Category: kunstwerke

So, folgendes, es wird bisschen kompliziert. Ich kenne die Sängerin Charlie XCX so ungefähr seit zwei Wochen. Da habe ich nämlich Wuthering Heights gesehen und sie war verantwortlich für den Soundtrack. Natürlich hatte ich den Namen vorher schon mal gehört, aber nur so im Unterbewusstsein wahrgenommen. Den Soundtrack finde ich aber so gut und naja, diese Woche gibt es ein paar Vorstellungen ihrer Mockumentary The Moment.

Das Gartenbaukino war fast ausverkauft, ich habe aber in letzter Minute noch eine Karte bekommen. Und als ich dann so im Kino stehe, kam es mir irgendwie so vor als wäre ich auf einer Party, zu der ich gar nicht eingeladen worden bin. Denn ich bin nicht unter, sagen wir großzügig 33 und/oder ich bin nicht queer. Was mache ich alte (literally) Hete bei diesem Film harhar. Aber es gab zumindest noch einen anderen älteren Mann, wie mir die superwitzige Digital Creatorin Alisa Florentina heute erzählt hat, nachdem ich sie gestern dort gesehen und sie heute gleich mal einfach angeschrieben habe.

Nun zum Film, Spoiler gibt es eh nicht wirklich. The Moment handelt in einer semi-pseudo-realistischen Weise über die Konzerttournee, die Charlie XCX in Folge ihres Albums Brat und den von ihr ausgerufenen Brat Summer vorbereitet. Ich musste selbstredend Brat Summer googlen und ich mein, wie weit kann man von Jugendkultur entfernt sein, aber es ist leider so. Charlie XCX beschreibt das von ihr ins Leben gerufene Phänomen so: “Just, like, a pack of cigs, and, like, a BIC lighter and, like, a strappy white top. With no bra. That’s, like, kind of all you need.” Na gut, kein Wunder, dass ich davon keine Ahnung habe, harhar.

Jedenfalls war der Film wirklich höchst amüsant, gleichzeitig aber auch wirklich deep. Ihr seht, ich wechsle schon in so eine Art Jugendsprech. Was ich damit meine: Charlie XCX wird mit diesen Brat Summer Dings richtig erfolgreich, richtig angesagt, richtig populär. Und was kommt jetzt danach? Wie Eminem uns bereits aus seiner eigenen Erfarhung in seinem Song Lose Yourself mitteilte: “Superstardom is close to post-mortem”. Wie soll sie Brat in Szene setzen? Wie lange soll dieser Sommer dauern und was kommt danach? Und welches Publikum will sie eigentlich ansprechen? Hat sie jetzt so einen Taylor Swift Appeal und macht massentauglichen Stadienrock? Also der Inbegriff der großen Kunst versus Kommerz Kontroverse.

Im Film bilden sich mit ihrer Kreativdirektorin und Freundin Celeste (Hailey Gates), die die künstlerische Vision von Charlie XCX teilt und dem renommierten, vom Management geforderten, vor allem aber extrem arroganten deutschen Konzertfilme-Macher Johannes (Alexander Skarsgård) zwei Pole, die über die Deutungshohheit von Brat streiten. Johannes will zum Beispiel alles etwas familientauglicher und weniger “offensive” gestalten und als ihm Celeste dann sagt, Charlie singe nun mal beispielsweise über Kokain und er dann fragt, metaphorisch oder real und sie dann: “What is metaphorical cocaine?” Köstlich.

Wie das alles also vor sich geht, wie viele doppelte Böden, wie viel Selbstironie und Selbstbespiegelung, die sich selbst bespiegelt man hier vorfindet, ist ein Traum. Das liegt auch an den Schauspielern, die wieder eine Reihe von anderen Assoziationen nach sich ziehen, wie die Indie Ikone Rachel Senott oder Fleabag Weirdo Jamie Demetriou. Und es liegt natürlich vor allem daran, dass Charlie XCX charismatisch und enigmatisch ist, für mich zumindest. Ich verstehe den Hype um sie schon.

Schade und irgendwie unverständlich, dass es nur eine Handvoll Vorstellungen in Wien gibt.

