Category: film

Roger Ebert schreibt in seinen Great Movies, Band eins, über Fellinis Achteinhalb:

“The conventional wisdom ist that Federico Fellini went wrong when he abandoned realism for personal fantasy – that, starting with La dolce vita (1960) his work ran wild thorugh jungles of Freundian, Christian, sexual and autobiographical excess. (…)  La strada (1954) was the high point of his career, according to this view (…) La dolce vita was bad enough, 8 1/2 was worse and by the time he made Juliet of the spirits (1965) he was completly off the rails. This conventionell view is completely wrong. What we think of Felliniesque comes to full flower in La dolce vita and 8 1/2”

Da stimme ich Ebert zu, wenn man aber bedenkt, dass wir gestern Fellinis Roma gesehen haben, ein Film aus dem Jahre 1972, kann man sich ungefähr vorstellen, was Fellinis Kritiker dazu gesagt hätten. Das ist natürlich kein Film im herkömmlichen Sinn. Es gibt keinen nennenswerten Plot und die Schauspieler sind kaum bekannt. Das ganze ist eher eine Collage, ein Mosaik, experimentelle Poesie, wenn man so will.

Fellinis Roma ist genau das: Fellinis Rom. In Film tritt der Regisseur als er selbst auf, in der Diskussion mit Passanten. Jeder möchte den Filmemacher von der eigenen Sicht auf die Stadt überzeugen: die einen konzentrieren sich auf ihr historisches Erbe, die anderen auf den Aufbruch zu neuen Zeiten. Fellini hört eine zeitlang zu, erzählt dann aber doch das, was er möchte.

Fellini porträtiert den täglichen Verkehrskollaps, der wohl schon damals an der Tagesordnung stand, in atmosphärisch dichten Momentaufnahmen. Er führt den Zuschauer in abgehalftere Varietes, wo gerade eine (neudeutsch ausgedrückt) Frehsman Night stattfindet, die ziemlich miserabel ist. Und Fellini bleibt mit der Kamera knallhart dran. Er führt uns in Nobelpuffs. Außerdem wird man Zeuge einer mehr als obskuren Modenschau, bei der ausschließlich Gewänder von Geistlichen vorgestellt werden. Der Zuseher darf beim Ubahn-Bau dabei sein und abends mit echten Römern im Künstlerviertel Trastevere essen.

Dieser Film ist komisch. Und schräg. Er ist derb, aber komischerweise nie so derb wie etwa manche österreichischen Filme. Mr. Almi und ich haben drüber gegrübelt, weshalb das so ist und eine Theorie war, dass die Frauen bei Fellini das Sagen haben. Sie haben immer die Oberhand, auch wenn sie Prostituierte sind. Dieser Film ist verwirrend und vielleicht verstörend, manchmal auch lakonisch, lang-weilig.

Sehr bemerkenswert: Roger Ebert gibt dem Film 4 Sterne, seine User 1 (in Worten: einen). Das nennt man dann vermutlich polarisierend.

Seit La dolce vita weiß ich, dass der Ausdruck “Paparazzo” eigentlich der Name eines Fellini-Protagonisten ist. Eines Fotografen, der Prominenten auflauert und Fotos macht. Und seit ich gestern zum ersten Mal La strada gesehen haben, weiß ich nun, dass auch der Ausdruck “Zampano” eigentlich auf eine Filmfigur von Fellini zurückgeht.

Der große Zampano (eigentlich eine jämmerliche, kaputte Gestalt, dargestellt von Anthony Quinn) ist es nämlich, der die junge Gelsomina (Giulietta Masina) ihrer mittellosen Mutter abkauft, weil er eine Assistentin für seine Zirkusdarbietung braucht, er arbeitet als fahrender Künstler. Überall stellt er sie fortan auch als seine Ehefrau vor, eine Rolle, die sie gerne erfüllen möchte, sehnt sie sich doch nach Zuneignung und Geborgenheit. Doch daran hat Zampano kein Interesse, Frauen von der Straße erfüllen seine körperlichen Bedürfnisse und im Alltag demütigt er die naive und leicht zurückgebliebe Gelsomina, bis sie einen Emanzipationsversuch wagt…

