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The Secret Agent, im Original O Agente Secreto ist ein Film des Regisseurs Kleber Mendonça Filho, den ich, muss ich zugeben, bisher nicht kannte.

Der Thriller spielt im Brasilien des Jahres 1977, als dort eine Militärdikatur herrschte, gesprochen wird demzufolge Portugiesisch und der Film handelt von Marcelo (Wagner Moura), der – nun ja, wie formuliere ich das ohne zu spoilern – gewisse Dinge erlebt. Dinge, die Jahre später von zwei Transkribientinnen (yeah, I am feeling seen!) an einer Uni aufgearbeitet werden, Ort der Handlung ist Recife, der Heimatstadt des Regisseurs.

Und ab hier gibt es Spoiler, weil man sonst nichts schreiben kann

Einer der besten Filme des Jahres, wie das Filmplakat sagt? Nun ja, auf jedenfall einer der wagemutigsten, die ich da kurz vor Jahresende noch gesehen habe. Und ich sage es gleich, ich liebe an diesem Film neben dem super Hauptdarsteller, den ich bisher nur aus Civil War kannte (wo er sich recht unauffällig verhalten hat) und dem wirklich tollen Vibe der 1970er (Musik, Bilder, Mode) Jahre, vor allem die formalen Finessen die uns dieser Film zu bieten hat. Er ist eventuell eine Spur zu lang aber sein Regisseur tut absolut nichts, was wir von ihm erwarten und das finde ich tendenziell immer super, vor allem, wenn es dabei nicht prätentiös ist.

Zunächst einmal geht es gar nicht um einen Geheimagenten. Es geht aber um Korruption und um die, die die Regeln machen können, weil sie in den dementsprechend Positionen sitzen, und diese Regeln haben überhaupt nichts mit Gerechtigkeit und Menschlichkeit zu tun. Es geht um Bespitzelung und Auftragsmord. Es geht überhaupt viel um den Tod, der hier oft so nebenbei passiert, das alles andere wichtiger scheint – vor allem der Karneval, der wiederum auch wieder über 90 Todesopfer fordert. Es geht darum eine Geschichte von ihren Rändern her zu erzählen, was ein langsames Erkennen bei den Zusehern auslöst. Der dramaturgische Höhepunkt findet quasi abseits der Kamera statt, wir erfahren von ihm über einen Umweg. Und es geht teilweise absurd bis grotesk zu, dementsprechende Elemente (ich sage nur abgetrenntes Bein, ich sage nur VW Käfer, ich sage nur zweiköpfige Katze) fügen sich erstaunlich gut in die Haupthandlung ein.

Und so fühlt man an einem kalten Dezembertag die schwüle brasilianische Hitze, die einem durch Männer mit permanent bis zum Bauchnabel offenen Hemden und Frauen ohne BH vermittelt wird, und man denkt sich, wie schön nicht alles sein könnte, wären manche Menschen nicht solche Monster, aber dann gibt es noch die anderen, die selbstlos füreinander da sind.

Und so denken wir vielleicht über die Welt als Ganzes nach und kommen wahrscheinlich zu keinem Schluss, fühlen uns aber trotzdem bereichert.

Nachdem ich mir schon neue Winterschuhe gekauft habe, hab ich mir gedacht, ich schenke mir auch selbst was zu Weihnachten.

Das Geschenk kam aber eine Woche zu früh, genau an meinem Namenstag, weshalb ich es zum Namenstagsgeschenk umgewidmet habe, damit ich es direkt auspacken kann. Meinen Namenstag, den es im Prinzip eh nicht wirklich gibt, kennt aber praktisch niemand, außer die Shopapotheke, die mir komischerweise immer gratulieren.

Ich habe das auf Etsy entdeckt und finde es total süß. Zu Weihnachten werde ich es in den Garten mitnehmen und dort auf meine Kommode im ersten Stock stellen.

Das Kind so: Und schaffst du noch die 100 heuer? Ehrlicherweise: Wahrscheinlich eher 95.

Und by the way, eine Weltüberleitung: In den nächsten Tagen wird die Uncut-Redaktion ihre Topfilme des Jahres 2025 enthüllen, man darf gespannt sein. Ich weiß selbst noch nicht, was die anderen so wählen werden. Bei mir ist die Frage: Wie viele Filme aus Norwegen werden auf dieser Liste sein? Also ich weiß es eh schon, harhar. Stay tuned!

Jay Kelly ist der neue Film des Regisseurs Noah Baumbach (The Squid and the Whale, Frances Ha, Mistress America, Marriage Story – habe ich alle gesehen, mochte ich auch alle), der hierzulande leider keinen Kinostart bekommen hat und nur auf Netflix zu sehen ist.

