Category: film

Nachdem ich mir schon neue Winterschuhe gekauft habe, hab ich mir gedacht, ich schenke mir auch selbst was zu Weihnachten.

Das Geschenk kam aber eine Woche zu früh, genau an meinem Namenstag, weshalb ich es zum Namenstagsgeschenk umgewidmet habe, damit ich es direkt auspacken kann. Meinen Namenstag, den es im Prinzip eh nicht wirklich gibt, kennt aber praktisch niemand, außer die Shopapotheke, die mir komischerweise immer gratulieren.

Ich habe das auf Etsy entdeckt und finde es total süß. Zu Weihnachten werde ich es in den Garten mitnehmen und dort auf meine Kommode im ersten Stock stellen.

Das Kind so: Und schaffst du noch die 100 heuer? Ehrlicherweise: Wahrscheinlich eher 95.

Und by the way, eine Weltüberleitung: In den nächsten Tagen wird die Uncut-Redaktion ihre Topfilme des Jahres 2025 enthüllen, man darf gespannt sein. Ich weiß selbst noch nicht, was die anderen so wählen werden. Bei mir ist die Frage: Wie viele Filme aus Norwegen werden auf dieser Liste sein? Also ich weiß es eh schon, harhar. Stay tuned!

Jay Kelly ist der neue Film des Regisseurs Noah Baumbach (The Squid and the Whale, Frances Ha, Mistress America, Marriage Story – habe ich alle gesehen, mochte ich auch alle), der hierzulande leider keinen Kinostart bekommen hat und nur auf Netflix zu sehen ist.

Jay Kelly (George Clooney) ist ein berühmter Hollywood-Star, immer umgeben von seiner Entourage, an der Spitze sein warmherziger Manager Ron (Adam Sandler) und seine zunehmend genervte PR-Frau Liz (Laura Dern), hat scheinbar alles, was man sich erträumen kann. Beruflich höchst erfolgreich und beliebt, sind die Beziehungen zu seinen beiden Töchtern und seinem Vater allerdings komplizierter. Auf einer Europareise beginnt er, seine Lebensentscheidungen zu hinterfragen…

WIRKLICHE SPOILER GIBT ES KAUM, WEIL EH NIX PASSIERT

Das ist einer dieser Filme, bei denen die Besprechung im fm4 Filmpodcast interessanter war als das Werk an sich, sorry Mr. Baumbach. Pia Reiser meinte, für sie fangen die Probleme schon beim Namen an. “Wenn man sich einen Namen ausdenken kann, von allen Namen in der Welt, warum dann Jay Kelly?” harhar, das stimmt irgendwie.

Ich persönlich habe mich gefragt, wohin Baumbach mit diesem Film eigentlich will. Für eine Komödie ist er weder witzig noch zynisch genugt, für eine Charakterstudie ist er zu oberflächlich, vor allem aber ist er vollkommen unfokussiert. Baumbach will nicht nur das komplizierte Verhältnis zu gleich zwei Töchtern beleuchten, nein, auch Jays Vater muss ins Spiel kommen, gleichzeitig beginnnt aber auch eine generelle Sinnsuche und Identitätskrise. Es ist einfach zu viel (und gleichzeitig zu wenig)

Auch stilistisch ist das nicht meine Baustelle. Baumbach entscheidet sich für Rückblicke auf das Leben des jungen Jay, die so eine plumpe weichzeichnerische Ästhetik haben, dass ich mich irgendwie manipuliert gefühlt habe. Ähnliches gilt für den Moment, als Jay auf einer großen Leinwand Filmausschnitte seiner alten Filme ansieht – es sind übrigens lauter Clooney Werke (ohne Emergency Room) Clooney ist also quasi von Clooney ergriffen, das ist mir irgendwie zu nahe an der Realität, harhar. Auf X schrieb jemand, Baumbach sei zu jung für so eine weinerliche Lebensrückschau und Clooney ist das im Grunde ebenfalls. Obwohl, wie es im Film heißt: “Du bist nicht mehr 25. Du bist auch nicht mehr 55”. Okay, das war lustig. Pia Reiser und Christian Fuchs haben auch die klischeebeladene Szene in einem italienischen Zug sehr schrecklich gefunden. Reiser: “Ich hab mir überlegt, ob ich vielleicht irgendeine Fellini Referenz da nicht verstanden habe.” harhar

Dazu kommt, dass George Clooney das tut, was er immer macht, es ist nicht sehr überraschend. Anders liegt der Fall bei Adam Sandler, der hier in einem der Filme zu sehen ist, die zeigen, dass er um einiges vielschichtiger ist als wofür er meistens besetzt wird. Tatsächlich hätte mich die Beziehung zwischen Jay und ihm, dem Manager, wohl auch deshalb am meisten interessiert. Vielleicht wäre ein Film, der die Perspektive von Ron eingenommen hätte, auch ein spannenderer gewesen, weil die Figur von Ron einfach die komplexere und besser gespielte ist.