In den 1950er und frühen 1960er wurde in zahlreichen Filmen die Welt bevorzugt so dargestellt, wie sie niemals war und auch niemals sein wird. Das gilt nicht für Fellinis Werke. Obwohl sie zuweilen recht surrealistisch sind, schimmert das Italien dieser Zeit durch, die menschlichen Ängste und Nöte, die Hoffnungslosigkeit. So hätte es zumindest gewesen sein können, das spürt man. Einige von Fellinis späteren Trademarks kommen in seinem ersten “fellini-esken” Film vor: das Zirkusleben, Schweben zwischen Erde und Himmel, Künstlerdasein, Überforderung mit dem Dasein.

La strada ist ein bitterer Film, mit einem hellen kleinen Punkt: seiner Hauptfigur, die allen Widrigkeiten zum Trotz versucht, ihre Lebensfreude zu bewahren und diese in den kleinen Dingen zu suchen. Es geht Fellini andererseits wohl auch nicht darum, seinen “großen Zampano” zu verurteilen, sondern vielleicht sogar zu zeigen, dass dieser – obwohl scheinbar arrogant, bestimmend und mächtig – auf seine Art und Weise viel verlorener und hilfloser ist als die dann doch sehr patente und lebenskluge Gelsomina.

Die prägnante Filmmusik stammt übrigens von Nino Rota, der nicht nur zahlreiche andere Fellini-Werke vertont hat, sondern auch die Musik zu Der Pate geschrieben hat.

Annie Hall (Der Stadtneurotiker) von Woody Allen hat 1977 bei der Oscarverleihung Star Wars im Rennen um den besten Film-Oscar geschlagen. Und das ist schon ziemlich erstaunlich. Star Wars markierte quasi den Beginn des Blockbuster-Kinos und Roger Ebert schrieb über Annie Hall: “(it) contains more intellecual wit and cultural references than any other movie ever to win the Oscar for best picture.”

Das ist richtig. Allein die Szene, in der Alvy Singer (Allen) mit Annie (Diane Keaton) an einer Kinokassa angestellt steht und sein Hintermann sich mit seiner Frau minutenlang über die Werke von Federico Fellini unterhält, ist mutig. Nach dem Sex zitiert Alvy Balzac, Marshall Mc Luhan wird nicht nur zitiert, sondern hat quasi auch einen Auftritt auf der Metaebene. Oder wie Ebert sagt: “Alvy is smarter that the ground rules of Hollywood currently allow”. Die Protagonisten reden unentwegt. Miteinander, mit sich selbst, mit der Kamera.

Annie Hall erinnert mich von der Gesprächsdichte und Geschwindigkeit auch irgendwie an The Social Network von David Fincher. Dennoch (oder deshalb) funktioniert der Film als Film für mich deutlich weniger als Hannah und ihre Schwestern. Es zeichnet sich eher durch Vortrag (und manchmal entbehrt dieser nicht einer gewissen Arroganz) als durch Handlung aus und nutzt die visuellen Möglichkeiten des Mediums kaum. Und das hat irgendwie etwas ermüdendes.

Es mag aber auch sein, dass der Film soviele Zitate beinhaltet, die bereits in das kollektive Gedächtnis eingegangen und praktisch Allgemeingut geworden sind, dass man das Gefühl hat, man kennt das alles irgendwie schon – beispielsweise wenn Alvy Groucho Mark zitiert: “Ich möchte kein Mitglied in einem Club sein, der mich als Mitglied akzeptiert” oder “Masturbation ist Sex mit jemanden, den ich liebe.”

Und wer sich fragt, ob Diane Keaton ihr modisches Selbstverständnis (ein Hauch von Cross Dressing) durch diesen Film gefunden hat, dem muss ich sagen, es war umgekehrt. Annie Hall trägt das, was Diane Keation damals (und auch heute noch) privat gerne anzieht.

