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Kleine Spoiler möglich

The Brutalist rechnet in gewisser Weise mit dem amerikanischen Traum als solchem ab, er lässt aber auch László Tóth nicht als makellosen Helden erscheinen. Als Tóth die Frau seines Cousins kennenlernt, fragt er ihn bald einmal “Is she a Schickse?” Dass sein Cousin eine Katholikin geheiratet hat, behagt ihm nicht. Es ist natürlich so, dass Tóth jede Menge Gegenwind erfährt, auch aufgrund seiner Herkunft, aber auch er selbst hat Vorurteile. Und er macht genausowenig Zugeständnisse, er will mit dem Kopf durch die Wand, und letztendlich sind wir hier wieder bei der Frage der Trennung von Werk und Künstler. Denn ist Tóth eine Art Genie? Wahrscheinlich. Ist er eine angenehme Persönlichkeit? Eher nicht.

Wie ich ja schon vor einigen Wochen geschrieben habe, ist The Brutalist sowas wie der Comebackfilm von Adrien Brody, auch wenn er ja nie wirklich weg war. Aber so etwas hat er tatsächlich seit The Pianist nicht mehr gemacht. So eine große Performance, die so viel an emotionaler Bandbreite zeigt – Weinen aus Freude, Weinen aus purer Verzweiflung, verschiedene Phasen des körperlichen Verfalls, verschiedene Phasen großer psychischer Probleme – da ist einfach alles dabei. Und hinzu kommt noch, dass er eine Person spielt, die kaum zugänglich erscheint, trotzdem aber faszinierend ist und interessante Dinge – auch über Architektur – sagt.

Guy Pearce als Antagonist sieht manchmal Brad Pitt erstaunlich ähnlich und legt seinen Selfmade-Millionär irgendwo zwischen jovialem Gönner und größenwahnsinnigem Irren an, der aber phasenweise wirklich amüsant und auch fürsorglich erscheint. Selbstverständlich trägt Pearce als Van Buren allerhand Masken. Einzig Felicity Jones als Tóths Ehefrau hat mich nicht restlos überzeugt. Sie war mir zu spröde, wobei das natürlich eh genau passt, in diesem durch und durch spröden Film (ich habe aber leider gelesen, dass Marion Cotillard zuerst diese Rolle hätte spielen soll und die mag ich sehr, insofern natürlich etwas unfair von mir, die beiden jetzt zu vergleichen)

Dass dieser Film nur zehn Millionen Dollar gekostet hat mag man kaum glauben, zu monumental erscheint hier alles, vor allem die Großbaustelle des Projekts von Tóth, die auch irgendwie wie die Wotrubakirche mal fünfzig wirkt, harhar. Aber auch das gesamte Set-Design, die Kameraführung, die Musik, die Ausstattung und Kostüme, das hat alles sowas “epochales” und genau das wird vermutlich auch alles bald Oscar nominiert sein harhar.

Bis dahin kann man sich überlegen, wie man die Aussage “It’s not about the journey, it’s about the destination”, die im Film postuliert wird, interpretieren würde. Einer von sehr vielen spannenden Denkanstößen. The Brutalist wird dann Ende Jänner im Kino zu sehen sein.

Stell dir vor, du bist ein Filmproduzent und jemand pitcht dir folgende Film-Idee:

Ein mexikanischer Kartellboss, Familienvater, einflussreich und gefürchtet, von kräftiger Statur, der dutzende Menschen auf seinem Gewissen hat, sucht sich eine versierte Anwältin und beauftragt sie damit, eine Klinik im Ausland zu suchen, die eine Geschlechtsumwandlung bei ihm durchführen soll, denn er fühlt sich als Frau. Gleichzeitig soll sich diese Anwältin um seine Familie kümmern, die er zu diesem Zweck verlassen wird. Und dazwischen wird aus dem nichts heraus gesungen und zwar Sätze wie “Du riechst nach Cola Zero mit Zitrone”; außerdem wird geschossen und es ist phasenweise blutig. Ach ja und alle sprechen vorwiegend spanisch.

Die meisten Filmproduzenten würden sagen: Na genau, dafür stell ich 20 Millionen auf. Für einen Plot, der gefühlt keine Zielgruppe hat. Denn Menschen, die Musicals mögen, sind oft eher zartbesaitet und nicht so Bandenkrieg-affin und Menschen, die wegen Action und Thrill ins Kino gehen, wollen garantiert nicht, dass Schusswechsel durch gefühlsbetonte Musikeinlagen unterbrochen werden. Dazu die heikle Trans-Thematik.

Nun dennoch wurde genau dieser Film gemacht, er nennt sich Emilia Pérez und er ist – und das ist die eigentliche Sensation – brilliant.

