sehen harhar. Außerdem mussten wir alle unsere Handys abgeben – das war früher in den PVs öfter so, jetzt aber schon ewig nicht mehr. Und bewacht wurden wir während des Films auch. Spannend! Es war auch das Who is Who der österreichischen FilmkritikerInnen anwesend — und ich harhar.
Also wie gesagt, ich würde ja echt gern etwas zum Film sagen, aber ich darf nicht. Dafür darf ich kurz – für all jene, die das Buch nicht kennen bzw. es nicht lesen wollen – den Plot umreißen. Wer davon nichts wissen will, liest bitte nicht weiter.
WutheringHeights wurde 1847 veröffentlicht und gilt als Klassiker der englischen Literatur. Die Familie Earnshaw, Besitzer des Gutes Wuthering Heights, das im Hochmoor von Yorkshire liegt, nimmt ein Pflegekind auf, das der Vater in den Straßen Liverpools aufliest und mit seinen eigenen Kindern Hindley und Catherine aufzieht. Sie nennen den Sechsjährigen Heathcliff und es besteht sofort eine enge Beziehung zwischen ihm und Catherine, etwas wie eine kindliche Liebe. Sie sagt: “Whatever our souls are made of, his and mine are the same”. Ist jetzt vielleicht auch nicht immer ganz ideal (Anmerkung von mir, harhar).
Als der Vater stirbt, verbannt Hindley Heathcliff zum Gesinde. Hindleys Alkoholismus und seine Spielsucht stürzt die Familie später in Schulden, als Edgard Linton, Besitzer des nahegelegenen Herrenhauses Thrushcross Grange, Catherine einen Heiratsantrag macht. Catherine nimmt diesen trotz der Gefühle für Heathcliff an, in der Hoffnung, ihm damit ein sichereres Leben bieten zu können und auch, ganz ehrlich, weil ihr der Lifestyle gefällt. Heathcliff verlässt tief verletzt Wuthering Heights und kommt Jahre später als “gemachter” Mann zurück. Danach regiert Chaos, Leidenschaft, Zerstörung und Elend. Und Leidenschaft, sagte ich das schon?
Es ist durchaus lesenswert, aber auch ein bisschen gaga harhar. Ist der Film auch so oder ganz anders und ist er sehenswert? Das verrate ich nächste Woche.
Ich habe mich jetzt über ein Monat darum gedrückt, etwas über Sorry, Baby, den Debütfilm der nonbinären Person Eva Victor zu schreiben. Weil ich mich eigentlich nur in die Nesseln setzen kann, wenn ich meine ehrliche Meinung darüber schreibe, die fast allem widerspricht, was ich über diesen Film so lese. Ach ich sage einmal worum es geht.
In Sorry, Baby wird über das Leben der jungen Literaturwissenschafterin Agnes (Eva Victor selbst) erzählt, die ein traumatisches Erlebnis erfahren hat und dieses bewältigen muss. Die Zeitebenen wechseln, konstant bleibt aber die Freundschaft zu ihrer Freundin Lydie (Naomie Ackie), die gerade von ihrer nonbinären Partnerperson schwanger ist…
ACHTUNG MASSIVE SPOILER UND GRÜNDE SICH ÜBER MICH AUFZUREGEN FOLGEN
Agnes ist zum Zeitpunkt des einsetzens der Handlung Mitte 20 Jahre alt und gerade dabei ihr Studium abzuschließen, in dem sie extrem erfolgreich ist und auch die Aussicht auf eine Festanstellung hat. Sie ist ein bisschen in ihren Professor verliebt, der ihre Dissertation betreut und es gibt ein Gespräch mit Lydie, über eine gewisse sexuelle Spannung zwischen ihnen. Agnes ist ausdrücklich ambivalent, sollte es zu einer Annährung kommen, sie ist nicht klar ablehnend, sie fühlt sich auch geschmeichelt. Kurze Zeit später findet eine Besprechung beim Professor zuhause (!) statt. Es kommt zu Küssen, die Agnes nicht abwehrt. Sie wird nicht festgehalten oder bedroht, das erzählt sie nachher wiederum Lydie, aber verlässt sein Haus trotzdem nicht. Sie artikuliert auch nicht ihren Widerwillen. Als er mehr will, schiebt sie seine Hand zwar weg, küsst ihn aber weiter. Irgendwann kommt es zum Versuch des GV, den Agnes allerdings sofort beendet. Dann verlässt sie sein Haus, zurück bleibt ein Trauma, das Jahre anhalten soll.