Jay Kelly (George Clooney) ist ein berühmter Hollywood-Star, immer umgeben von seiner Entourage, an der Spitze sein warmherziger Manager Ron (Adam Sandler) und seine zunehmend genervte PR-Frau Liz (Laura Dern), hat scheinbar alles, was man sich erträumen kann. Beruflich höchst erfolgreich und beliebt, sind die Beziehungen zu seinen beiden Töchtern und seinem Vater allerdings komplizierter. Auf einer Europareise beginnt er, seine Lebensentscheidungen zu hinterfragen…

WIRKLICHE SPOILER GIBT ES KAUM, WEIL EH NIX PASSIERT

Das ist einer dieser Filme, bei denen die Besprechung im fm4 Filmpodcast interessanter war als das Werk an sich, sorry Mr. Baumbach. Pia Reiser meinte, für sie fangen die Probleme schon beim Namen an. “Wenn man sich einen Namen ausdenken kann, von allen Namen in der Welt, warum dann Jay Kelly?” harhar, das stimmt irgendwie.

Ich persönlich habe mich gefragt, wohin Baumbach mit diesem Film eigentlich will. Für eine Komödie ist er weder witzig noch zynisch genugt, für eine Charakterstudie ist er zu oberflächlich, vor allem aber ist er vollkommen unfokussiert. Baumbach will nicht nur das komplizierte Verhältnis zu gleich zwei Töchtern beleuchten, nein, auch Jays Vater muss ins Spiel kommen, gleichzeitig beginnnt aber auch eine generelle Sinnsuche und Identitätskrise. Es ist einfach zu viel (und gleichzeitig zu wenig)

Auch stilistisch ist das nicht meine Baustelle. Baumbach entscheidet sich für Rückblicke auf das Leben des jungen Jay, die so eine plumpe weichzeichnerische Ästhetik haben, dass ich mich irgendwie manipuliert gefühlt habe. Ähnliches gilt für den Moment, als Jay auf einer großen Leinwand Filmausschnitte seiner alten Filme ansieht – es sind übrigens lauter Clooney Werke (ohne Emergency Room) Clooney ist also quasi von Clooney ergriffen, das ist mir irgendwie zu nahe an der Realität, harhar. Auf X schrieb jemand, Baumbach sei zu jung für so eine weinerliche Lebensrückschau und Clooney ist das im Grunde ebenfalls. Obwohl, wie es im Film heißt: “Du bist nicht mehr 25. Du bist auch nicht mehr 55”. Okay, das war lustig. Pia Reiser und Christian Fuchs haben auch die klischeebeladene Szene in einem italienischen Zug sehr schrecklich gefunden. Reiser: “Ich hab mir überlegt, ob ich vielleicht irgendeine Fellini Referenz da nicht verstanden habe.” harhar

Dazu kommt, dass George Clooney das tut, was er immer macht, es ist nicht sehr überraschend. Anders liegt der Fall bei Adam Sandler, der hier in einem der Filme zu sehen ist, die zeigen, dass er um einiges vielschichtiger ist als wofür er meistens besetzt wird. Tatsächlich hätte mich die Beziehung zwischen Jay und ihm, dem Manager, wohl auch deshalb am meisten interessiert. Vielleicht wäre ein Film, der die Perspektive von Ron eingenommen hätte, auch ein spannenderer gewesen, weil die Figur von Ron einfach die komplexere und besser gespielte ist.

Jemand auf letterboxd schrieb über Jay Kelly: “The Netflixication of Sentimental Value.” Das ist wahr, gleiches Thema, komplett anderer Outcome, oder:

Jay Kelly hat mich dagegen nicht überzeugt. Leider.

In die Sonne schauen ist die diesjährige deutsche Einreichung für die Oscar-Kategorie “Best international Film.” Es handelt sich um das zweite Werk der Regisseurin Mascha Schilinski und ich habe den Film im immer gemütlichen Cinecenter gesehen.

Der Film umspannt in zweieinhalb Stunden einen Zeitraum von über 100 Jahren, ab 1910 bis in die Gegenwart und erzählt von vier Familien, vor allem vier Mädchen bzw jungen Frauen, die in verschiedenen Jahrzehnten auf demselben Vierkanthof in Norddeutschland aufwachsen und deren Schicksale merkwürdig ineinander verwoben zu sein scheinen…

WIE IMMER SPOILER MÖGLICH

So, ich werde jetzt mal bekennen, welche Vorurteile ich hier hatte, harhar. Deutscher Film, trübes Wetter, alles sehr ernst, ein Jahrhundert mit zwei Kriegen umspannend und über zweieinhalb Stunden lang, da habe ich mir sehr viel Elend und Bräsigkeit (um ein typisch bundesdeutsches Wort zu verwenden) erwartet. Ich will jetzt nicht sagen, dass dieser Film das Prädikat “feelgood” verdienen würde, das tut er nicht, er ist schon ziemlich dunkel und die Regisseurin/Drehbuchautorinnen scheinen eine merkwürdige Todessehnsucht zu haben, harhar. Aber- und das sage ich nicht oft: Hier hatte die Regisseurin eine wirkliche künstlerische Vision, die ich zwar nicht zur Gänze verstanden habe, die mich aber tief beeindruckt und fasziniert hat. Vor allem deswegen, weil sie eben nicht das macht, was man sich von dieser Art von Film erwartet, sondern wirklich Kunst – ohne dabei prätentiös zu sein.