Woody Allen hat morgen Geburtstag. Was ihn selbst vielleicht nicht so freuen wird, mich allerdings schon, hat sich ATV2 doch zu diesem Anlass entschlossen, gestern drei Allen-Filme zu senden, nämlich Hannah und ihre Schwestern, Annie Hall und Zelig. Zu meiner Schande kenne ich alle drei noch nicht.

Kleine Spoiler möglich

Hannah und ihre Schwestern handelt von den komplizierten Strukturen und Wirkmechanismen innerhalb einer Familie, von Geschwisterreihenfolgen und -rollen und schließlich auch von den angeheirateten Männern. Die Frauen (Farrow, Wiest und die weniger bekannte Hershey) sind – jede auf ihre Weise – faszinierend, selbstbestimmt, suchend. Alles Künstlerinnen, die mit dem Platz im Leben hadern, sich ausprobieren, experimentieren. Und die Männer spielen keine so untergeordnete Rolle wie der Filmtitel vermuten lässt. Die Charaktere sind erstklassig mit Michael Caine, Max von Sydow und Woody Allen selbst besetzt.

Ich liebe Michael Caine (dessen Biografie ich ja gerade lese) dafür, dass er mit Minimalaufwand den Charakter seines Protagonisten so klar herausarbeiten kann. Da reichen ein paar Gesten, sein Mienenspiel und man weiß, was Sache ist -das ist bei so einer doch eher durchschnittlichen Figur sicherlich noch schwieriger als bei dem Exzentriker, den von Sydow zu spielen hat. Caine hat für die Rolle auch den Oscar als bester Nebendarsteller erhalten.

Generell ist Hannah und ihre Schwestern ein typischer Woody Allen, nämlich insofern als er sich überhaupt kein Blatt vor den Mund nimmt. Sexualität ist ein wichtiges Thema, das permanent präsent ist, aber dann auch wieder sehr beiläufig und unaufgeregt. So ist von Masturbation ebenso nebenbei die Rede wie von künstlicher Befruchtung, die 1986 noch eine relativ neue reproduktionsmedizinische Methode darstelle.

Besonders gelungen fand ich, wie sich Woody Allens Figur mit der Suche nach dem Sinn des Lebens auseinandersetzt und dabei sogar überlegt, zum Christentum überzutreten. Seine jüdische Mutter ist verzweifelt, man sieht sie nur aufschreiend in ihr Zimmer laufen, der Vater wirkt pragmatisch und ist bereit, über diese Entscheidung zu diskutieren. Woody Allen: “Hast du dich nie gefragt, welchen Sinn zum Beispiel Nazis haben? Warum gibt es Nazis?” Der Vater: “Ich weiß nicht mal wie der Dosenöffner funktinioniert, woher soll ich wissen, warum es Nazis gibt.”

Hannah und ihre Schwestern beschäftigt sich auch mit außerehelichen Affären innerhalb der Familie, doch hey, das ist Woody Allen. Man muss sich hier nicht Tragik wie etwa bei Louis Malles’ Damage erwarten, keine Angst!

Hope springs (dt. Titel Wie beim ersten Mal) ist die Geschichte von Kay und Arnold. Kay (Streep) und Arnold (Lee Jones) sind schon einiges über 50 plus, die Kinder sind aus dem Haus, die Jobs Routine und das Eheleben ist na ja… funktional. Zum Hochzeitstag schenkt er ihr Package von neuen TV-Sendern, jeden Abend sieht er den Golf-Kanal, der sie nicht interessiert und außerdem schläft er seit einem dreiviertel Jahr im Gästezimmer.

Für ihn ist alles in Ordnung, nicht toll, aber normal. Er erwartet nichts anderes. Nicht so Kay – sie fühlt sich aktiv, jung im Kopf, abenteuerlustig und möchte noch mehr von ihrem Leben und ihrer Ehe haben. Deshalb will sie zu einem Eheseminar in Hope Springs, das von Therapeut Dr. Feld (Steve Carell) geleitet wird, doch wird Arnold seine Skepsis ablegen? Und hat Dr. Feld wirklich DIE Lösung…?