Ich bin ehrlich, ich mag es nicht, wie hier eine erwachsene Frau als komplett wehrloses Opfer der Situation und der Umstände dargestellt wird, die sie schon vorher mit ihrer Freundin andiskutiert (also irgendwie antizipiert), und in die sie sich letztendlich freiwillig begibt. Ich verstehe nicht, wieso sie einen Mann zu Hause besucht, bei dem sie sich unwohl fühlt oder den Eindruck hat, es könnte etwas geschehen, was sie nicht möchte. Wobei sie ja nicht wirklich sicher ist,was genau sie möchte und was nicht. Ich finde, ich habe als erwachsene Frau, noch dazu mit einer gewissen “Awareness”, auch eine Selbstverantwortung, wenn ich mich freiwillig in unklare Situationen begebe und in diesen verharre. Agnes liest zwei Jahre später mit ihren dann eigenen Studentinnen und Studenten Lolita von Nabokov, was mich auch verstört hat. Zieht sie irgendwelche Parallelen zwischen sich und einem 12-jährigen Kind?
Die Vergleiche, die in manchen Rezensionen zu Frauenfiguren wie Fleabag oder einigen der Figuren, die Greta Gerwig verkörpert hat, gezogen werden, verstehe ich ebenfalls überhaupt nicht. Ja, auch diese Protagonistinnen kämpfen mit ihrem Leben, dem Platz in der Welt und teilweise riesigen Selbstzweifeln. Man denke nur an diese Entscheidung, die Fleabag getroffen hat, die sich als fatal herausstellte, und mit der sie fortan aber für den Rest ihrer Tage leben muss. Es kam aber nie der Punkt, an dem Fleabag angefangen hat, sich selbst nur noch zu bemitleiden oder jegliche (Mit)Verantwortung dafür von sich zu weisen. Das hat mir an ihrer Figur gefallen und gerade deshalb war sie so sympathisch und authentisch. Nicht, weil sie immer alles “richtig” gemacht hat, sondern weil sie sich selbst reflektiert hat, weil sie sich weiterentwickelt hat. Und das sehe ich bei Agnes überhaupt nicht, ganz im Gegenteil, ohne jetzt den schmierigen Professor zu entschuldigen, der von Anfang an irgendwie “fishy” wirkt.
Ich habe mich gefragt, ob uns der Film vielleicht unterhalb der Oberfläche erzählen will, dass Agnes autistisch, “auf dem Spektrum” ist, dass sie vielleicht gar nicht so selbsbestimmt sein kann wie man annehmen könnte. Das würde für mich dann schon Sinn ergeben, wenn es etwas gäbe, dass sie in ihrer Handlungsfähigkeit klar einschränkt. Allerdings ist das eine reine Vermutung von mir aus lauter Ratlosigkeit, es wird nirgendwo erzählt, nicht einmal in einer kurzen Bemerkung.
So jetzt habe ich ur lange über diese Prämisse geschrieben und sonst nix. Aber das ist halt leider das Problem, dass alles andere zweitrangig ist, wenn man schon solche Schwierigkeiten mit der Ausgangssituation hat. Sorry Baby ist ein Indie-Film und als solcher erzähltechnisch okay, wenn man das mag. Er hat zwei, drei interessante Regieentscheidungen, er hat eine wirklich gute Szene mit John Caroll Lynch, der sonst immer irgendwie die kalblütigen Typen und Mörder spielt und in diesem Film nur in diesen paar Minuten vorkommt, diesmal aber einen netten Herren von nebenan verkörpern darf. Es gibt dann auch leider noch etliche andere Dinge, die mir in diesem Film überhaupt nicht gefallen haben, auf die ich jetzt gar nicht eingehen will, sonst kriege ich noch einen Shitstorm, harhar.
“Ich habe gedacht, dass Sonntag war, und das hat mich angeödet. Ich mag den Sonntag nicht.”1 Das stellt Meursault, die vornamenlose Hauptfigur in Albert Camus Roman Der Fremde fest.