Das könnte uns alle daran erinnern, dass wir die Sachen machen sollten, an die wir glauben, auch wenn es komplett bizarr und aussichtslos erscheint. Brennt man dafür und gibt alles für seine Vision, dann kann man damit, gegen alle Gesetze der Logik, Erfolg haben und ein kleines Kunstwerk schaffen.

Im Rahmen der Metrokino Reihe Marcello Magnifico habe ich einen meiner Lieblingsfilm, 8 1/2 oder Otto e mezzo, endlich auch mal im Kino gesehen. Das ist keine Werbung, weil das Metro Kino hat meine Reservierung verschmissen, die ich am 17. August gemacht habe (harhar), aber ich bin letztendlich trotzdem reingekommen und habe auch gleich als Entschuldigung zwei Gutscheine bekommen.

8 1/2 handelt von der Schaffens- und Lebenskrise des Regisseurs Guido Anselmi (Marcello Mastroianni). Er plant einen Film, der schon kostenintensiv vorbereitet wird, die Schauspieler warten auf ihren Einsatz, doch nun weiß er nicht mehr, was er überhaupt erzählen will und vor allem wie. Er sagt, er wollte einen “ehrlichen Film machen, der jedem hilft, das was tot in ihm ist, zu Grabe zu tragen”, aber er scheitert an der Handlung und gerade auch an seinem Leben. Nach einem kleinen Nervenzusammenbruch befindet er sich auf Kur nahe Rom, wo ihm aber sowohl seine Frau (Annouk Aimee) als auch seine Geliebte (Sandra Milo) nachreisen, einige seiner Schauspieler und auch sein Assistent. Guido flüchtet daraufhin immer öfter in Tagträume…

Der Kritikerpapst Roger Ebert schrieb in seiner brilliant formulierten Kritik über den Film: “8 1/2 is the best film ever made about filmmaking”. 8 1/2 hat sehr viele surreale und nicht ganz fassbare Szenen, die man aber, so finde ich, nicht unbedingt komplett verstehen muss, um von ihnen fasziniert zu sein. Guidos Assistent erörert einmal mit ihm das Drehbuch und sagt ihm dabei quasi: Du machst keinen Avantgarde Film, aber dein Film hat alle Schwächen eines Avantgardefilmes, harhar. Das ist genial: damit hat Fellini nämlich schon die kritischen Repliken auf seinen eigenen Film quasi vorweggenommen, denn einige Kritiker stoßen sich bei 8 1/2 genau an dessen Konfusion und scheinbarer “Ziellosigkeit”.

8 1/2 ist sehr italienisch, mit vielen schönen italienischen Menschen und hat wieder praktisch alle Fellini Markenzeichen vereint: Zirkusversatzstücke (Zauberer, Wahrsagerin), das Meer, die eigenwillige Dorfprostituierte, die katholische Kirche, hier in Gestalt eines Kardinals, die dekadente Gesellschaft, Tanz und generell die Musik, als Leitmotiv. Ich finde, dass Nino Rotas Soundtrack hier fast noch prägnanter ist als in Der Pate. Er akzentuiert Guidos Verwirrung und changiert zwischen Lebensfreude und Verzweiflung. Er wirkt auch oft als ironischer Unterton. 8 1/2 ist zumindest semi-autobiografisch – Fellini verarbeitet hier seine eigene Krise.

Der Film ist ein Fundus für viele nachfolgende Filme und andere popkulturelle Werke geworden. Die Szene in Pulp Fiction habe ich ja schon beschrieben. Aber auch die Anfangssequenz, als Guido sich aus seinem Auto befreit und über dem Stau schwebt, wurde später im REM Everybody hurts aufgegriffen, Michael Stipe ist da sogar ganz ähnlich gekleidet wie Mastroianni, inklusive Hut. Woody Allens Stardust Memories referenzieren ebenso auf 8 1/2 wie Charlie Kaufmanns Synechdoche New York – der mich persönlich aber eher genervt hat. Das (ur arge) Video von Aphex Twins Windowlicker erinnert mich von der Dymanik und von der Stimmung komischerweise total an manche Szenen in 8 1/2. Aber nachdem ich dazu nichts ergoogelt habe, bin ich da wohl die einzige, der das so geht.

Fazit: Ich glaube, der Film kann einem auch gar nicht gefallen, ich würde es verstehen. Aber ich liebe ihn auch nach wiederholter Sichtung immer noch sehr, auch weil er – trotz aller Krise – sehr positiv und lebensbejahend ist, und das gefällt mir immer viel besser als wenn Regisseure mit sich selbst und der Welt eh schon abgeschlossen haben.