Beschreiben kann man das gar nicht so leicht. Der Film zeichnet sich auch weniger durch eine durchgehende Narration aus, sondern ist viel mehr eine Collage, deren zeitliche Ebenen immer wieder wechseln, ein Mosaik aus rätselhaften Stimmungen und an Ungesagtem, mit einem gewissen Ausmaß von generational Trauma und natürlich auch an den gesellschaftlichen Zwängen der jeweiligen Zeit. Gleich am Anfang wohnen wir einem Totengedenken bei (wie könnte es anders sein) und die kleine Alma entdeckt auf einer Totenfotografie (!) ein Mädchen, das gleichalt ist wie sie gerade und auch genauso aussieht. Und wir als Zuschauer fragen uns, befinden wir uns jetzt in einer Phantasie? Oder ist das eine verstorbene Schwester, die nicht thematisiert wurde? Ist Alma quasi ein “Ersatz”? Irgendwie bekommt man dabei Gänsehaut, man ist aber auch gleichzeitig seltsam angezogen. Und dieses Gefühl begleitet einen durch den Film, sehr viele Szenen sind nicht auserzählt, sondern nur geheimnisvoll angedeutet. Findet man einen roten Faden, muss man diesen überhaupt suchen?

Wie schon in Sentimental Value spielt hier das Haus eine große Rolle. Was haben diese Mauern schon “gesehen” und wird etwas davon weitergegeben, ein gewisser Geist auch wenn man 30, 70, 100 Jahre später darin wohnt? Wenig Rolle spielen hingegen Männer, sie werden – einmal umgekehrt – vor allem aus dem Blickwinkel von Mädchen und Frauen gezeigt. Ein Blick, der sehr oft durch Schlüssellöcher und Fenster fällt, der da ist, wo er nicht sein sollte. Wenig Rolle spielen auch die Nationalsozialisten eine besonders interessante Entscheidung, eine fast revolutionäre Idee, das hier wegzulassen, obwohl der 1. Weltkrieg und die DDR Zeit sehr wohl einbezogen wird. Neben der suggestiven Bildsprache werden viele Sätze gesprochen, die lange nachhallen wie (eigentlich über eine Amputation) “Schon komisch, dass einem etwas wehtun kann, was gar nicht mehr da ist.” Wer fühlt das nicht, Dinge, die wehtun, obwohl sie nicht mehr da sind.

Ich sage es, wie es für mich ist: das ist ein wirklich großartiger Film.

Am Mittwoch bin ich recht nonchalant quasi Zeugin einer Film-Weltpremiere geworden.

Diese hat im Admiralkino stattgefunden. Der Film heißt After the Act und ich habe da schon vor einem Monat eine Karte reserviert, weil mich das Thema interessiert hat. 24 Stunden im Leben dreier Menschen, es geht um Liebe und Betrug, Eifersucht, Reue, Wut, Rachsucht et al. und sowas interessiert mich ja immer sehr.

Als ich zum Kino kam, stand da schon eine Gruppe von Menschen und ich habe ziemlich schnell kapiert, dass das quasi die Filmcrew (Regisseurin, Drehbuchautor, Hauptdarstellerin) und deren Freunde sind. Ich war quasi der “normale Zuschauer” harhar. Naja, ein paar mehr wurden wir dann aber schon noch. Aber nicht so viele, wie der Film verdient hätte.

Links das Plakat von mir fotografiert, rechts die Hauptdarstellerin davor. Als sie hier fotografiert wurde, stehe ich so circa eineinhalb Meter daneben (nicht im Bild) harhar.

Zum Film sag ich ein anderes mal was, heute mal soviel, dass ich an das Admiralkino sehr schöne Erinnerungen habe, die mit einer Sommernacht vor einigen Jahre zu tun habe, damals gab es Ladybird von Greta Gerwig. Das Kino ist klein, liebevoll dekoriert, mit sehr freundlichen Menschen, die es führen. Die Sitze sind bequem und man hat viel Platz. Es war wirklich ein schöner Abend mit anschließendem Q&A.

Heute habe ich dann gleich allen auf Insta gefolgt, und der Regisseurin geschrieben, die mir sofort geantwortet hat:

Ja selbstverständlich supporte ich Indie Filme harhar. Schon seit meiner Jugend sitze ich in zuweilen zugigen und manchmal etwas abgeranzten Kinos, um solche Produktionen zu sehen. Aber ich bin kein Arthaus-Snob, mir geht es um den Plot, die Stimmung, einfach das Gefühl, das ich dazu antizipiere, im Zweifelsfall egal ob es ein “Indie Film” ist oder nicht.

Es stimmt aber, wie in der bisher einzigen Kritik (harhar) zu dem Film zu lesen ist, dass Independent Kino manchmal etwas leistet, was größere Produktionen so nicht könnnen. Das war hier deutlich spürbar.