Ich glaube, so geht es vielen Menschen manchmal, auch mir. Nachdem ich einige Jahre lang die allerschönsten Sonntage erlebte habe und sie dann endeten, habe ich mich viele Wochen am Sonntag verkrochen und vor allem versteckt. Mittlerweile gehe ich wieder hinaus. Vor allem heute, nachdem das Kind gestern weggefahren ist – erster Urlaub “alleine”.
Natürlich war ich irgendwie müde oder eher träge und musste mich überwinden, aber dann bin ich doch auf die Mariahilferstraße gefahren und war mittagessen.
Zu diesem Essen gibt es eine umständliche traurige Geschichte, ich sage nur plant based chicken (versehentlich) harhar.
“Etwas später habe ich, um irgendetwas zu tun, eine alte Zeitung genommen und habe sie gelesen. […] Der Nachmittag war schön. […] Ich habe gedacht, dass sie (die Menschen auf der Straße , Anm.) in die Kinos im Zentrum gingen. Deshalb machten sie sich so früh auf den Weg und eilten unter lautem Lachen zur Straßenbahn. Nach ihnen wurde die Straße allmählich leer. Die Vorstellungen hatten überall angefangen, glaube ich.”2
So auch meine, harhar. Ich habe Die Jüngste Tochter im Filmhaus gesehen. Der Saal ist mir schon sehr vertraut und gemütlich. Ich fühle mich wohl dort.
Spiegelungen im Filmhaus
Danach bin ich den Spittelberg hinunter gegangen
Ganz eigene Sonntag, 1. Februar Stimmung
“Der Tag hat sich noch etwas verändert. Über den Dächern ist der Himmel rötlich geworden, und mit dem einbrechenden Abend haben sich die Straßen belebt. Die Spaziergänger kamen nach und nach zurück. […] Die Straßenlampen sind dann plötzlich angegangen und haben die ersten Sterne, die in der Nacht aufstiegen, verblassen lassen.”3
Ich habe mit dem Kind geschrieben, Fotos bekommen und noch ein bisschen gearbeitet, an meinem Roman weitergelesen.
“Wenig später, als die Straßenbahnen seltener wurden und die Nacht über den Bäumen und Lampen schon schwarz war, hat sich das Viertel umerklich geleert, bis die erste Katze langsam die wieder ausgestorbene Straße überquerte”.4
Ich habe daran gedacht, Texte, Betrachtungen, Gedanken über den Sonntag zu sammeln. Das Phänomen “Sonntag” erscheint mir als erforschenswertes und es inspiriert mich irgendwie. Und nun beschließe ich das Wochenende mit Gedanken an die allerschönsten Wochenenden und diesen Menschen.
Nächste Woche werde ich die Pressevorführung von Wuthering Heights (Sturmhöhe) besuchen und so bereite ich mich in meiner Garten-Leseecke darauf vor:
Das ist Einsatz, oder? Ein paar Worte zum jetzigen Zeitpunkt:
Ich bin ein großer Fan der Regisseurin Emerald Fennell, die als Kind gesagt haben soll, sie wolle einmal Schauspielerin werden und über Liebe und “Murder” schreiben, was sie ja eindrucksvoll geschafft hat. Ich habe alle ihre (bisher zwei harhar) Filme gesehen und ich fand speziell Saltburn toll, toll, toll. Ein bestechendes und überborderndes Setdesign, wahnsinnige Stimmungsbilder, und generell auch komplett Bonkers vom Plot her, aber extrem unterhaltsam. Wenn es gut gemacht ist und nix anderes sein will als es ist, finde sowas super. Auch Pia Reiser vom fm4 Filmpodcast liebt das – wir haben generell einen recht ähnlichen Geschmack – und sie sagte zwei Dinge über Fennell, 1. dass sie immer sehr genau auswählt, welchen Font sie für ihr Titeldesign verwendet, Zitat Reiser: “Sie nimmt nicht einfach das, was im Word als erstes auftaucht” harhar und 2. “Fennell spricht Pop.” Genauso ist es.