Heute ein bisschen unbezahlte Werbung (wie immer übrigens) für die Uncut Berichterstattung von der Berlinale.

Vier Uncut Kollegen sind gerade in Berlin und berichten als österreichisches Medium quasi live – mit Berichten zu den Pressekonferenzen, vielen Fotos und Reviews zu den präsentierten Filmen.

Und ich beweise meine Begeisterung damit, dass mir Uncut Boss Harald direkt von der Pressekonferenz mit Judas Priest meinen eigenen Like zu einer Uncut Story auf seiner Smartwatch schickt, harhar, ich habe mich sehr amüsiert!

In diesem Sinne: Berlinale 2026 hier entlang. Viel Spaß!

Wie berichtet habe ich vor einigen Tagen No Other Choice von Park Chan-wook gesehen. Der Film wurde in Indie-Kreisen sehr gehypt und es wurde moniert, dass er bei den Oscars übergangen wurde. Nachdem ich ihn gesehen habe, verstehe ich das aber ehrlich gesagt schon irgendwie

Es geht um Man-su (Lee Byung-hun) einen Mann in mittleren Jahren, der mit Frau und zwei Kindern, sowie zwei extrem lieben Hunden in einem schönen Haus mit Garten lebt und als Manager in der Papierindustrie arbeitet. Er ist sehr zufrieden mit seinem Leben, er hat alles erreicht, als er plötzlich gekündigt wird, seine gehobene Existenz und sein ganzes Selbstverständnis steht auf dem Spiel. Nachdem die Jobs in seiner Branche rar geworden sind, versucht er, seine Konkurrenten um einen neue verantwortungsvolle Stelle ausfindig zu machen und sie zu “beseitigen”. Es bleibt ihm einfach keine andere Wahl…

ACHTUNG SPOILER

Dieser Plot hat mich an meine eigene Familiengeschichte erinnert: der Cousin meines Urgroßvaters war ein Giftmörder, genau aus diesem Grund, der Beseitigung der Konkurrenz. Aber ansonsten bin ich hier wirklich komplett außen vor geblieben, wahrscheinlich weil ich so viele Dinge hier nicht nachvollziehen konnte. Zum einen hat sich der Film in jeder Szene mehr von mir entfernt. Normalerweise fühlt man sich bei einem Film am Anfang fremd und der Regisseur oder die Regisseurin versucht einen dann mit den eigenen Mitteln immer näher zu heranzuziehen, immer mehr fühlt und versteht man dann im besten Fall, so empfinde ich das. Hier war es umgekehrt: Die erste Szene in der die Familie beim Grillen fand ich noch recht gut, die Charaktere wurden mit einfachen, wirkungsvollen Mitteln vorgestellt, doch danach entgleitet einem der Film. Die Narration ist so eigenartig, dass ich sogar gewisse Handlungspunkte erst später verstanden haben.

Gar nicht verstanden habe ich auch diesen Papierfabrik-Fetisch unserer Hauptperson. Also ok, ich verstehe schon, dass er diese Branche liebt und der Abschied schmerzt, wenn man dafür eine Leidenschaft und Expertise hat, aber er liebt auch Pflanzen. Warum hat er nicht versucht, eine Art Bellaflora (halt auf asiatisch) Manager zu werden? Ich meine, das ist immer noch besser, als potentiell, drei, vier, fünf Menschen töten zu müssen, oder? Und wie wird dieser doch recht sensible Mensch zu einem Killer, der beim ersten Mord noch recht patschert durch die Szenerie stolpert, im Laufe der Zeit aber Dinge mit den Leichen tut, für die man eine Expertise in diesem Bereich bräuchte (und die Kaltblütigkeit noch dazu). Insofern ist es schwer, sich irgendwie mit dem Protagonisten oder sonst wem zu identifizieren. Was auch nicht unbedingt sein muss, wenn der Film sonst irgendwas spannendes zu bieten hätte – man denke an Amarcord von Fellini, da gibt es gar keinen richtigen Protagonisten, der porträitiert einfach Rimini, aber es einfach extrem interessant und stimmungsvoll. Aber No Other Choice bietet für mich halt irgendwie nichts in die Richtung.