Jemand auf letterboxd schrieb über Jay Kelly: “The Netflixication of Sentimental Value.” Das ist wahr, gleiches Thema, komplett anderer Outcome, oder:

Jay Kelly hat mich dagegen nicht überzeugt. Leider.

In die Sonne schauen ist die diesjährige deutsche Einreichung für die Oscar-Kategorie “Best international Film.” Es handelt sich um das zweite Werk der Regisseurin Mascha Schilinski und ich habe den Film im immer gemütlichen Cinecenter gesehen.

Der Film umspannt in zweieinhalb Stunden einen Zeitraum von über 100 Jahren, ab 1910 bis in die Gegenwart und erzählt von vier Familien, vor allem vier Mädchen bzw jungen Frauen, die in verschiedenen Jahrzehnten auf demselben Vierkanthof in Norddeutschland aufwachsen und deren Schicksale merkwürdig ineinander verwoben zu sein scheinen…

WIE IMMER SPOILER MÖGLICH

So, ich werde jetzt mal bekennen, welche Vorurteile ich hier hatte, harhar. Deutscher Film, trübes Wetter, alles sehr ernst, ein Jahrhundert mit zwei Kriegen umspannend und über zweieinhalb Stunden lang, da habe ich mir sehr viel Elend und Bräsigkeit (um ein typisch bundesdeutsches Wort zu verwenden) erwartet. Ich will jetzt nicht sagen, dass dieser Film das Prädikat “feelgood” verdienen würde, das tut er nicht, er ist schon ziemlich dunkel und die Regisseurin/Drehbuchautorinnen scheinen eine merkwürdige Todessehnsucht zu haben, harhar. Aber- und das sage ich nicht oft: Hier hatte die Regisseurin eine wirkliche künstlerische Vision, die ich zwar nicht zur Gänze verstanden habe, die mich aber tief beeindruckt und fasziniert hat. Vor allem deswegen, weil sie eben nicht das macht, was man sich von dieser Art von Film erwartet, sondern wirklich Kunst – ohne dabei prätentiös zu sein.

Beschreiben kann man das gar nicht so leicht. Der Film zeichnet sich auch weniger durch eine durchgehende Narration aus, sondern ist viel mehr eine Collage, deren zeitliche Ebenen immer wieder wechseln, ein Mosaik aus rätselhaften Stimmungen und an Ungesagtem, mit einem gewissen Ausmaß von generational Trauma und natürlich auch an den gesellschaftlichen Zwängen der jeweiligen Zeit. Gleich am Anfang wohnen wir einem Totengedenken bei (wie könnte es anders sein) und die kleine Alma entdeckt auf einer Totenfotografie (!) ein Mädchen, das gleichalt ist wie sie gerade und auch genauso aussieht. Und wir als Zuschauer fragen uns, befinden wir uns jetzt in einer Phantasie? Oder ist das eine verstorbene Schwester, die nicht thematisiert wurde? Ist Alma quasi ein “Ersatz”? Irgendwie bekommt man dabei Gänsehaut, man ist aber auch gleichzeitig seltsam angezogen. Und dieses Gefühl begleitet einen durch den Film, sehr viele Szenen sind nicht auserzählt, sondern nur geheimnisvoll angedeutet. Findet man einen roten Faden, muss man diesen überhaupt suchen?

Wie schon in Sentimental Value spielt hier das Haus eine große Rolle. Was haben diese Mauern schon “gesehen” und wird etwas davon weitergegeben, ein gewisser Geist auch wenn man 30, 70, 100 Jahre später darin wohnt? Wenig Rolle spielen hingegen Männer, sie werden – einmal umgekehrt – vor allem aus dem Blickwinkel von Mädchen und Frauen gezeigt. Ein Blick, der sehr oft durch Schlüssellöcher und Fenster fällt, der da ist, wo er nicht sein sollte. Wenig Rolle spielen auch die Nationalsozialisten eine besonders interessante Entscheidung, eine fast revolutionäre Idee, das hier wegzulassen, obwohl der 1. Weltkrieg und die DDR Zeit sehr wohl einbezogen wird. Neben der suggestiven Bildsprache werden viele Sätze gesprochen, die lange nachhallen wie (eigentlich über eine Amputation) “Schon komisch, dass einem etwas wehtun kann, was gar nicht mehr da ist.” Wer fühlt das nicht, Dinge, die wehtun, obwohl sie nicht mehr da sind.