Deshalb wird das Werk von Emily Brontë natürlich niemals eine klassisch-betuliche Literaturverfilmung werden, ich mein, es ist denkunmöglich. Deshalb wird beim Trailer zu Wuthering Heights natürlich viel kritisiert, weil man kann das alles auch sehr leidenschaftlich hassen, verstehe ich auch vollkommen. Wir haben zwei schöne Menschen (Margot Robbie, Jacob Elordi), die natürlich auch zu alt für ihre Rollen sind, da hätte man fast Teenager gebraucht und Robbie ist auch nicht so schlank wie normalerweise, weil sie direkt davor ein Kind (in echt) bekommen haben. Beide sprechen ein schönes Englisch, die Bilder sind wieder überwältigend, die Musik kommt von Charli xcx, einer sehr heutigen Musikerin – ich kannte sie bis dato nicht, ich bin auch zu alt dafür1, harhar.
Wuthering Heights wird im Trailer als “die größte Liebesgeschichte ever” transportiert, was irgendwie total zutreffend sein kann oder auch ganz im Gegenteil – je nachdem wie viel Toxizität und Zerstörungskraft man Liebesgeschichten zubilligt, die man als “echt” bezeichnen möchte. Es gibt ja auch Menschen, die “echte Liebe” nur dann verorten, wenn sie letztlich unerfüllt bleibt oder wenn sie mit ganz viel Kampf und Trauer, Sehnsucht und Verzicht konnotiert wird.
Wuthering Heights als Buch ist natürlich ein Klassiker der englischen Literatur, auch das einzige Buch von Emily Brontë, aber – so viel kann ich jetzt schon sagen – es ist auch in sich recht gaga. Ja, man kann es psychologisch durchdrungen nennen, ein Charakter- und Persönlichkeitsportrait, es hat aber erzähltechnisch auch ein bisschen was von Reich und Schön (sorry), also warum dann nicht einen absolut überkandidelten Film daraus machen? Das mal als erster Stimmungsbericht, ich werde dann zu Buch und Film noch mehr sagen, sobald ich beides fertiggelesen bzw. gesehen habe.
Habe mein Kind dazu gefragt, er hat einen Song von ihr auf seiner Playliste ↩︎
Die Vegetarierin ist Han Kangs sicher bekanntestes, vielleicht, so sagen es viele Rezensionen, auch verstörendstes Werk. Es ist 2007 erschienen, richtig berühmt geworden allerdings durch die englische Übersetzung, da wurde es auch mit dem Man Booker International Preis ausgezeichnet. Vor zehn Jahren wurde das Buch ins Deutsche übersetzt.
Für mich selbst ist auch um einiges grotesker und weniger zugänglich als Deine Kalten Hände. Dabei aber auch erstaunlich leicht lesbar, weil ganz unprätentiös. Auch hier geht es wieder extrem um Körper, Körperverwandlung (weshalb in den Reviews immer wieder auch auf Kafka verwiesen wird), Körpertransformation. Und doch ist das, was sich körperlich tut, natürlich immer ein Ausdruck eines inneren Kampfes oder einer Entwicklung.
Die Protagonistin, eine junge Koreanerin, beschließt eines Tages nach einem Traum Vegetarierin zu werden. Genau genommen ist sie aber sogar Veganerin, denn sie boykottiert jegliche tierische Produkte. Und wenn man es noch weitertreibt (und das tut sie dann) verweigert sie in letzter Konsequenz die Nahrung komplett. Sie will zu einem Teil der Natur selbst werden, eine Art Pflanze. Klingt schon ziemlich schräg, oder?
Ich finde sehr interessant, dass die Vegetarierin selbst keine Stimme im Roman hat. Außer in einigen kurzen Schilderungen ihrer Träume wird nämlich nur über sie erzählt. Im ersten Kapitel von ihrem Mann, der sie als komplett unscheinbar und im Grunde uninteressant beschreibt: “Ich fühlte mich weder von ihr angezogen noch abgestoßen und sah daher keinen Grund, sie nicht zu heiraten.”1 Im zweiten Kapitel erzählt der Schwager, ein Künstler, wie auch schon die Hauptfigur in Deine kalten Hände, der sie ganz anders wahrnimmt; der ihren Körper zwar nicht eingipst, aber mit Blumen bemalt und eine sinnlich-obsessive Videodokumentation macht, die sein Hauptwerk sein soll. “Er hatte lange nach der Antwort gesucht. Sich immer wieder gefragt, wie er auf diese Phantasie gekommen war. […] Alle Ausstellungen, Aufführungen, Filme erschienen ihm nichtssagend, weil sie nicht seiner Vision entsprachen.”2 Im dritten Teil spricht die Schwester, versucht sie zu erfassen oder zumindest zu verstehen – und sich gleich selbst mitanalysiert.
