Category: film

nun ja, richtig viele überraschungen gab es bei den gestrigen oscar nominierungen zugegebenermaßen nicht.

ein paar aber dann doch, beispielsweise die nominerung für demian bechir (ich gebe es zu, ich kenne ihn nicht, aber er hatte zb. eine rolle in weeds), der offenbar fixstarter leo aus dem feld gekickt hat. es passiert eher selten, dass jemand für den oscar nominiert wird, der nicht vorher schon für den golden globe in betracht gezogen wurde. und es beweist einmal mehr, dass di caprio bei der oscar jury nicht gerade viele fans hat, er wird sehr oft übersehen bzw. nach einer golden globe nom nicht “übernommen”.

nicht ganz so überraschend, aber doch eine eher außergewöhnliche entscheidung der jury: melissa mc carthys (sookie! gilmore girls!) nominierung für ihre rolle in bridesmaids. eine nomierung vor allem für unerschrockenheit und schmerzbefreitheit, was peinliche szenen betrifft. wer den film gesehen hat, weiß, wovon ich spreche. bridesmaids beweist durch seine 2. nominierung (drehbuch), das popcorn komödien beim oscar sehr wohl eine chance auch in wichtigeren kategorien haben, wenn sie intelligent gemacht sind.

eigenartig finde ich, dass es diesmal nur 2 songs in der kategorie best song gibt -eine davon für den muppets-film. und hier zeigt sich: das ist das jahr, in dem die seriendarsteller den big screen “unterwandern”. der muppets song wird nämlich von jason segel performt (darsteller in how i met your mother). dazu, wie schon erwähnt behir aus weeds, mc carthy aus gilmore girls, nicht zu vergessen michelle williams (hauptrollen-nom für my week with marilyn und insgesamt schon die 3. nominierung für williams) aus dawson’s creek und wenn man so will auch george clooney (ER).

hm, wenn man eine serienkolumne schreibt, wäre das vielleicht ein thema fürs nächste monat…

vorgestern hatte ich das vergnügen, verblendung vorab in einer pressevorstellung zu sehen.

es war ein genuß -meine rezension findet sich hier.

rushmore ist aus mindestens zwei gründen filmgeschichtlich interessant: zum einen ist es der film, mit dem regisseur wes anderson seinen durchbruch schaffte, zum anderen markiert rushmore bill murrays wechsel vom klamaukkomiker ins independent fach, quasi seine zweite, sehr erfolgreichreiche karriere.

kurz zum plot: der 15 jährige max fischer (jason schwartzman), dem seine schule – das private rushmore college – alles bedeutet, wird vom direktor an die luft gesetzt. er ist zwar passionierter autor von theaterstücken und gründer zahlreicher vereine für schüler, doch im unterricht ist er schwach und leistet sich zuviel gegenüber den lehrern. nach dem rausschmiss hängt fischer in der luft – wird sein väterlicher freund hermann (murray) ihm helfen können, wieder zurückzulehren? wird er das herz seiner lehrerin (olivia wilde) erobern können?

zugegeben, wenn man das so liest, fragt man sich: was um himmels willen soll daraus werden? aber – wie rogert ebert es ausdrückt: “anderson and wilson (owen wilson, co-drehbuchautor anm. der red.) are good offbeat filmmakers. they fill the corners of their story with nice touches.” es ist keine große geschichte, die hier erzählt wird, aber eine, die tief geht. die figuren sind gebrochen, sie haben verluste erlitten, auch max hat viel mehr verloren als nur seine schule; aber diese verluste haben sie nicht zerstören können. die melancholie ihrer lebenswege schimmert in ihren augen, aber sie stehen auf und machen weiter, sie hören nicht auf zu träumen und zu hoffen.

wes andersons hat viel verständnis und ein großes herz für seine figuren. max ist wie ein etwas älterer bruder für einen igby (igby goes down), bill murray ist auf unheimlich tollpatschige art lebensklug und liebenswert, rosemary eine nachdenkliche poetin. anderson betrachtet sie und die vielen kleinen nebencharaktere wohlwollend, trotz all ihrer defizite, immer mit großer sympathie. dabei etabliert er gewisse trademarks, die auch in seinen weiteren filmen wie the royal tenenbaums (einer meiner lieblingsfilme) und the life aquatic auftauchen wie etwa die obsession für das meer und das tauchen, die erfindung obskurer vereine, der prägnante einsatz von musik, der gezielte einsatz von slow motion.

anderson schafft es, einen wirklich warmherzigen film zu schaffen, der zwar durchaus dunkle töne anschlägt, dabei aber immer positiv und lebensbejahend bleibt.

vertigo – einer der hitchcocks klassiker, aus dem jahr 1958 – ist ein psychothriller mit sehr moderner optik, einem irritierenden plot-aufbau und einem ungleichen leinwandpaar, james stewart (damals 50) und kim novak (damals 25).