Ich sage es, wie es für mich ist: das ist ein wirklich großartiger Film.

Am Mittwoch bin ich recht nonchalant quasi Zeugin einer Film-Weltpremiere geworden.

Diese hat im Admiralkino stattgefunden. Der Film heißt After the Act und ich habe da schon vor einem Monat eine Karte reserviert, weil mich das Thema interessiert hat. 24 Stunden im Leben dreier Menschen, es geht um Liebe und Betrug, Eifersucht, Reue, Wut, Rachsucht et al. und sowas interessiert mich ja immer sehr.

Als ich zum Kino kam, stand da schon eine Gruppe von Menschen und ich habe ziemlich schnell kapiert, dass das quasi die Filmcrew (Regisseurin, Drehbuchautor, Hauptdarstellerin) und deren Freunde sind. Ich war quasi der “normale Zuschauer” harhar. Naja, ein paar mehr wurden wir dann aber schon noch. Aber nicht so viele, wie der Film verdient hätte.

Links das Plakat von mir fotografiert, rechts die Hauptdarstellerin davor. Als sie hier fotografiert wurde, stehe ich so circa eineinhalb Meter daneben (nicht im Bild) harhar.

Zum Film sag ich ein anderes mal was, heute mal soviel, dass ich an das Admiralkino sehr schöne Erinnerungen habe, die mit einer Sommernacht vor einigen Jahre zu tun habe, damals gab es Ladybird von Greta Gerwig. Das Kino ist klein, liebevoll dekoriert, mit sehr freundlichen Menschen, die es führen. Die Sitze sind bequem und man hat viel Platz. Es war wirklich ein schöner Abend mit anschließendem Q&A.

Heute habe ich dann gleich allen auf Insta gefolgt, und der Regisseurin geschrieben, die mir sofort geantwortet hat:

Ja selbstverständlich supporte ich Indie Filme harhar. Schon seit meiner Jugend sitze ich in zuweilen zugigen und manchmal etwas abgeranzten Kinos, um solche Produktionen zu sehen. Aber ich bin kein Arthaus-Snob, mir geht es um den Plot, die Stimmung, einfach das Gefühl, das ich dazu antizipiere, im Zweifelsfall egal ob es ein “Indie Film” ist oder nicht.

Es stimmt aber, wie in der bisher einzigen Kritik (harhar) zu dem Film zu lesen ist, dass Independent Kino manchmal etwas leistet, was größere Produktionen so nicht könnnen. Das war hier deutlich spürbar.

Train Dreams heißt der neue Film von Regisseur Clint Bentley, von dessen Häftlinge-spielen-Theater Film Sing Sing ich schon vor einigen Monaten ein bisschen unterwältigt war.

In Train Dreams geht es, nach einer wahren Begebenheit, um das Leben von Robert Grainier (Joel Edgerton) ab dem Jahr 1917. Grainier, der als Holzfäller beim Eisenbahnbau in den USA tätig ist und mit seiner Frau Gladys (Felicity Jones) und der Babytochter in einer bescheidenen Hütte lebt. Obwohl die Arbeit hart ist und die Zeiten schwierig, ist Robert glücklich mit seiner Familie, doch die Dinge verändern sich…

ACHTUNG GRÖBERE SPOILER

Als ich gelesen habe, dass es hier um einen Tagelöhner und sein Leben geht, dass sich durch weite Teile des 20. Jahrhunderts erstreckt dachte ich mir schon, dass das jetzt nicht unbedingt der Film sein wird, auf den ich sehnsüchtig gewartet habe. Ich las aber doch viel Positives darüber auf X und anderen Plattformen und da auch dieser Film Oscar-verdächtig ist, habe ich ihn mir also auf Netflix angesehen.

Ich habe das Wort “dröge” fast ausschließlich in meinem passiven Wortschatz, verwende es aber hin und wieder gerne in Bezug auf Filme. So auch hier, harhar. Es tut mir leid, aber was war das, außer ein ziemlich offensichtlicher “Oscar-Bait” Film von oben genanntem Regisseur. Ja, die Bäume sind hoch, der Himmel ist blau und die Eisenbahnschienen lang im Staat Idaho. Das Leben ist außerdem hart und die Menschen sind schlecht oder wahre Engel. Zwischentöne? Fehlanzeige. Das Schicksal, im übrigen, ist unerbittlich. Das Schicksal wird grausam zuschlagen und es werden Personen kommen, die dazu banale philosophische Sprüche parat haben, die keinen Millimeter tiefer gehen, als dass sie auch auf irgendwelchen Kalendern abgedruckt werden könnten.