To be fair, es gibt auch in No Other Choice zwei, drei wirklich gute Szenen. Eine davon ist die, als Man-su ins Haus eines potentiellen Opfers eindringt. Dort läuft die Stereoanlage und Man-su dreht die Musik noch lauter, damit man die bald folgenden Schüsse nicht hören soll. Davor kommt es aber zu einer Konfrontation mit seinem Opfer in spe und zu einem Wortwechsel, aber niemand dreht die Musik wieder leiser, sodass sich die Kontrahenden anschreien müssen (und man die Dialoge nur noch in den Untertiteln lesen kann), das war recht skurill und komisch. Oder als Man-su versucht, jemandem mit einem Blumentopf zu erschlagen und als er diesen so über seinen Kopf hebt, rinnt unten was Wasser raus. Oder die Szene, als Man-su seinen Kindern eröffnet, man habe nicht mehr genug Geld, um alle Mäuler zu stopfen, und der große Bruder schützend den Arm um seine Schwester legt. Im Endeffekt kommen dann die Hunde zu den Großeltern.

Und das war ehrlich gesagt das Einzige, was mich an dem Film dann noch interessiert hat, können die Hunde wieder zurückkommen, die vor allem von dem kleinen Mädchen schmerzlich vermisst werden, harhar. Und das schon irgendwie süß, aber irgendwie auch ein bisschen dürftig für einen Film mit dieser Thematik und Theatralik.

Es handelt sich offenbar um ein weltweites Embargo harhar, Wahnsinn.

Ich sitze derweil hier und grüble, was ich darüber schreiben soll, mein Kopf ist so voll. Da lese ich ein Zitat von dem italienischen Avantdgarde Regisseur Michelangelo Antonino, der sagte: “Un film che si può raccontare a parole non è veramente un film”. Heißt: “Ein Film, den man mit Worten beschreiben kann, ist nicht wirklich ein Film.” Harhar, das macht uns halt alle arbeitslos, aber heute fühl ich das.

Und, was also Film Twitter so sagt (ich zitiere nur!):

Ich habe mich jetzt über ein Monat darum gedrückt, etwas über Sorry, Baby, den Debütfilm der nonbinären Person Eva Victor zu schreiben. Weil ich mich eigentlich nur in die Nesseln setzen kann, wenn ich meine ehrliche Meinung darüber schreibe, die fast allem widerspricht, was ich über diesen Film so lese. Ach ich sage einmal worum es geht.

In Sorry, Baby wird über das Leben der jungen Literaturwissenschafterin Agnes (Eva Victor selbst) erzählt, die ein traumatisches Erlebnis erfahren hat und dieses bewältigen muss. Die Zeitebenen wechseln, konstant bleibt aber die Freundschaft zu ihrer Freundin Lydie (Naomie Ackie), die gerade von ihrer nonbinären Partnerperson schwanger ist…

ACHTUNG MASSIVE SPOILER UND GRÜNDE SICH ÜBER MICH AUFZUREGEN FOLGEN

Agnes ist zum Zeitpunkt des einsetzens der Handlung Mitte 20 Jahre alt und gerade dabei ihr Studium abzuschließen, in dem sie extrem erfolgreich ist und auch die Aussicht auf eine Festanstellung hat. Sie ist ein bisschen in ihren Professor verliebt, der ihre Dissertation betreut und es gibt ein Gespräch mit Lydie, über eine gewisse sexuelle Spannung zwischen ihnen. Agnes ist ausdrücklich ambivalent, sollte es zu einer Annährung kommen, sie ist nicht klar ablehnend, sie fühlt sich auch geschmeichelt. Kurze Zeit später findet eine Besprechung beim Professor zuhause (!) statt. Es kommt zu Küssen, die Agnes nicht abwehrt. Sie wird nicht festgehalten oder bedroht, das erzählt sie nachher wiederum Lydie, aber verlässt sein Haus trotzdem nicht. Sie artikuliert auch nicht ihren Widerwillen. Als er mehr will, schiebt sie seine Hand zwar weg, küsst ihn aber weiter. Irgendwann kommt es zum Versuch des GV, den Agnes allerdings sofort beendet. Dann verlässt sie sein Haus, zurück bleibt ein Trauma, das Jahre anhalten soll.