Meryl Streep kann alles spielen, das ist bekannt, hier ist sie eine Frau, die weiß, was in ihrer Ehe falsch läuft, der aber die Hartnäckigkeit fehlt, ihren Mann aus seiner Lethargie zu reißen. Sie kämpft sehenswert gegen die eigene Schamgrenze an und wirkt dabei deutlich prüder als man Meryl Streep als Privatperson einschätzen würde. Steve Carell ist ein Therapeut, der zwar taktvoll und einfühlsam ist, dem allerdings auch nichts menschliches fremd ist, schon gar nicht Sex. Er ist also auch mal direkt, offen und unverblümt, wenn er das sein muss. Die Komik von Carell ist hier extrem passend, die Rolle wie für ihn geschaffen. Die Besetzungsüberraschung des Films ist sicherlich Tommy Lee Jones, bei dem ich mir nicht sicher bin, ob er tatsächlich spielen muss, wie peinlich ihm die Gespräche mit Dr. Feld sind und wie unangenehm es ihm ist, sicher seine Frau zu öffnen. Es ist schön, ihn einmal in einem völlig ungewohnten filmischen Umfeld zu sehen.

Der Film ist witzig, aber kein Schenkelklopfer. Die Protagonisten werden niemals der Lächerlichkeit preisgegeben, obwohl das Thema heikel ist und zu Zoten und allerlei Derbheiten verführen könnte. Das passiert hier gottseidank nicht.  Die Personen werden in ihrer Schmhaftigkeit und Unsicherheit ernst genommen, ihre Motive klar herausgearbeitet. Dennoch ist der Film keineswegs prüde geraten und offenherziger als ich es erwartet hätte.

Hope Springs ist kein Meisterwerk, aber ein kleiner couragierter Film mit einer Message (“Arnold, your wife is very unhappy, you have to ask yourself, have I done all I could?”), die nicht nur für Menschen in der entsprechenden Altersstufe interessant ist. Sondern auch für die, die gerade erst beginnen, eine Ehe zu führen.

Letztens endlich The Adjustment Bureau mit Matt Damon und Emily Blunt gesehen.

Kleine Spoiler möglich

Signifikant ist, dass man den Film von Beginn an in Relation zu anderen Filmen setzt und vergleicht. Alleine in den ersten Minuten kommen Truman Show, Aschenputtel, Momo, Inception und Matrix. Und obwohl das eigentlich kein Zeichen für Orginalität ist, funktioniert der Film doch insgesamt recht gut.

Denn irgendwie zäumt The Adjustment Bureau das ganze dann doch von einer etwas anderes Seite auf. Das hier ist trotz des dunklen Hintergrunds ein Feelgood-Movie, mit sympathischen Darstellern (ja, auch Matt Damon!) und trotz seiner philosophischen Fragestellungen nie verkopft oder übertrieben kniffelig. Das ist ein Film, der zum mit-fabulieren einlädt, bis zu welchem Grad man die Zukunft selbst gestalten kann und wieviel determiniert ist. Es ist allerdings außerdem ein Film, der sich nicht den globalen Fragestellungen seiner Prämisse widmet, sondern den relativ überschaubaren. Also der Love-Story.

Natürlich ist – wie bei solchen Filme häufig der Fall – nicht alles wirklich plausibel. David (Damon) kandidiert für den Senat und verliert die Telefonnummer einer Dame. Dann nutzt er immerhin die modernen Kommunikationsmittel, um sie zu googlen, ignoriert aber scheinbar die Möglichkeiten, die Social Media Plattformen haben. Noch einfacher wäre natürlich, sich bei einem seiner Fernsehauftritte oder Zeitungsinterviews an die Dame zu wenden und bitten, sich zu melden…aber das kommt ihm offenbar nicht in den Sinn. Hier wirkt dieser an sich sehr zeitgemäße Film seltsam altbacken, als wären Humphrey Bogart und Ingrid Bergmann am Werk.

Dennoch überwiegt der positive Eindruck: gute Darsteller, starke Bilder und ein interssanter, humanistischer Plot