wenn man langsam den eindruck gewinnt, als wäre jimmi stewart für hitch sowas wie leonardo di caprio für scorsese heute, dann entspricht das durchaus den tatsachen. nur, dass nach vertigo damit schluss war, weil hitchcock stewarts alter die schuld daran gab, warum der film damals kein erfolg war. stewart sieht man sein alter überdeutlich an, man gibt ihm sogar noch einige jahre dazu. stewart ist da so alt wie george clonney jetzt, unfassbar. cary grant ist der clooney seiner zeit, der es sogar schafft, in north by northwest einen sohn zu spielen, der de facto nur sieben jahre jünger war als seine filmmutter. aber genug offtopic.

kim novak fand hitchcock übrigens ebenfalls fehlbesetzt. wen man langsam den eindruck gewinnt, als wäre alfred hitchcock nicht gerade der umgänglichste zeitgenosse gewesen, dann entspricht das durchaus den tatsachen.

minmale spoiler möglich

die ausgangssituation: detektiv john ferguson (stewart) hat nach einem beinahe tödlichen unfall höhenangst (>vertigo) und quittiert seinen dienst. daraufhin wird er von einem ehemaligen schulkollegen dazu angeheuert, dessen frau (kim novak) zu beschatten, da der diese für geisteskrank hält und fürchtet, sie könnte den freitod wählen. was für ferguson zuerst einen eher lästiger freundschaftsdienst bedeutet, beginnt schnell, ihn ganz in den bann zu ziehen…

der charakter fergusons wird in der rezeption oft als alter ego hitchcocks gelesen; als figur, in der sich der regisseur offenbart, seine wahren schwächen zeigt, sein frauenbild kritisch hinterfrägt und sich seinen obsessionen stellt. wenn man hitchcocks bio kennt und sich mit seinem verhältnis zu frauen beschäftigt, ist das durchaus vorstellbar. auf der anderen seite fragt man sich in vertigo: was sind die motive der frau, so zu agieren, wie sie das tut? was hat sie dazu gebracht, die zu werden, die sie ist? oder zu sein scheint? diese fragen stehen im film mehr im vordergrund, als action oder suspense.

san francisco als schauplatz der handlung erscheint etwas anders als gewohnt; die stadt erinnert sich an seine wurzeln, schlüsselszenen spielen an orten mit spanischer tradition und der coit tower (been there, and it was’nt that bad) wird als hässlich bezeichnet.

insgesamt ein mysteriöser film, der konsequent gegen die sehererwartungen arbeitet.

it’s that time of the year again, die golden globe nominierungen sind raus.

und jeder weiß, wohin das führt, nämlich direkt zu den oscars…

es wird wieder spannend, und ich liebe es!

kleinere spoiler möglich

jim sagt zu katherine:

du hast versucht, dir ein neues leben aufzubauen,
ohne verlogenheit und heuchelei,
du hast versucht, die liebe zu befreien,
aber wer soetwas wagt, muss selbst ohne egoismus sein

katherine (jeanne moreau) ist in jim (henri serre) verliebt. und auch in jules (oskar werner). jim und jules sind intellektuelle, schöngeister, literaten – und beste freunde. und jims bemerkung sagt eigentlich alles, was man über dreiecksbeziehung bzw. polyamory wissen muss. es ist möglich, aber nur unter bestimmten bedingungen und, wenn sich alle beteiligten zu dieser liebesform bekennen können. ironischerweise ist katherine – eigentlich die treibende kraft dahinter – diejenige, die damit am schlechtesten zurecht kommt.

wir schreiben 1912: katherine, jim und jules sind jung, gut situiert, haben keine zukunftssorgen. wenn es in paris regnet, dann fahren sie einfach ans meer und verbringen dort den sommer. das problem ist, dass sie am alltag scheitern und immer wieder, um jeden preis versuchen, die leichtigkeit der sommertage zurückzuholen.

das erinnert mich an scenes from an italian restaurant von billy joel bzw. an das, was joel über die menschen in dem song, brenda und eddy sagt: “they’re typically people who peak too early. if you’re too popular in high school you’re probably going to go downhill from there.” nun sind jules und co. keine amerikanischen jugendlichen, aber wie brenda und eddy entwickeln sie sich nicht weiter, stagnieren, klammern sich an ihre jugend und deren fantasien, die sich nicht in die realität umsetzen lassen.

jules und jim ist sehr frisch, sehr modern erzählt, in schnellen schnittfolgen, mit hilfe einer flotten erzählerstimme. truffaut benutzt in manchen szenen einen freeze frame, um eine stimmung festzuhalten und tatsächlich eignet sich praktisch jede einstellung dazu, sie in einem standbild einzufrieren, so ästhetisch sind die einzelnen augenblicke inszeniert. dabei spielt nicht nur liebe zu dritt eine rolle, sondern auch homoerotik und cross-dressing.

zu den schauspielern braucht man nicht viel zu sagen: oskar werner ist immer großartig und jeanne moreau gelingt es hier, den schwierigen charakter ihrer filmfigur sehr differenziert zu porträtieren. als zuseher schüttelt man vielleicht den kopf über sie, aber gleichzeitig zieht sie einen in ihren bann.