Es geht in Die Vegetarierin um rigide Familienverhältnisse, um Frauen versus Männer, darum, dass Menschen sich mitunter komplett verständnislos gegenüberstehen, weil es ihnen zu mühsam ist, Menschen in allen ihren Ambivalenzen und Widersprüchen anzunehmen. Es geht um Themen wie den Sinn des Lebens und Selbstbestimmung, auch was Leben und Sterben betrifft. Die Schwester der Vegetariern sagt einmal zu ihr: “Wir sind so, weil wir Angst haben, dass du stirbst.” […] Ihre letzten Worte waren: “Ja und? Ist es denn verboten zu sterben?”3 Und das alles in einem relativ schmalen Band, der mitreißend erzählt ist.
Auf jeden Fall bitterer und düsterer als Deine Kalten Hände für mich, dennoch aber unbedingt lesenswert.
Und zum Vergleich, Barbapapa, Staffel 1, Episode 8:
Ich mein, das ist doch unübersehbar! Harhar.
Das hat mich als Kind bei den Barbapapas so fasziniert, dass sie ihren Nachwuchs einfach im Garten gepflanzt und gegossen haben. Und die Barbamama zieht Barbabo (quasi eine Steißgeburt) einfach selbst aus der Erde, ja so einfach wäre das! Harhar.
Barbabo, der strubbelige Künstler, natürlich verkehrt herum (siehe Pfeil)
Pia Reisner hat Hamnet übrigens im gestrigen fm4 Filmpodcast wortwörtlich als “Käse” bezeichnet und wer sie kennt weiß, das sagt sie nicht leichtfertig.
Die Welt ist also sehr gespalten, was diesen Film angeht. Im Gegensatz zu den Barbapapas.
Hamnet ist der neue Film der chinesischen Regisseurin Chloé Zhao und wurde vergangene Woche für acht Oscars nominiert, und hier folgt mein Veriss, harhar. Zhao adaptierte den gleichnamigen Roman von Maggie O’Farell, der sich mit dem Tod des Sohnes von William Shakespeare und seiner Frau Agnes, namens eben Hamnet, auseinandersetzt. Was wie ein riesengroßer Spoiler wirkt, wird genau so vermarktet.
Übrigens, auch das wird gleich am Anfang verraten: Die Namen “Hamnet” und “Hamlet” wurden damals quasi synonym verwendet.
SPOILER
Zunächst einmal: Viele haben sich beschwert, dass es so gemein wäre, Chloé Zhao quasi vorzuwerfen, einen manipulativ-überrührseligen Tearjerker produziert zu haben, das sei nur deshalb der Fall, weil sie eben eine Frau wäre, also dieser Vorwurf bla bla. Nein, ich fand auch Million Dollar Baby von Clint Eastwood aus dem Grund schrecklich, wie auch Manchester by the Sea von Kenneth Lonergan. Auch wenn diese Filme natürlich unterschiedlich funktionieren, eint sie doch ein allgegenwärtiges und umfassendes Elend. Männer sind genauso dazu imstande, solche Filme zu produzieren, die einem die Botschaft mit dem Holzhammer übermitteln wollen.
Vielleicht ist es hier schon das Problem des Romans, das kann ich nicht sagen, da ich ihn nicht gelesen habe. Aber mir ist das alles zu viel (und von anderem wie Plot oder Charakterentwicklung ist es zu wenig, aber das bedingt sich ja oft gegenseitig). Von Agnes (Jessie Buckley) wird gesagt, dass sie die Tochter einer Hexe sei und tatsächlich ist sie sehr in dieser Naturmystik-Heilpraktiker-Ecke zuhause. Ich kann jetzt mit Naturheilkunde an sich schon sehr viel anfangen. Aber bei Agnes hat das alles schon recht übersinnliche Züge. Sie “sieht” die Zukunft, sie bringt ihr Kind selbstverständlich alleine im Wald zur Welt ohne irgendjemand Bescheid zu sagen (was, sind wir uns ehrlich, bis heute lebensgefährlich ist), alles ist so archaisch an ihr. Und natürlich ist die Liebe zu William Shakespeare magisch, wie auch zu den Kindern, aber das wird halt alles eher behauptet als wirklich dargestellt.