Ich bin ehrlich, ich mag es nicht, wie hier eine erwachsene Frau als komplett wehrloses Opfer der Situation und der Umstände dargestellt wird, die sie schon vorher mit ihrer Freundin andiskutiert (also irgendwie antizipiert), und in die sie sich letztendlich freiwillig begibt. Ich verstehe nicht, wieso sie einen Mann zu Hause besucht, bei dem sie sich unwohl fühlt oder den Eindruck hat, es könnte etwas geschehen, was sie nicht möchte. Wobei sie ja nicht wirklich sicher ist,was genau sie möchte und was nicht. Ich finde, ich habe als erwachsene Frau, noch dazu mit einer gewissen “Awareness”, auch eine Selbstverantwortung, wenn ich mich freiwillig in unklare Situationen begebe und in diesen verharre. Agnes liest zwei Jahre später mit ihren dann eigenen Studentinnen und Studenten Lolita von Nabokov, was mich auch verstört hat. Zieht sie irgendwelche Parallelen zwischen sich und einem 12-jährigen Kind?

Die Vergleiche, die in manchen Rezensionen zu Frauenfiguren wie Fleabag oder einigen der Figuren, die Greta Gerwig verkörpert hat, gezogen werden, verstehe ich ebenfalls überhaupt nicht. Ja, auch diese Protagonistinnen kämpfen mit ihrem Leben, dem Platz in der Welt und teilweise riesigen Selbstzweifeln. Man denke nur an diese Entscheidung, die Fleabag getroffen hat, die sich als fatal herausstellte, und mit der sie fortan aber für den Rest ihrer Tage leben muss. Es kam aber nie der Punkt, an dem Fleabag angefangen hat, sich selbst nur noch zu bemitleiden oder jegliche (Mit)Verantwortung dafür von sich zu weisen. Das hat mir an ihrer Figur gefallen und gerade deshalb war sie so sympathisch und authentisch. Nicht, weil sie immer alles “richtig” gemacht hat, sondern weil sie sich selbst reflektiert hat, weil sie sich weiterentwickelt hat. Und das sehe ich bei Agnes überhaupt nicht, ganz im Gegenteil, ohne jetzt den schmierigen Professor zu entschuldigen, der von Anfang an irgendwie “fishy” wirkt.

Ich habe mich gefragt, ob uns der Film vielleicht unterhalb der Oberfläche erzählen will, dass Agnes autistisch, “auf dem Spektrum” ist, dass sie vielleicht gar nicht so selbsbestimmt sein kann wie man annehmen könnte. Das würde für mich dann schon Sinn ergeben, wenn es etwas gäbe, dass sie in ihrer Handlungsfähigkeit klar einschränkt. Allerdings ist das eine reine Vermutung von mir aus lauter Ratlosigkeit, es wird nirgendwo erzählt, nicht einmal in einer kurzen Bemerkung.

So jetzt habe ich ur lange über diese Prämisse geschrieben und sonst nix. Aber das ist halt leider das Problem, dass alles andere zweitrangig ist, wenn man schon solche Schwierigkeiten mit der Ausgangssituation hat. Sorry Baby ist ein Indie-Film und als solcher erzähltechnisch okay, wenn man das mag. Er hat zwei, drei interessante Regieentscheidungen, er hat eine wirklich gute Szene mit John Caroll Lynch, der sonst immer irgendwie die kalblütigen Typen und Mörder spielt und in diesem Film nur in diesen paar Minuten vorkommt, diesmal aber einen netten Herren von nebenan verkörpern darf. Es gibt dann auch leider noch etliche andere Dinge, die mir in diesem Film überhaupt nicht gefallen haben, auf die ich jetzt gar nicht eingehen will, sonst kriege ich noch einen Shitstorm, harhar.

Fazit: Sorry, Baby!