fazit: ich wollte diesen film seit gut 20 jahren sehen und trotz der aufgebauten hohen erwartungen hat er mich nicht enttäuscht. übrigens auch einer der great movies-filme von roger ebert.

weiter gehts mit der hitchcock collection und da haben wir diese woche rope (cocktail für eine leiche) und vertigo gesehen.

hitchcock nannte rope: “an experiment that didn’t work out”. mit experiment war gemeint, ein theaterstück in filmsprache zu übersetzen, dh. so gut wie keine schnitte (außer beim wechsel der filmrollen, ca. alle 10 minuten damals), einheit von zeit und ort. eigentlich sehr untypisch für hitchcock, der die möglichkeiten des films sehr schätze und lieber mit bildern erzählte als mit worten.

zum plot: zwei studenten ermordnen einen kommilitionen – david – (das ist kein spoiler, der film eröffnet damit) verstecken ihn in einer truhe und geben anschließend eine party, zu der sie sowohl davids eltern wie auch dessen ex-freundin und deren ex-freund, sowie ihren früheren kollege professor cadell (james stewart) einladen, der immer behauptet hat, ein perfekter mord sei eine kunst. und es wäre erlaubt, minderwertiges leben zu beseitigen. natürlich eine gefährliche nazi-diktion (der film wurde 1948 gedreht!)

das experiment mag schief gegangen sein, dennoch ist der film nicht uninteressant, in vielen details. als ich 1994 pulp fiction um kino gesehen habe, dachte ich, wie innovativ tarantino nicht ist und seine protagonisten miteinander reden lässt, während die kamera etwas ganz anderes filmt; mir kam das damals extrem mutig und modern vor. nun ja, hitch macht das in rope auch schon. außerdem nett: zwei protagonisten unterhalten sich über den neuen film von cary grant und ingrid bergmann, in dem beide so beeindruckend sind; leider fällt ihnen der titel nicht ein – es handelt sich um den 1946 gedrehten hitchcock film notorious. und hitchcock wollte cary grant ursprünglich auch als professor cadell besetzen, was dieser allerdings abgelehnt¹ hatte.

davon abgesehen bezieht rope die spannung aus der frage, ob man den beiden täter auf die schliche kommen kann und durch die erzählweise entsteht der eindruck der “unentrinnbarkeit”. das ist straff und anregend erzählt, in knappen 80 minuten.

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¹ grant wollte die rolle aufgrund ihrer homosexuellen untertöne nicht annehmen, da es zu der zeit gerüchte gab, grant selbst wäre homosexuell.

bei den opening credits von the birds betont hitchock eine schauspielerin besonders: “introducing tippi hedren” – seine entdeckung. hedren war eigentlich modell und wirkte in einem werbespot mit, als hitchcock auf sie aufmerksam wurde. sie war gerade mit ihrer vierjährgen tochter (hierbei handelt es sich um melanie griffith) nach los angeles gezogen. und hitch hatte seine lieblingsblondine grace kelly an fürst rainier von monaco “verloren”.

hitchcock band hedren mittels eines sieben-jahres vertrags an sich. er wollte einen großen star aus ihr machen, sie nach seinen vorstellungen formen. das ging soweit, dass er sich von privatdetektiven beschatten ließ und ihr vorschreiben wollte, wen sie in ihrer freizeit treffen sollte und wen nicht. es wäre untertrieben, würde man sagen, der mehr als dreißig jahre ältere hitchcock war in sie verliebt – er verfolgte sie mit obsession und quälte sie gleichzeitig auf sadistische art und weise. die szene in the birds, in denen sie mit den vögeln kämpft, wurde eine woche lang aufgenommen und erst beendet, als sie auf dem set zusammenbrach. kollegin jessica tandy¹ sagte damals, keine etablierte schauspielerin hätte das mit sich machen lassen, was hitch seiner newcomerin zumutete.

im nachfolgefilm marnie ging er noch einen schritt weiter und machte ihr einen sexuellen antrag. sie wies ihn ab, worauf er androhte, ihre karriere zu zerstören; was ihm auch gelang. sie bekam von ihm keine rollen mehr, anfragen von anderen regisseuren (u.a. truffaut) lehnte er ab. nachdem der vertrag auslief, hatte das interesse an ihrer person nachgelassen. hedren engagierte sich danach sehr für den tierschutz und fand darin eine neue aufgabe.

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¹ auch jessica tandy machte eine eher untypische filmkarriere: sie war ein star am broadway und gewann auch emmy und tony; ihren durchbruch in hollywood schaffte sie erst als achtzigjährige mit driving miss daisy, für den sie einen oscar erhielt. sie war damit die älteste schauspielerin, die mit einem oscar ausgezeichnet wurde (und hatte den vorteil, dass ihr der oscar-fluch nicht mehr soviel anhaben konnte). zwei jahre später wurde sie als nebendarstellerin für green fried tomatoes nochmals nominiert.