Natürlich ist es schrecklich, eines der schlimmsten Dinge, die einem passieren können, wenn das eigene Kind stirbt. Für diese Erkenntnis alleine brauche ich aber keinen 126 Minuten Film anzuschauen. Ich nehme Agnes (bzw. Buckley) diesen, ihren Schmerz zwar komplett ab, sie ist sehr überzeugend; aber es ist eben auch ihr Schmerz, sie lässt mich nicht in ihre Gefühlswelt hinein, sie hält mich auf Distanz. Ich konnte zu niemandem dieser Menschen irgendeine Art von Beziehung aufbauen, auch zum Kind Hamnet nicht, der generell eher blass bleibt. Mich hat es emotional jetzt mehr aufgeregt, dass Agnes William (Paul Mescal) nach dem Tod von Hamnet beschimpft, dass er nicht da gewesen wäre. Dabei war sie es, die ganz am Anfang ihrer Ehe gesagt hatte, er müsse nach London gehen, er müsse schreiben, sonst würde er und sie sich auch als Paar verlieren. Dass es dann halt Zeit braucht, von London ohne Auto ins hinterletzte Kaff Stratford-upon-Avon zu gelangen – wo Agnes gegen den Wunsch von William bleiben wollte, weil Natur! – ist auch klar.
Die letzten 15, 20 Minuten des Films beinhalten eine Aufführung von Hamlet im Londoner Globe Theater; das Stück schrieb Shakespeare zur Aufarbeitung dieses Schicksasschlages. Der Falter Filmkritiker Michael Omasta nennt das eine “faule” Entscheidung. Ich stimme ihm grundsätzlich zu, muss aber sagen, dass es allerdings auch der Teil ist, wo der Film tatsächlich am besten für mich funktioniert hat, mit den Worten und Emotionen Shakespeares nämlich. Auch auf Uncut wurde der Film (positiv) besprochen und ich habe unserem Kritiker dann geschrieben, mir gefiele sein Review wesentlich besser als der Film, harhar. Wir haben uns dann gegenseitig versichert, dass wir den Standpunkt des anderen grundsätzlich verstehen.
P.S. Dieser Film hat wirklich gar keinen Moment des Humors, aber ich selbst musste trotzdem einmal schmunzeln, als Agnes am Anfang zusammengerollt in der Erde liegt. Sah so aus wie bei den Barbapapas früher, die ja in der Erde gewachsen sind, harhar. Sorry.
Gestern Nachmittag habe ich mich recht spontan mit M. getroffen.
Sie hat vorgeschlagen, dass wir in den GleisGarten gehen (unbezahlte Werbung), das ist die alte Badner Bahn Remise, die vor zwei Jahren zu einer Art Foodhall umgebaut wurde. Und wenn Foodhalls auch manchmal den Nachteil haben, dass sie ziemlich steril und unpersönlich wirken, so war ich total positiv von dieser Halle im 12. Bezirk überrascht. Es ist zwar natürlich wirklich groß, aber es ist trotzdem total gemütlich und auch warm! Man kann theoretisch stundenlang dort sitzen, Bücher lesen, arbeiten, sich Spiele ausborgen, plaudern die Kinder rennen herum und es gibt verschiedene Essenstationen und Bars, wo man sich kulinarisch versorgen kann.
Ich habe zuhause dann noch nichts gegessen und so haben wir uns am Spätnachmittag bei der Asia Station etwas geholt, Nudeln mit Gemüse. Es war wirklich extrem gut und schmackhaft, also nix mit Fast Food. Wir waren drei Stunden dort harhar. Ur nett wars.