Und damit das Schicksal besonders grausam erscheint, muss das Leben der Familie Grainer natürlich vorher extrem makellos, ja ich sag wie es ist, kitschig dargestellt werden. Diese einzigartige Liebe, dieses wunderbare Kind, inmitten reiner, wenn auch arachischer Natur. Der rechtschaffene Mann, die gütige Frau. Oida. Ich habe wirklich nichts gegen glückliche Paare und heile Familien, aber man kann es echt übertreiben. Hier fehlt eindeutig Jennifer Lawrence (aus Die my Love) die schreiend die Tapeten von den Wänden kratzt, harhar.

Das tatsächlich erstaunliche und auch irgendwie bedauerliche an dem Film ist aber, dass er sich so sehr darum bemüht, etwas im Zuschauer auszulösen, dass ihm genau das kaum gelingt. Zumindest hat es bei mir gar nicht funktioniert. Und er hat mir auch nicht, so wie unlängst History of Sound, ein Film, der ziemlich genau dieselbe Zeitspanne wie Train Dreams abdeckt, ebenfalls eine tragische Geschichte erzählt und auch recht altmodisch erzählt ist, irgendeine weitergehende Erkenntnis geliefert. Mehr kann ich dazu nicht sagen, sorry harhar.

Weiter geht es mit der Oscar-Vorbereitung, denn den folgenden Film habe ich in erster Linie wegen der zu erwartenden Nominierung von Jennifer Lawrence als “Beste Hauptdarstellerin” angeschaut. Die Inhaltsangabe, der Trailer, sowie auch der männliche Darsteller (harhar sorry) hätten mich sonst eher vom Anschauen abgehalten, harhar.

Die my Love ist ein Film der für Verstörungskino bekannten Regisseurin Lynne Ramsay und es geht dabei um Grace (Lawrence), die mit ihrem Freund Jackson (Robert Pattinson) in ein baufälliges Haus mitten im nirgendwo von Montana zieht. Sie ist eigentlich Schriftstellerin, wird aber schnell schwanger und ist nach der Geburt tagelang alleine mit ihrem kleinen Sohn, während ihr Mann im Außendienst arbeitet. Ihre psychische Labilität wird durch die äußeren Umstände noch verschärft, was folgt ist der Befund eines Niedergangs mit Ansage…

ACHTUNG SPOILER MÖGLICH

Zunächst: Es gibt ein paar Dinge, die mir an diesem Film gefallen haben. In erster Linie die Bilder, die die Kamera vom Himmel über Montana einfängt, vom Wald, der Natur. Stimmungen zu erzeugen, auch wenn diese Stimmungen beklemmend und angsteinflößend sind, das hat für mich gut funktioniert. In zweiter Linie funktioniert dieser Film wegen Lawrence, die Die my Love als Referenzwerk dafür verwenden könnte, dass sie den absoluten Wahnsinn sehr überzeugend verkörpern kann. In diesem Film schreit, kratzt und faucht sie, sie kämpft, lacht hysterisch, kriecht über den Boden, hantiert mit Messern und Gewehren, fällt durch eine Glastür, jammert, weint, ist ungeniert nackt, kratzt die Tapeten von den Wänden, streckt die Zunge heraus und macht auch sonst noch einige Dinge, die einen ziemlich befremdlichen Eindruck hinterlassen.

Es gelingt durch die Leistung von Lawrence eine Psychose in der Weise darzustellen, dass man sich fühlt wie nach einer durchzechten Nacht. Man hat als Zuseher das Gefühl, verkatert zu sein, starke Kopfschmerzen und gleichzeitig Sodbrennen zu haben, sich unerklärlich erschöpft und hoffnungslos, sowie generell vollkommen deprimiert zu fühlen. Ich erkenne an, dass dieser Film es geschafft hat, diese Symptome bei mir zu erzeugen, aber angenehm finde ich das jetzt nicht unbedingt.

Inhaltlich ist Die my Love ziemlich leer. Hier wird kaum gezeigt, wieso Grace an dem Punkt steht, an dem sie ist. Viele Dinge kann man sich nur zusammenreimen, etwa ihre Unfähigkeit weiter zu schreiben, sobald sie in das Haus gezogen ist. Es gibt ein paar Hinweise auf ihr Aufwachsen und ihre Kindheit. Aber generell sieht man über weite Strecken Lawrence einfach nur beim “Ausagieren” zu. Irgendeinen Grund zur Hoffnung oder ein “Silver Lining” (der Titel des Filmes für den Lawrence tatsächlich bereits einen Oscar erhalten hat, auch dort spielte sie eine psychisch kranke junge Frau) ist weit und breit nicht zu erkennen. Und wer hier schon länger liest weiß: das mag ich an Filmen gar nicht. Aber ich muss ja nicht mit allem einverstanden sein, harhar.

So, nach drei (!) Wochen habe ich es endlich wieder ins Kino geschafft. Und zwar habe ich mir den neuen Film des griechischen Regisseurs Yorgos Lanthimos, dem Meister des schrägen, durchaus auch unappetitlich-unbequemen Kinos, angesehen.

Bugonia ist eine Art Sci-Fi Satire und handelt von Teddy (Jesse Plemons), einem Paketpacker, der für den Pharmakonzern arbeitet, dem Michelle (Emma Stone) als CEO vorsteht. Teddy, der sich insgesamt vom Leben ungerecht behandelt fühlt, ist davon überzeugt, dass Michelle eine Außerirdische ist, die mit ihrer Spezies dafür verantwortlich ist, dass nichts so läuft wie es sollte. Er lebt mit seinem, sagen wir etwas unbedarften Cousin Don (Aidan Delbis) zusammen, den er dazu überreden will, sich “die Welt zurückzuholen”. Zu diesem Zwecke planen die beiden, Michelle zu entführen und sie dazu zu zwingen, ihren Imperator mitsamt seines Raumschiff bei der kommenden Mondfinsternis von der Erde “zurückzupfeifen”…

WEITGEHEND SPOILERFREI TATSÄCHLICH!

Wer sich denkt, Oida, das klingt ur krank, der kennt Yorgos Lanthimos wahrscheinlich noch nicht. Für ihn ist das ein ganz normaler Plot, harhar. Wobei ich zugeben muss: Sci-Fi und Satire, schon schwierig. Die letzten Satiren, die ich gesehen habe, waren “mildly amusing” und irgendwie so schal, dass ich mir schon gedacht hab, vielleicht bin ich einfach eine Person, die mit Satire generell nicht so viel anfangen kann, weil mich ja immer eher Figuren und ihre Charaktere interessieren. Aber wenn Satire so ist, wie hier bei Lanthimos, nämlich so komplett drüber, alle Grenzen ignorierend und wirklich gegen alle (ideologischen) Richtungen austeilend, dann mag ich es ur, harhar.

Man kann über den Film gar nicht so viel schreiben, ohne zu spoilern. Ich will bei Bugonia allerdings nicht zu viel verraten, weil die Twists so gut sind, dass man sie wirklich gesehen haben sollte. Im Prinzip könnte man sich am Ende gleich nochmal ins Kino setzen, und Bugonia erneut anschauen. Wahrscheinlich würde man dann einen völlig anderen Film sehen.

Was ich an Bugonia mochte: Der Film ist nicht per se witzig. Er ist stellenweise sogar ziemlich brutal und mit diversen “Gore”-Elementen versehen. Aber er hat so eine absurde Komik da und dort, dass man laut lachen muss oder umgekehrt, dass einem das Lachen im Hals steckenbleibt. Ich mag es, wie Lanthimos Musikstücke einsetzt. In seinem letzten Film Kinds of Kindness hat er mit Eurythmics gespielt, hier lässt er Emma Stone zum Roan Chappell Song Good luck, Babe Auto fahren. Das Thema des Songs hat mit dem Film nicht direkt zu tun, aber so circa fünf Schichten drunter findet man doch einen Bezug. Und selbst wenn man ihn nicht findet, ist es ein super Song, der die Stimmung des Filmes prägt.

Und letztendlich sind es die Schauspieler, von denen Bugonia auch lebt, die immer supere Emma Stone als Turbo-Kapitalistin, die sich im Film (und tatsächlich!) eine Glatze schneiden lässt und Jesse Plemons, der diesen irgendwie unangenehmen Typen spielt. Er ist auf eine gewisse Weise hochintelligent, alles hinterfragend, auf andere Weise vertritt er eine Weltsicht, die den meisten wohl völlig skurill erscheint und von der er so selbstgerecht überzeugt ist, dass er zum Außenseiter werden muss. Die Sympathie liegt tatsächlich bei der Figur, die als Einzige, wenn auch völlig naiv Menschlichkeit und Empathie zeigt und verkörpert, dargestellt von einem Laienschauspieler in seiner ersten (!) Rolle.

Wie man sieht, scheitere ich, wie übrigens auch fast alle anderen gerade dabei, Bugonia wirklich gut zu beschreiben, aber ich habs zumindest versucht, harhar.