GleisGarten Indoor
Dann bin ich in den Garten gefahren und nach einem kurzen Besuch vom Kind und Begleitug habe ich mich wie geplant in meine Leseecke zurückgezogen und habe fast in einem Die Vegetarierin von Han Kang gelesen. Ich weiß nicht, irgendwie ziehen mich ihre Romane so rein, dass ich gar nicht aufhören kann.
Cosy Leseecke
Denn endlich mal wieder gut geschlafen, den Sonntag über gearbeitet und dann war ich noch “schnell” im Votivkino und habe mir Der Fremde (nach Albert Camus) angesehen. Und zwar aus dem dritten Grund, weswegen ich ins Kino gehen, nämlich wenn ein Film im fm4 Filmpodcast besprochen wird, harhar. Die erste Hälfte hat mir richtig gut gefallen, dann wars ein bisschen gemischt. Aber defintiv ein Film, über den man länger nachdenken kann und quasi ein Standardwerk des Existentialismus.
Und jetzt gehe ich schlafen, mit den Gedanken von gestern.
Ok, das mit Tânia Maria hat leider nicht funktioniert, dennoch haben die heutigen Oscar Nominierungen doch ein paar kleinere Überraschungen gebracht.
Zunächst einmal hat Sinners den Rekord an Gesamt-Nominierungen gebrochen und das war in dieser Souvernität nicht zu erwarten und zwar mit 16 Nominierungen. Ja, es gibt auch eine neue Kategorie (Bestes Casting). Und ja, damit wird es für Paul Thomas Anderson und One Battle After Another doch noch ziemlich eng. Ich muss ja ehrlich sagen, nachdem ich das halbe Jahr gesudert habe, dass die Filmsaison nur so mittelmäßig ist, ging es im Herbst Schlag auf Schlag und ich mag sowohl Sinners (obwohl Vampir Horror!) als auch OBAA richtig gerne – und auch noch einige andere, natürlich allen voran Sentimental Value. Ich möchte die Nonstop Kinos hiermit auch bitten, Sinners nochmals ins Programm zu nehmen. Ich habe ihn ja gestreamt, aber das ist defintiv ein Film für die große Leinwand. Auch wenn es im Kino sicher extrem bedrohlich ist.
Hier alle Nominierten in der Kategorie bester Film:
Und hier kann ich erfreulicherweise sagen, dass ich fast alles tatsächlich schon kenne, außer Marty Supreme (der läuft bei uns erst im Februar an) und F1 *hust*, einen Film, den mein Kind bereits dreimal gesehen hat. harhar.
Auch in den Schauspielkategorien gab es ein paar kleinere Überraschungen. Kate Hudson als Beste Hauptdarstellerin im so liebenswerten Underdog-Film Song Sung Blue zum Beispiel. Auch Ethan Hawke als Bester Hauptdarsteller für Blue Moon war eher ein Wackelkandidat, der Film kommt leider erst im Frühling in unsere Kinos. Delroy Lindo hat es noch in die Beste Nebendarsteller Kategorie geschafft, für mich komplett nachvollziehbar, weil ich nämlich während des Filmes gegoogelt habe, wer das ist, weil er so beeindruckend war. Wagner Moura (The Secret Agent) war dagegen eine Bank, allerdings ist er der erste Brasilianer, der in der Kategorie Bester Hauptdarsteller nominiert wurde. Stellan Skarsgard war auch quasi fix, aber – ebenfalls interessant – er ist der der erste Nebendarsteller, der für einen internationalen Film nominiert wurde.
Und überhaupt Sentimental Value, hach ja, der ganze Cast wurde nominiert,
Ein ziemlich erfreulicher Trend in den letzten Jahren: zum dritten Mal wurde alle Menschen, die für einen Oscar in der Kategorie Beste Regie nominiert sind, auch in der Kategorie Bestes Drehbuch (adaptiert oder Original) nominiert. Was nichts anderes heißt als: Der Auteur ist zurück. Und das finde ich sehr schön.
Ich hätte ja noch dutzende Facts und Stats, aber ich glaube abgesehen von mir interessiert das niemanden soo sehr, harhar. Morgen gibts ein anderes Thema, versprochen.
P.S. Ah ja, Votivkino hat mich schon prophylaktisch erhört und bringt Sinners im Rahmen des Black History Month. Hey Gartenbau, bei euch geht auch noch was! Harhar.
